¿Cuál fue la ultima película que viste? (Mar 2008 - Mar 2011)

TÍTULO ORIGINAL: De brief voor de koning
AÑO: 2008
DIRECTOR: Pieter Verhoeff
DURACIÓN: 110 minutos
GÉNERO: Aventuras
INTÉRPRETES: Yannick van de Velde (Tiuri), Uwe Ochsenknecht (Rafox), Kees Boot (Jaro), Daan Schuurmans (Bendoe), Hanna Schwamborn (Lavinia)
SINOPSIS: Tiuri, un joven de 16 años, arriesga su futuro como caballero cuando recibe un encargo de otro caballero agonizante. Debe entregar una carta al Rey de Unauwen en el más completo de los secretos. Su aventura le llevará a atravesar montañas, bosques y valles, donde en peligro acecha en cada rincón. Bajo ninguna circunstancia esa carta ha decaer en las manos equivocadas?

Para pasar el rato. Aventuras en la epoca medieval, el disco esta como Honor de Caballeros.

 

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE : PARTE 1



TITULO ORIGINAL: Harry Potter and the Deathly Hallows
ORIGEN: Reino Unido.
AÑO: 2010
ACTORES: Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Alan Rickman, Ralph Fiennes, Emma Watson.
ACTORES SECUNDARIOS: Matthew Lewis, Tom Felton, Maggie Smith, Robbie Coltrane,Bonnie Wright, Julie Walters, Jim Broadbent, Bill Nighy, David Thewlis.
DIRECTOR: David Yates.
FOTOGRAFIA: Eduardo Serra.
GUION: Steve Kloves.
MúSICA: Alexandre Desplat.
GENERO: Fantasía, Aventuras.
DURACION: 146 Minutos
CALIFICACION: Apta mayores de 13 años
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SINOPSIS:
Con Dumbledore muerto, Hogwarts intervenido y el Señor Oscuro desatando toda su furia, Harry Potter y sus amigos deben huir y son asistidos por la Orden del Fénix. Pero los Mortífagos siguen muy de cerca a Potter, y se producen bajas entre los aliados del joven mago. Harry termina por hacerse con uno de los horocruxes - los objetos depositarios del alma de Lord Volvemort, y que debe destruir para vencer al Señor Oscuro - pero todos sus esfuerzos para destruirlo son en vano. Entonces comienza a buscar entre los objetos que le legara en herencia Dumbledore ... y descubre que el viejo mago le ha dejado todas las pistas sobre la ubicación de los horocruxes restantes y de cómo destruirlos. Pero los Mortífagos han anticipado la movida y ahora Harry, Hermione y Ron deberán huir nuevamente para salvar sus vidas.</SPAN></SPAN>

CRITICA:
Si hay algo que sorprende de “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte I” es el hecho de que nos encontramos con un evidente cambio en el esquema de su desarrollo. En las anteriores películas, el protagonista de la historia acudía a Hogwarts, conocía a nuevos profesores, iba a clases y, cómo no, se veía involucrado en distintas aventuras junto a sus compañeros de estudio. Sin embargo, ahora todo ha cambiado. Voldemort se ha apoderado del Ministerio de Magia y Potter ha de esconderse de él y de los mortífagos. Asimismo, el espléndido inicio de la cinta nos deja bien claro que ya no nos hallamos ante un juego de niños (ver la partida de Hermione de su hogar), circunstancia que se corrobora minutos después, justo cuando observamos al Señor Oscuro dando órdenes a sus vasallos.
A partir de aquí, el relato se centra principalmente en la constante huida de Harry, Ron y Hermione de sus enemigos, al tiempo que intentan descubrir dónde se esconden los Horrocruxes, cuya destrucción les permitirá vencer a Lord Voldemort. No obstante, no se trata de una escapada frenética, sorprendiéndonos que en buena parte del metraje apenas aparezcan unos cuantos personajes en la pantalla. De hecho, me atrevería a decir que casi parece que nos hallemos ante una propuesta de carácter intimista, dado el ritmo moroso, que no aburrido, de la narración (cierto que se podría haber reducido su duración, pero, a pesar de ello, el filme no se hace pesado en ningún momento). Siquiera la oscuridad es uno de los elementos predominantes en la cinta, no faltan vibrantes pasajes de acción, instantes de una gran hilaridad y fragmentos muy emotivos. Por otro lado, me gustaría mencionar la soberbia secuencia en la que se explica por medio de una animación qué son las Reliquias de la Muerte. ¡Fantástica!
Aunque Daniel Radcliffe, Rupert Grint y Emma Watson no son unos excelentes intérpretes, cumplen con decoro su cometido y se ven ayudados por el buen hacer de un vasto número de actores secundarios. A pesar de los escasos minutos que aparecen en pantalla, nombres como los de Alan Rickman, John Hurt, Robbie Coltrane, Imelda Staunton, Jason Isaacs, Brendan Gleeson, Timothy Spall y David Thewlis nos ayudan a comprender la grandeza de esta saga. Ralph Fiennes y Helena Bonham Carter cobran un mayor protagonismo y bordan sus papeles. Por si esto no fuera suficiente, cabe mencionar las adecuadas aportaciones de Bill Nighy y Rhys Ifans, nuevos en la franquicia. Por último, la labor de David Yates es la de un sobresaliente artesano, siendo ayudado por el trabajo de un buen número de colaboradores (como siempre, el diseño de producción resulta fastuoso). No tengo dudas de que la decisión de adaptar en dos películas el último libro de la serie se ha debido principalmente a motivos comerciales y no artísticos (a fin de cuentas, la estimable “Harry Potter y la Orden del Fénix” duraba menos y la novela contaba con unas 900 páginas). No obstante, ello va a permitir que disfrutemos durante un mayor tiempo de la odisea final del hijo de Lily y James Potter, puesto que, cuando aparecen los títulos de crédito finales de “Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte I”, uno no puede hacer otra cosa que decir… ¡quiero más!

Saludos

 

GRU: MI VILLANO FAVORITO



TITULO ORIGINAL: Despicable me
ORIGEN: Estados Unidos.
AÑO: 2010
DIRECTOR: Chris Renaud, Pierre Coffin.
GUION: Ken Daurio.
MúSICA: Heitor Pereira.
VOCES ORIGINALES: Steve Carell, Russell Brand, Julie Andrews.
GENERO: Animación.
DURACION: 90 Minutos
CALIFICACION: Apta todo público
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SINOPSIS:
En una alegre urbanización con cuidados jardines delimitados por vallas de madera pintadas de blanco y llenos de rosales, sobresale una casa negra con el césped amarillento. Los vecinos ignoran que debajo de la vivienda hay un enorme escondite secreto. Allí está Gru, rodeado por un pequeño ejército de lacayos, planeando el mayor robo de toda la Historia: quiere robar la Luna. Gru es malo y disfruta siéndolo. Armado con un poderoso arsenal de rayos menguantes y congelantes, así como vehículos de combate de tierra y aire, derriba a cualquiera que se interponga en su camino. Hasta el día en que se topa con la tremenda testarudez de tres niñas huérfanas que ven algo inaudito en este oscuro personaje: un padre en potencia.</SPAN>

CRITICA:
Mi villano favorito es un ejemplo contundente de la mediocridad en la que se encuentra el género de animación en Hollywood, salvo por algunas excepciones que cada tanto logran sorprenderte.
Este film de los Estudios Ilumination no un producto completamente malo, pero si mediocre.
La historia central de por sí, es un robo a mano armada al clásico Grinch de Dr Seuss con la particularidad que acá maquillaron un poco los conflictos y los personajes para no hacer exactamente lo mismo.
La trama es aburridísima y los chistes sencillamente no son graciosos porque todo fue elaborado forzadamente para hacer reír con situaciones tontas.
También el trato que el protagonista tiene con las niñas es patético y no causa gracia, pero como es “un dibujo animado para chicos” para determinado público está todo bien porque después descubrimos que el malo tiene buen corazón.
Ahora los Minions, los tipitos amarillos que tienen la misma función que los pingüinos de Madagascar, son los que salvan la película y los que realmente hacen reír.
Mi villano favorito no es completamente mala y tiene sus momentos, pero tampoco es una película distinta de Hollywood como leí en otro lugares.
En fin, otra incursión en el cine de animación de los estudios Universal para el olvido. </SPAN>

Saludos

 

Título original: Straw Dogs
Director: Sam Peckinpah
Productor: Daniel Melnick
Guión: David Goodman y Sam Peckinpah. Basado en la novela The Siege of Trencher&#8217;s Farm, de Gordon Williams
Fotografía: John Coquillon
Música: Jerry Fielding
Montaje: Paul Davies, Tony Lawson y Roger Spottiswoode
Director de arte: Ken Bridgeman
Diseño de efectos especiales: John Richardson
Intérpretes: Dustin Hoffman (David Sumner), Susan George (Amy Sumner), Peter Vaughan (Tom Hayden), Del Henney (Charlie Venner)
Duración: 118 minutos. Color
Un forastero prófugo se refugia en un pequeño y solitario pueblo, donde es considerado un intruso por parte de la hermética comunidad local. Todos los personajes autóctonos se dan cita en torno al centro neurálgico de la localidad, un saloon donde los parroquianos deciden inundados en whisky los avatares del pueblo. Allí están todos, desde el barman de turno hasta el borracho, el sheriff, los delincuentes de poca monta, la puta o el tonto del pueblo. Por supuesto, el ingenuo reverendo es el encargado de luchar por establecer los valores éticos y morales en esta &#8216;ciudad sin ley&#8217;. Por su parte, las mujeres del pueblo son ninguneadas y relegadas a objetos de deseo, decoración y conflicto. Por supuesto, cualquier detonante que ponga en peligro la pervivencia del enrarecido modo de vida del pueblo será aplacado a través de la ley del más fuerte. Así, cuando el pueblo decida tomarse la justicia por su mano, el improbable sheriff no será más que la primera de las víctimas que se cobrará la sangría en la granja de los Sumner. ¿No suena todo esto a una del oeste?
El forastero en cuestión es David Sumner (Dustin Hoffman), un astrofísico americano que huye de su país para no ser reclutado y obligado a combatir en Vietnam. Esta revelación es de suma importancia, ya que nos habla de un personaje de ideología antibelicista pero, a su vez, tal vez también con un carácter temeroso, amedrentado o, incluso, cobarde. Por ejemplo, cuando sufre remordimientos por matar a un pato en una cacería, o cuando no tiene agallas para exigir a los hombres del pueblo una explicación por la atroz muerte de su gato. Como todo científico, David es un hombre racional, un estratega nada pragmático condenado a enrocarse en teorías y métodos inútiles en la vida real.

El hombre se instala junto a su joven esposa Amy (Susan George) en Cornwell, un pueblo del norte de Inglaterra donde ella pasó parte de su adolescencia. La presentación que Peckinpah hace de Amy es realmente sugerente, y va en sintonía con todo el tratamiento que de ella se hace durante todo el metraje: lo primero que vemos de la joven mujer es un primer plano de un suéter blanco donde intuimos los pezones erectos de sus pechos sin sostén. Así, la muchacha es presentada como una provocadora: en la primera escena hacer el amago de atropellar con su coche a los hombres del pueblo y contrata a un ex novio para realizar unas obras en su casa, luego se pavonea por el pueblo e, incluso, deja ver sus pechos a través de una ventana a los hombres que trabajan en su casa. Este cúmulo de elementos cobrarán gran significado en la escena de la violación de la joven, donde el realizador se las arregla para que el público esté más que tentado a sentenciar que ella misma se lo ha buscado. Es más, la propia actriz ha declarado en alguna ocasión que, en un cierto punto del acto, Amy llega a disfrutar de la violación, hecho que la intérprete trató (con escabroso éxito) de plasmar en la pantalla.
Amy es un elemento de amenaza para su propio marido. A los frecuentes e intensos choques de personalidad entre ambos se unirá la traición de esta a David en la apoteósica escena final del film, donde, tras dejar claro que no comparte los valores y la integridad de su marido, trata de abrir la puerta a los asaltantes de la granja de los Sumner (de hecho, la novela en la que se basa el film, del escritor escocés Gordon M. Williams, se llama The Siege of Trencher&#8217;s Farm).

Si Amy es un elemento nocivo, el resto de mujeres del pueblo son representadas con la misma saña. Por una parte, la joven Janice, una muchacha promiscua y juguetona que acaba pagando con su vida su falta de pudor. En esta escena Peckinpah parece sugerir, de nuevo, que su muerte ha sido un desgraciado accidente derivado del &#8216;jugar con fuego&#8217; de la adolescente. Igualmente de patético es el personaje de la esposa del reverendo Barney Hood, una atractiva mujer relegada a una presencia testimonial, intrascendente y, en la única línea de diálogo que tiene, embarazosa; al dejar en evidencia a su marido preguntando quién es Montesquieu. Estos demoledores ataques contra los maltrechos personajes femeninos son demasiad explícitos como para no pensar en misoginia.
Por si fuese poco este retrato absolutamente misógino de la mujer, a Peckinpah no le tiembla el pulso al presentar un punto de vista misántropo del conjunto de personajes de la obra. Perros de Paja es una olla a presión, una cuenta atrás, un volcán dormido durante siglos a punto de erupcionar y devastar a su paso todo lo que se interponga en su camino. David Sumner es el Vesubio a punto de engullir las almas de los hombres de Cornwell.
Tal vez lo que más horrorizó a la implacable crítica de la época fue no poder negar el hecho de que, como público, sólo podemos estar del lado de David. ¿Acaso no merecían morir esos cabrones inútiles? ¿Acaso no abandonaríamos nosotros a esa zorra caprichosa, traidora y buscona? Sin duda, si sabemos lo que nos conviene. Nadie en su sano juicio puede condenar el desenlace de la cinta y eso, según mi punto de vista, es lo que escuece, lo que irrita. En definitiva, lo que jode. Cualquiera de nosotros habría ejercido la violencia ante una situación semejante, y estoy seguro de que a todos nos habría reconfortado el hacerlo. Para una sociedad democrática y cristiana fundamentada en la defensa de los derechos humanos y el amor al prójimo esta es una afirmación inaceptable. ¿Acaso pondrían esos críticos la otra mejilla? Como se dice en mi tierra, ¡o carallo vintenove!

Salvando las distancias ideológicas y artísticas obvias, el mensaje de la cinta del realizador de Pat Garrett and Billy The Kid (1973) tiene muchos puntos en común con la reciente A ciegas (Blindness, 2008), del brasileño Fernando Meirelles: todo ser humano es capaz de sacar a la luz su faceta más perversa cuando es sometido a condiciones extremas. Así, las burlas (la insoportable risita del personaje de Chris Cawsey es una invitación a la masacre), humillaciones y rechazo que David recibe por parte de la comunidad serán el caldo de cultivo de la sangría que arrollará el tercer acto de la película.
El racional, pacífico y cobarde señor Sumner castigará con furia el atentado contra su hogar: &#8220;Esta es mi casa. Y yo soy yo. No toleraré la violencia contra esta casa&#8221;. Si la violencia en Grupo Salvaje (The Wild Bunch, 1969) había sido poéticamente estilizada, en Perros de Paja es mostrada en su condición más cruda, virulenta y visceral.
Así, cuando el accidental asesino John Niles confiesa A David no saber cuál es el camino de vuelta a casa, éste responde el célebre &#8220;no te preocupes, yo tampoco&#8221;. David ha vivido en una casa que no es la suya con una mujer que no es la suya. Al fin, lo ha comprendido. Y no piensa volver. Sin duda, Tarantino no sería Tarantino si Peckinpah no hubiese sido Peckinpah.
Sam Peckinpah es bueno para las escenas de violencia, es un arte lo suyo, otras que he visto son: La Cruz de Hierro y La Pandilla Salvaje. Buena la Susan George, muy seductora antes de la violación, en la forma de hablar, sus posturas, etc.

 

Dirección: Luchino Visconti
Guión: Suso Cecchi d&#8217;Amico, Francesco Rosi, Luchino Visconti
Producción: Salvo D&#8217;Angelo
Fotografía: Piero Portalupi, Paul Ronald
Música: Franco Mannino
Montaje: Mario Serandrei
Intérpretes: Anna Magnani, Walter Chiari, Tina Apicella, Gastone Renzelli

Bellissima Anna Magnani, musa de lo que fue el cine italiano post fascista, al mismo tiempo mujer desesperada en Roma cittá aperta (Rossellini), encarnación del alma de una ciudad en Mamma Roma (Pasolini) o proletaria exaltada en Bellissima (Visconti). Esta increíble mujer supo encarnar, a través de sus personajes, las distintas y complejas caras de la sociedad italiana después de la caída de Mussolini. Uno de los realizadores que supo aprovechar al máximo sus potencialidades artísticas fue justamente el genial Visconti, personaje controvertido y crítico frente a la sociedad en la que vivía, que nunca dejó de creer en su propia visión del cine y que siempre fue fiel a su personal mirada sobre la actualidad. Es justamente esta postura, esta fusión del arte y de la realidad, que fue procesada y que muchos críticos de la época definieron como falsa por demasiado estilística. Bellissima es un ejemplo perfecto de su idea del cine como &#8216;espejo de la sociedad&#8217;, reflejo artístico de la gente que vivió durante su época. El Neorrealismo Italiano se basa justamente en el dilema: cómo representar la realidad a través del cine, cómo dejar una imagen de lo que fue la sociedad italiana de post guerra sin traicionar la Historia. La postura escogida por muchos realizadores, Rossellini en primer lugar, fue la de la &#8216;ilusión de la realidad total&#8217;; estos artistas creyeron, en efecto, en la capacidad del cine de captar lo real sin mutaciones. Visconti nunca creyó en esta visión del cine y, al contrario, siempre fue fiel a su ideal, la &#8216;realidad del arte&#8217;. Durante su vida, investigó con determinación el medio cinematográfico, la única arma que tenía para comprender la realidad en la que vivía. Anna Magnani fue la actriz que encarnó en sí misma esta paradoja de la &#8216;realidad del arte&#8217;, de la representación de la actualidad a través de las características propias del séptimo arte. Bellissima, así como &#8216;la Magnani&#8217;, nos guían en este mundo fantástico, una mezcla atípica de comunismo y aristocracia que continúa siendo moderno e intrigante después de medio siglo.

El director Alessandro Blasetti está haciendo un casting en los estudios Cinecitta para elegir a una niña que actuará en su nueva película. Entre la multitud de madres que han llevado a sus hijas está Maddalena Cecconi, una mujer de barrio que sueña con que su hija María triunfe en el mundo cinematográfico. Contra la voluntad de su marido hará todo lo posible para que la pequeña llegue a lo más alto.
Al final se dara cuenta que no es el futuro que quiere para su hija y larga a todos los de Cinecitta, rechaza los 2 millones de liras del contrato, a pesar de necesitar el dinero, que personalidad de Anna.

 

Dirección: James Mangold.
País: USA.
Año: 2001.
Duración: 121 min.
Interpretación: Meg Ryan (Kate McKay), Hugh Jackman (Leopold Alexis Elijah Walker Gareth Thomas Mountbatten), Liev Schreiber (Stuart Besser), Breckin Meyer (Charlie McKay), Natasha Lyonne (Darci).

SINOPSIS

Kate McKay (Meg Ryan) es una ejecutiva moderna, una mujer del siglo XXI cuya vida está dirigida a triunfar en el mundo empresa-rial. Leopold (Hugh Jackman), el tercer Duque de Albany, es un caballero soltero y encanta-dor de finales del siglo XIX. Las expectativas profesionales y sociales de ambos, les llevan a mostrarse cínicos ante el menor indicio de enamoramiento. Pero cuando una rasgadura en el tejido del tiempo introduce a Leopold a la actual ciudad de Nueva York, explota un gran potencial para un moderno film romántico a la antigua.

El final es cortante, como que interrumpe el film, eso me parecio.

 

Titulo Original:Black Ops
GENERO:Terror
PAIS:Estados Unidos
DURACION:100 Minutos
AÑO:2008
DIRECTOR: Rebel Wan
GUION: Ethan Wiley
Roel Reiné
INTERPRETES:
Gary Stretch
James Russo
Katherine Randolph

Lance Henriksen
PRODUCTOR: Ethan Wiley
Roel Reiné


Sinopsis:

Un grupo de soldados de las fuerzas especiales, son enviados a un antiguo barco semi hundido para atrapar a un peligroso terrorista. Cuando llegan al lugar, se toparán con lo extraño.​

Bueno primeramente vamos a aclarar los tantos, la peli no es de terror, es un thriller puro con una atmosfera de tension algo conseguida pero muy lejos de lo ideal.​

Desde el comienzo ya se puede notar una fotografia y edicion correctos, planos decentes, bastante dialogo (algo logico viendo el genero) y una banda sonora digna de mencion, la verdad que es lo que mas sobresale de Black Ops, tecnicamente esta bien pero como veran mas adelante esto no asegura una buena pelicula.​

Que se puede decir de la trama, hay bastante dialogo y es muy importante seguirlos al pie de la letra porque de ahi se pueden sacar muchas conclusiones que se develan al final, un final trampa que ya vi muchas veces pero en este caso no da el impacto esperado y vamos a ser lapidarios es lo maximo que Black Ops nos puede entregar, el final, si este no resulta estamos en el horno. Todo lo que pasa antes del final la verdad que es para bostezar, ni las muertes la salvan de ser un producto mediocre porque tampoco estan del todo bien hechas.​

El principio hasta la mitad se pone interesante pero llega un momento que uno ya se calienta y quiere ver quien es el que esta masacrando a la tripulacion, no muetran nada hasta que uno ya se harto y cuando aparece es un decepcion total.​

BlackOps es una experiencia poco aconsejable, no es una pero se queda bastante cerca y estoy muy seguro que muy pocos habran visto el final, no hay manera de llegar sin hecharse una buena siesta...para nada recomendable.​

Tiene varios nombres este film, Black Ops, Dead Water, Nazi Dawn. No recuerdo el nombre en español del disco. La historia es confusa, esperaba algo mejor de Lance Henriksen, la calificaria como bodrio. Si llega al cine, no iria.
Algo rescatable Katherine Randolph:
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'Red' fue publicada por primera vez en el año 2003 y narra la historia de un agente de la CIA especializado en operaciones especiales que siempre están al margen de los cauces oficiales (el trabajo sucio, hablando claro). Disfruta de una vida apacible, ya retirado del trabajo de campo. Pero todo cambia cuando un día sufre un atentado por parte de un asesino profesional.
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MUTANT CHRONICLES (La Maldición Mutante)

Protagonizada por Thomas Jane (Deep BlueSea) y Ron Pearlman (Hell Boy) entre otros como la jaladita que aparece en Rápidos y Furiosos, Devon Aoky, y la vampiresa Anna Walton. Pela lanzada en el 2008, pero recien estrenada aqui en Perú. Ahi nomas, quizas hasta un poco aburrida, la pareja que se sento en la fila de atrás se quito de la sala a la media hora, aunque me dio la impresión que se fueron a matatirutirulai.
No tiene banda sonora, los efectos especiales no son nada del otro mundo, por ahi muestra un poquito de acción en las escenas de guerra, las pistolas y metracas me parecieron bravas, bueno, la pela se vive en los años 2707 si no me equivoco, pero a pesar de ser unos armones (no en diseño, si en ruido) las espadas que utilizan los personajes terminan siendo mas efectivas y en un pasaje de la pelicula lo mencionan.
Ya vi Megamente, no soy fanatico de Harry Potter ni me llama la atención, a excepción de Narnia, por estas fechas no hay nada bueno en el cine.

 

Crítica: Por fin pude verla y me divertí tal como niño, una excelente película, una buena trama y buenos mensajes, como bien se dice en noticas de cine por Saint Seya podría ser considerada como mejor película del año, claro si es que antes pasa por el filtro de la academia. Cosa que sería una revolución al traspasar el genero animado, dudo mucho pero a mi parecer una de las mejores películas que he visto en el año.
Puntaje (1/10): 9.

 

La Red Social




Título original: The social network.
Dirección: David Fincher.
País: USA.
Año: 2010.
Duración: 122 min.
Género: Drama.
Interpretación: Jesse Eisenberg (Mark Zuckerberg), Andrew Garfield (Eduardo Saverin), Justin Timberlake (Sean Parker), Armie Hammer (Cameron Winklevoss/Tyler Winklevoss), Max Minghella (Divya Narendra), Rooney Mara (Erica), Rashida Jones (Marylin Delpy).
Guión: Aaron Sorkin; basado en el libro “Multimillonarios por accidente” de Ben Mezrich. Producción: Dana Brunetti, Ceán Chaffin, Michael De Luca y Scott Rudin.
Música: Trent Reznor y Atticus Ross.
Fotografía: Jeff Cronenweth. Montaje: Kirk Baxter y Angus Wall.
Diseño de producción: Donald Graham Burt. Vestuario: Jacqueline West.
Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Estreno en USA: 1 Octubre 2010

Sinopsis

En “La red social”, el director David Fincher y el guionista Aaron Sorkin exploran el momento de la invención de Facebook, el fenómeno social más revolucionario del nuevo siglo. La película se basa en múltiples fuentes y se traslada desde los pasillos de Harvard a los cubículos de Palo Alto para capturar la emoción visceral de los inicios de un fenómeno que cambiaría la cultura actual y relatar cómo unió y después separó a un grupo de jóvenes revolucionarios. En el ojo del huracán se encuentran Mark Zuckerberg, el brillante alumno de Harvard que concibió una página web que parece haber redefinido nuestro tejido social de la noche a la mañana; Eduardo Saverin, el que fuera amigo íntimo de Zuckerberg, quien aportó el capital inicial para la joven empresa; Sean Parker, el fundador de Napster que trajo Facebook a los inversores de capital de riesgo del Silicon Valley; y los gemelos Winklevoss, los compañeros de Harvard que afirmaron que Zuckerberg les robó la idea y después le demandaron su titularidad.

Comentario: Es una película aceptable que cuenta la historia de como se gestó el facebook y de los intereses y pugnas por adueñarse de la propiedad intelectual, derechos, participación en decisiones, acciones de la empresa. A mi parecer una película aceptable, que no captaría tanta atención si facebook no estaria por encima de 500 millones de usuarios.
Puntaje (1/10): 7.

 

PRECIOSA
(PRECIOUS)



TITULO ORIGINAL: Precious
TITULO ALTERNATIVO: Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
AÑO: 2008
ORIGEN: Estados Unidos.
ACTORES: Gabourey Sidibe.
ACTORES SECUNDARIOS: Mariah Carey, Lenny Kravitz, * Mo'Nique, Paula Patton.
DIRECTOR: Lee Daniels.
FOTOGRAFIA: Andrew Dunn.
GUION: Geoffrey Fletcher.
MúSICA: Mario Grigorov.
PRODUCTOR: Oprah Winfrey.
GENERO: Drama.
DURACION: 110 Minutos
CALIFICACION: Apta mayores de 16 años
</SPAN>
SINOPSIS:
Precious Jones tiene dieciséis años, es negra y casi analfabeta, y espera su segundo hijo. El primero lo tuvo a los doce años, y el padre de ambos es su propio padre. Vive en Harlem, en la ruinosa Lenox Avenue, el reino de los invisibles, de los sin voz, con su madre, una reclusa obesa y cruel que mira la televisión sin cesar, devora la comida que Precious le prepara y la somete a los más denigrantes abusos. Forzada a abandonar la escuela a causa de su embarazo -y el último y precario vínculo que la ligaba al mundo-, Precious acaba en un instituto para casos desesperados.
Pero allí, en el último escalón de aquellos que ya han bajado todas las escaleras, está la señorita Rain, una maestra joven, combativa y radical, y Precious tendrá la posibilidad de recuperar su voz y su dignidad…</SPAN>

CRITICA:
No estoy seguro si la película Preciosa es una brutal denuncia del fallido sistema social norteamericano, o un recordatorio de la bajeza humana que se esconde tras el engañoso rostro de la "civilización", o un amarillista "drama de talk show" que explota la miseria ajena con fines comerciales. Quizás sea una combinación de todo eso. Pero, concretamente, es una fuerte experiencia fílmica que no puede ser categorizada en fáciles clichés, y que no se olvidará en mucho tiempo.
Hasta donde sé, [ame="http://www.amazon.com/Precious-Push-Movie-Vintage-Contemporaries/dp/0307474844/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=books&qid=1267835570&sr=8-1"]Precious[/ame] no está basada en un caso real, pero se siente más auténtica y creíble que cualquier drama hollywoodense, y desde luego podemos agradecer ese considerable logro a las feroces actuaciones de Sidibe y la comediante [ame="http://www.youtube.com/watch?v=3fwjdtzk1Zs"]Mo'Nique[/ame], no solo apoyadas por su potente presencia física, sino por el vigor de las emociones que transmiten con cada pequeño gesto, muchas veces más revelador que las frecuentes peleas e insultos.
Hay actuaciones secundarias de los cantantes Lenny Kravitz y Mariah Carey.
Sin embargo hay algo aún más valioso, y creo que se trata de la disciplina mostrada por el director Lee Daniels, quien nunca permite que sus personajes tomen el fácil camino de la lástima, ni los degrada para generar gratuita compasión del público. Desde luego nos conmiseramos por el sufrimiento de Precious, y hasta por la torcida mentalidad de su madre, pero Daniels nunca presenta a sus personajes como pasivos mártires dignos de nuestra piedad, sino como personas fuertes y formadas que simplemente carecen de la oportunidad para escapar su situación.... o de la claridad para entender el origen de la misma.
Por encima de todo, la cinta [ame="http://www.amazon.com/Precious-Based-Novel-Push-Sapphire/dp/B002VECM4A/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=dvd&qid=1267813493&sr=8-1"]Precious[/ame] aspira a un contexto que trasciende sus simples atributos técnicos o artísticos. Los comentarios sociales y culturales que ofrece resultan tan importantes como la historia misma, y aunque me parecieron devastadoramente acertados, algunas personas los han interpretado como [ame="http://www.nypress.com/article-20554-pride-precious.html"]racistas[/ame] o denigrantes de la raza negra. No me siento capacitado para refutar esos cargos, pero estimo que los problemas de la protagonista no están determinados por su raza, sino por la condición prevalente en los estratos más oprimidos de cualquier país y cualquier ciudad, donde la protección y buenas intenciones de políticos y educadores no los salva de la crueldad y vicios familiares que resultan más difíciles de extirpar. Es cierto que [ame="http://www.amazon.com/Precious-Based-Novel-Sapphire-Blu-ray/dp/B002VECM4K/ref=sr_1_3?ie=UTF8&s=dvd&qid=1267813493&sr=8-3"]Precious[/ame] se limita a señalar el problema sin ofrecer soluciones válidas (y su conveniente final sufre un poco por su propia indulgencia); sin embargo [ame="http://www.youtube.com/watch?v=b5FYahzVU44"]Precious[/ame] es una de esas películas que inspiran muchos adjetivos, aunque resultan insuficientes para describir la experiencia de verla. No puedo decir que sea "recomendable" por su mero valor como entretenimiento; pero definitivamente será indispensable para quien desee ver una obra relevante, con sustancia que rara vez encontramos en la cinematografía contemporánea, a pesar del abrupto final que no me pareció del todo satisfactorio (aunque su ambigüedad es consistente con el tono general de la película).
Más que una simple historia de sufrimiento y (potencial) redención, Precious es una manifestación del desmoronamiento social provocado por un sistema de valores cuestionable, pero no exento de esperanza para las personas con el indomable espíritu para enfrentar su situación... y la realidad de que no todos saldrán victoriosos.</SPAN>

Saludos.

 

TRON



Título Original: TRON
Año: 1982
Género: Ciencia Ficción
País:</SPAN> USA y Taiwan
Reparto:
Jeff Bridges como Kevin Flynn / Clu
Bruce Boxleitner como Alan Bradley / Tron
David Warner como Ed Dillinger / Sark
Cindy Morgan como Lora / Yori
Barnard Hughes como Dr. Walter Gibbs / Dumont
Dan Shor como Ram
Peter Jurasik como Crom
Formato:</SPAN> Color
Duración: 96 min.

SINOPSIS:
Flynn, un ordenador que inventa vídeojuegos, se encuentra a merced de la malvada fuerza humana que contesta al panel de control principal -la presencia de un poderoso corrupto ordenador que ha radiado Flynn dentro de su juego mortal. Allí, ladrones electrónicos y la imparable carrera Cycle Lights. Con la ayuda de sus amigos, Alan y Lora, la esperanza de Flynn es activar a Tron, el valiente y fiable programa, en una heroica batalla por salvar a la humanidad.

CRITICA:
Tron" se ha convertido con el paso de los años de un gran fracaso cinematográfico a una película de culto. Sinceramente este cambio de rumbo tan radical no lo entiendo, ya que en mi opinión la película no es una gran maravilla.
Reconozco que lo más destacable de todo el film son los fantásticos efectos especiales, que vistos actualmente se ven recontra obsoletos , pero hay que pensar que estamos hablando de una película de principios de los 80. En esta época el boom de los videojuegos era muy fuerte, y la informática empezaba a despuntar. "Tron" lleva sobre sus espaldas un trabajo en efectos especiales impecable, marcando un antes y un después en esta rama técnica del mundo cinematográfico.
Prácticamente toda la película está realizada a través de efectos especiales (asunto que creó muchas críticas en su época). Para crear esa mezclas de colores hay que indicar que la película fue rodada en blanco y negro, y luego se le pintaron parte de los fotogramas con colores vivos. De ahí esa mezcla tan llamativa.
Son los efectos especiales lo único destacable da la película, ya que la historia ha quedado totalmente antigua con el paso del tiempo, creando una sesación de simpleza en el espectador.
En fin, una película que en ciertos momentos resulta aburrida y tonta , y que lo único destacable serían esos efectos especiales bastante básicos que producen cierta añoranza en el espectador a la par que asombra al comprobar como han evolucionado los efectos y lam tecnología en apenas ciertos años.</SPAN>

Saludos



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Comentario: Buena película, junto con el lado ciego the blind side fué unas buenas películas nominadas al oscar del 2010 . Preciosa es una buena película dramática, con un buen guión, que de nuevo nos lleva a la realidad de la discriminación y la violencia. Buena para verla y reflexionar.
Puntaje (1/10): 7.

 

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Comentarios:
Una muy buena pelicula de accion, recomendable. Es la segunda vez que la veo en mi PC. Denzel Washington le hace merecedor gracias a esta pelicula como ganador del Oscar al rol de "Mejor actor" y no es para menos. Este seria su segundo Oscar. Realiza la mejor interpretacion que haya visto. Todo un maestro!!!

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TB

 

Breakfast at Tiffany's (en español: Desayuno con diamantes) es una famosa película estadounidense del género comedia, rodada en 1961 y dirigida por Blake Edwards. Protagonizada por Audrey Hepburn y George Peppard, contó con un reparto de actores secundarios que incluía a Patricia Neal, Martin Balsam, Mickey Rooney y José Luis de Vilallonga. La película es una adaptación bastante libre de la novela del mismo título de Truman Capote.

En las comedias románticas, se parte de una tesis casi irrefutable. Ésta es, que la película trata de encontrar una forma de relacionar a dos seres incompletos en la búsqueda de la plenitud. De ser uno. Es una forma de juntar dos partes que no nacen complementarias. La gracia de las comedias, está que al final nos dan la ilusión que esa imposibilidad sí es realizable y poder transpolar esa experiencia a la vida real. Pero en Breakfast at Tiffany's (1961) se juega en otro nivel, porque se enmascara con un beso el drama de no poder escapar del desencuentro.

Holly Golightly (Audrey Hepburn) es una texana que va a Nueva York, digamos que para encontrarse a sí misma, aunque su vida esté llena de apariencias. Apariencia de sofisticación, de independencia, hasta apariencia de amor (a cambio de &#8220;favores&#8221. Hasta que conoce a Paul Varjak (George Peppard), un escritor citadino que en su tiempo libre (que para un escritor es bastante) es un gigoló. Toda la película se va a centrar en cómo estos dos personajes se enamoran, pero allí entran idas y vueltas, certezas y dudas que terminan con un personaje enamorado y otro muerto de miedo.
Pero para llegar a la duda, debemos pasar por la certeza. Y esa se encuentra en la escena que da el título al film. Luego del frustrado matrimonio de Holly con un millonario, ella y Paul deciden pasar un día juntos, paseando, jugando, en resumen siendo almas libres. Luego de ese día, Paul cree que lo imposible ha sucedido. Rompe con la mujer que lo mantenía y decide entregarse a Holly. Pero ella, a pesar de quererlo, decide casarse con otro millonario. Lo que va a hacer Paul el resto del film, es tratar de convencer a Holly que no sea testaruda y admita lo que siente. No obstante, en el clímax de la película, lo que Holly hace, no es admitir explícitamente que también lo ama, sino que teme quedarse sola. Que su bella imagen de independencia, es una apariencia que encierra el pavor de estar sola y vulnerable en una ciudad tan agresiva y seguramente alienante.

Una diferencia sustancial con las comedias románticas contemporáneas, es que esta película no expresa la existencia de un saber acerca del amor. Un tipo de conocimiento previo que lleve hacia él. Lo que sí se infiere, es que existe una condición previa a él. Es la de renuncia a la verdad de sí mismo a fin de buscar una nueva verdad entre los dos. Y esta renuncia, este saltar al vacío de lo que no se conoce, es una de las cosas más difíciles del mundo. Algo que me parece que Holly no termina de hacer y le da un tinte un poco más dramático de lo que se piensa al film.

Buena película, tiempo que no veia algo de este estilo.

 

Título: La leona de dos mundos [Born Free]
Año de producción: 1966
Dirección: James Hill
Intérpretes: Virginia McKenna, Bill Travers, Geoffrey Keen, Peter Lukoye, Omar Chambati, Bill Godden, Robert S. Young.
Guión: Lester Cole
Música: John Barry
Fotografía: Kenneth Talbot
Duración: 95 min.
Género: Aventuras, Drama
2 Oscar: banda sonora original, mejor canción ​

Esta maravillosa aventura, basada en la exitosa novela acerca de una leona y la mujer que la cría desde cachorra para eventualmente liberarla, ("Born Free" de Joy Adamson) es una película fotografiada de manera hermosa en las vasta sabanas doradas del África Central.

La Leona de Dos Mundos es una historia de amor y valentía, naturaleza y conducta humana, y de relaciones emotivas. Cuando el guardabosque George Adamson (Bill Travers) se ve obligado a matar una pareja de leones, él y su esposa Joy (Virginia Mckenna) adoptan a los tres cachorros huérfanos.

Dos de ellos son enviados a zoológicos, pero conservan a la tercera: una leona a la que deciden llamar Elsa. Cuando Elsa se convierte en una leona completamente desarrollada, los Adamsons se dan cuenta de que deben liberarla y enseñarle a sobrevivir por sí sola. Unos años después, los Adamsons regresan a la selva y se sorprenden por la bienvenida de su vieja amiga.

La trama del film es sencilla, y a veces uno tiene la impresión de estar contemplando un documental. Pero los puntos fuertes del film como la fotografía de los paisajes africanos y la subyugante banda sonora de John Barry ayudan a hacer de esta película una pasable muestra de cine de aventuras y familiar. Tanto la banda sonora como la canción que suena al final del film merecieron los Oscar.

Buen final. Elsa se adapta a la vida en la selva y tiene 3 cachorros. Reconoce a Joy.

 

Conspiracy (EUA / GB 2001); Intérpretes: Kenneth Branagh (Heinhard Heydrich), Stanley Tucci (Adolf Eichmann), Colin Firth (Dr. Wilhelm Stuckart), Barnaby Kay (Rudolf Lange), Ben Daniels (Dr. Joseph Bühler), David Threlfall (Dr. Wilhelm Kritzinger), Jonathan Coy (Erich Neumann), Brendan Coyle (Heinrich Müller), Ian McNeice (Dr. Gerhard Klopfer), Owen Teale (Dr. Roland Freisler), Nicholas Woodeson (Otto Hofmann), Kevin McNally (Martin Luther), Peter Sullivan (Eberhard (Karl) Schöngarth), Ewan Stewart (Dr. Georg Leibbrandt); dirigidos por Frank Pierson
Hay quince hombres reunidos en una mesa de negociaciones. El líder de la reunión, el Gral. Heydrich, lleva la voz cantante. En realidad, la reunión es casi un monólogo con ocasionales irrupciones de algunos de los asistentes.
Hay un tema que predominia la reunión. Es un tema que se introduce diplomáticamente al principio de la misma pero que, a medida que pasa el tiempo (tan sólo dos horas lleva en total), los eufemismos se van cayendo por términos más crudos. Es como un precalentamiento para tocar el tema de fondo en su debido momento. Por ello, el Gral. Heydrich lleva la reunión con cierto timing premeditado. Socializa, debate, hace pausas regadas generosamente con las mejores comidas, licores y cigarros, regresa al debate, pausa para más bebidas y delicadezas mientras que - en cada rincón - negocia y - fundamentalmente - apura a los indecisos y a los rebeldes.
Estos quince personajes despiertan simpatías y rechazos. Están los torpes, los de experiencia - que anticipan las jugadas -, los políticos de siempre, los apasionados, y los que conspiran en silencio. Bromean sobre los temas que tratan - están trabajando, después de todo, y precisan distenderse - , y no es extraño que el espectador se encuentre riéndose con algunos de sus chascarrillos.
Es ciertamente una reunión de pura formalidad, porque el tema tratado ya fué decidido por autoridades superiores, fue planeado e implementado. Sólo se busca informar y contar con apoyos al mismo, lograr algunos puntos de vista sobre zonas grises, obtener algunas ideas secundarias para pulir un proyecto ya puesto en marcha.
Nada de esa reunión sería diferente a la de una reunión habitual de negocios. Pero, lo que termina por helar la sangre, es que la cita tiene lugar en una mansión decomisada a los judíos en Berlín, en Enero de 1942, que todos los asistentes visten uniformes nazis, y que la temática que tratan es la solución final al tema judío.
HBO es una cadena que se especializa en telefilmes de alta calidad, generalmente de tono político. Este es otro ejemplo más de su excelente factura, que nos invita a asistir a la infame reunión conocida como la Conferencia Wannsee, y donde altos jerarcas nazis deciden el inicio del exterminio masivo de judíos en Alemania y territorios ocupados.

Uno puede leer críticas sobre el film como "malévolo", "terrorífico", "el inicio del horror"... que parecen más proclamas políticas que otra cosa. El film no es maligno; no es una película de terror. El terror es algo que se manifiesta de modo externo, gritando con el susto recibido, como un film de Martes 13. Acá no hay nazis locos ni caricaturas de oficiales ciegos recitando discursos. No : el efecto del film es de una implosión moral, es de un espanto interno que recibe el espectador ante la amoralidad y soberbia de los personajes para decidir sobre miles de vidas humanas. Como en el film, cuando se llega al tema central sin palabras rimbombantes, y en donde la mayoría se siente descompuestos, reflexivos. Porque el director Pierson ha representado a cada uno de ellos como personas, como seres humanos - cierto, partidarios de una ideología demente -, pero que en su debido momento hablan de matar a 20 millones de personas en un año de modo sistemático. Es la falta de pasión del interlocutor - el Gral. Heydrich, conocido como "el Carnicero de Praga" - al tratar estos asuntos lo que nos hela la sangre. Para él, es un tema decidido que precisa la colaboración de diversos departamentos y ministerios. Es resolver la burocracia del asesinato sistematizado; porque es simple : los ghettos no alcanzan, los campos de concentración tampoco, y las soluciones intermedias como la esterilización, son lentas y caras. Son tan simples sus objetivos y razonamientos que, de ser una reunión standard de negocios, estaríamos asombrados de su inteligencia y eficiencia. Eso es lo verdaderamente aterrador del film.
Branagh roba la escena en el rol de Heydrich, como una maquina de hablar que mide, razona y negocia apoyos mientras lanza sus misiles sobre la mesa. Tucci hace un trabaja mucho menor como Eichmann : es un ladero que se mueve en silencio, apoyando entre las sombras, articulando pequeñas ideas... y que el actor canaliza con gestos mínimos. Quienes descollan como voces disonantes (y en términos relativos, ya que nadie habla de humanidad - la ideología nazi fluye por su sangre - sino de eficiencia de métodos para inutilizar la supuesta amenaza que representa la inmensa población cautiva judía) son el Dr. Stuckart - representado con pasión por Colin Firth -, y quizás el mejor personaje de todos que es el Dr. Kritzinger, representado por David Threlfall. Este último es el único que exhibe un profundo debate moral, que anticipa hacia donde va la reunión, que comprende los alcances de la masacre, y que brinda la excelente reflexión del final.
Es un film profundamente moral; es la muestra de la ideología extrema representada en términos simples y pragmáticos; es la locura explicada en terminos razonables. Y es una muestra de muchas cosas que han sucedido - después de la segunda guerra mundial - en términos de personas convencidas de sus retorcidos valores morales, decidiendo de un plumazo borrar la vida de miles (o de millones). Si retornamos sobre el tema de los calificativos, sería apropiado decir que el terror lo producen personas comunes que tratan el tema de la vida (y muerte) de personas con absoluta frialdad, y con un razonamiento intelectual - en sus propios términos - totalmente coherente. Aplicar la inteligencia para crear argumentos logicos que sirvan como justificativo para un holocausto. Eso, es lo más terrible de todo.

Buen comentario. 15 personas deciden la suerte de millones de judios, judios alemanes, alemanes casados con judios, etc. Personas comunes. El film esta basado en una copia de las transcripciones de esta reunión, Heydrich ordeno su destrucción despues de ser leidas, pero una copia se recupero en la cancilleria. En los dialogos hablan de la toma de Moscu, si se supone que es el invierno de 1942, despues de la entrada de EEUU a la guerra. Creo que el tema en esos dias era Stalingrado. Tambien mencionan a von Reichenau, como un buen general, muerto de infarto, sabemos que ascendio von Paulus, del Estado Mayor a Comandante en jefe del sexto ejercito.

 

Titulo Original: Jaroslav Tysjachu let nazad
Titulo Traducido: Yaroslav Hace Mil Años
Género: Aventura, Historia
Director: Dmitry Korobkin
Reparto: Ivashkevich Alexander, Alexei Kravchenko, Tchouikina Svetlana, Valery Zolotukhin, Verzhbitsky Viktor, Plaksina Elena, Boris Tokarev, Vladimir Antonik, Waxman Yuri, Pablo Hrulev
Publicado: Rusia, Anno Domini
Duración: 01:39

Rus de Kiev, el comienzo del segundo milenio. Rostov incendio tierra de guerras tribales. En el bosque, a lo largo de las carreteras y los ríos alojado pandilla. Ladrones venden los hazara, que fusionó los esclavos en el Bajo Volga para su reventa. Para detener la trata de esclavos jóvenes Yaroslav para unir a las tierras y los pueblos de Rostov. Derrota al enemigo sólo se puede superar los prejuicios y detener los conflictos sectarios y étnicos en el principado. En el sitio de la destrucción de la guarida de bandidos Yaroslav fundó la ciudad que las personas que más tarde se llamará su nombre.

Que tal traducción, a lo bestia, tengo el disco como El Principe Ruso.

 

Título original: Retorno a Hansala
Año: 2008
Género: Drama | Inmigración
Director: Chus Gutiérrez
Actores: El Hussein Aghazaff, Fatima Andah, Antonio Dechent, María del Águila, Antonio de la Torre, Cuca Escribano, José Luis García Pérez, Farah Hamed, César Vea

Sinopsis: A comienzos de esta década, en las playas de Rota, aparecieron los cadáveres de once jóvenes inmigrantes marroquíes que buscaban cruzar el estrecho en una patera. Se descubrió por sus ropas que los once muchachos pertenecían a la misma aldea, Hansala. "Retorno a Hansala" pretende recrear aquel suceso visto desde los ojos de dos personajes: Martín, un empresario funerario que pretende hacer negocios con lo ocurrido, y Leila, hermana de uno de los fallecidos. Ambos se embarcarán en la aventura de intentar repatriar el cadáver del muchacho en una furgoneta, donde ambos vivirán una intensa experiencia moral que les llevará a replantearse todas sus creencias.
La que hace de Leila (Farah Ahmed) se parece a Vanesa Saba, pero la peruana es mucho mas hermosa.