Género del Tercer Reich y de la Segunda Guerra Mundial

Después de una gira por Europa, fue la vedette del Folies Bergère y luego abrió su propio club Chez Joséphine. En 1927 se estrenó su primera película La Sirène des Tropiques, a la que seguiríanZouzou y Princesse Tam Tam.

Joséphine Baker, en la revista Un vent de folie, 1925.​

En la segunda mitad de los años 1920 y durante los años 1930 fue además una destacada modelo fotográfica y pin-up.

 

A comienzos de los años 1930 grabó sus primeros discos, y , al año siguiente, conseguió un gran éxito con la canción J'ai deux amours.
En 1936 regresó a los Estados Unidos para actuar en Ziegfeld Follies con Bob Hope y Fanny Brice. Una parte importante de la opinión pública atacó la promiscuidad del show, y varios hoteles y restaurantes impidieron a la artista su entrada. Finalmente Joséphine abandonó la obra y regresó a París, donde adquirió la ciudadanía francesa al casarse con el magnate del azúcar Jean Lion, que tuvo problemas por ser judío durante la ocupación alemana de Francia.

 

Durante la segunda guerra mundial, se unió a la resistencia francesa y, posteriormente, fue subteniente auxiliar en las Fuerzas Aéreas Francesas, y levantó la moral de las tropas aliadas, actuando para ellos. También colaboró con la Cruz Roja. Después de la guerra recibió la Medalla de la Resistencia y la Legión de Honor. Volvió a casarse con el director de orquesta Jo Bouillon. Regresó a la actividad artística y trabajó en el circuito decabarets de París durante varios años, luego fue a Cuba, antes de regresar de nuevo a los Estados Unidos, donde apoyó los movimientos de promoción social afro-americanos. Luego hizo una gira mundial de
despedida, y se retiró del mundo del espectáculo.

 

Adoptó a doce huérfanos de diversos orígenes a quienes denominó la tribu del arco iris. Regresó varias veces al escenario por dificultades económicas y también para apoyar el movimiento norteamericano por los derechos civiles, dio cuatro conciertos en el Carnegie Hall, para conseguir fondos para la causa, y participó en la marcha sobre Washington, en 1963.

 

Por problemas económicos volvió varias veces al escenario, pero también fue ayudada por Grace Kelly, entonces Princesa de Mónaco y amiga personal de la artista.
Vivió, con sus hijos adoptivos, en el Castillo de Milandes, en Castelnaud-la-Chapelle (Dordoña, Francia).
Cuando murió, en 1975, era una persona muy querida y respetada, y fue la primera mujer de origen estadounidense en recibir honores militares en sus funerales, celebrados en Francia, aunque su tumba se encuentra en el cementerio de Mónaco.

 

• PELICULAS
• 1927 La Revue des Revues, de Joé Francys.
• 1927 La Sirène des Tropiques
• 1928 Le Pompier des Folies Bergère (El bombero del Folies Bergère), célebre cortometraje humorístico recientemente reeditado en DVD (principios del siglo XXI)
• 1929 La Folie du jour
• 1934 Zouzou
• 1935 Princesse Tam Tam
• 1940 Moulin Rouge
• 1955 Carosello del varietà
• ​

 

[h=3]Procedencia[/h]Freda Josephine Carson nacie en Saint Louis, Missouri el 3 de junio de 1906, en el seno de la familia de Eddie Carson, quien era percusionista de Vaudeville, y Carrie McDonald, lavandera.Después del nacimiento de Freda Josephine, su padre las abandona y Carrie se casa con Arthur Martin. Carrie tuvo otros tres hijos Richard, Margaret y Willie Mae.Josephine abandona la escuela y pasa su infancia trabajando como doméstica y niñera para ayudar a la subsitencia de su grupo familiar. Como toda persona negra de su época, fue víctima de duras situaciones de racismo.A los trece años, trabajaba como mesera en The Old Chauffeur's Club, donde conoce a quién sería su primer esposo, por un corto tiempo, Willie Wells. Acostumbrada a trabajar desde niña, Josephine nunca dependió de sus compañeros sentimentales económicamente, por lo que nada la detuvo en su búsqueda de la felicidad. En 1921, contrae matrimonio por segunda vez con Willie Baker, de quién se divorcia también, aunque conserva su apellido.

 

Joséphine Baker crece en el período de las peores revueltas racistas vividas en Saint Louis. En 1922, a los diecisés años, se convierte en bailarina y se une a un grupo de danza de Philadelphia. Viajó con The Jones Family Band y The Dixie Steppers, aunque al principio es rechazada como artista pues la consideran torpe y demasiado oscura. En 1923, logra unirse al coro de The Dixie Steppers que representaban la comedia musical Shuffle Along de Sissle and Blake, y se traslada a Nueva York. Pronto logra presentarse en Broadway, en el espectáculo Chocolate Dandies. De igual forma, actúa en el Plantation Club y en el Cotton Club de Harlem.
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En 1925, y antes de los diecinueve años, se tralada a París como corista de "La Reveu Négre", donde brillaría con su rutina Danse Sauvage. Su primera presentación en la ciudad de las luces es el 2 de octubre de 1925, sobre la escena del teatro Music-Hall de los Champs Elisés, donde baila vestida sólo con un cinturón hecho de bananos. Con su talento y belleza, Josephine se gana en instantes al público parisino, ávido de exotismo, y así en sólo tres meses consigue un primer papel en La Folie du Jour en el teatro Folies Bergère y alcanza el estrellato. Para 1927, era la artista del espectáculo mejor pagada de todo Europa y rivaliza con Gloria Swanson y Mary Pickford por ser la mujer más fotografiada de todo el mundo. En 1930 se dedica profesionalmente al canto donde también cosecha grandes éxitos. Por la misma época, participa en varios largometrajes como La Sirène des tropiques, Zou-Zou y la Princesa Tam-Tam. Como disfrutara de una posición económica más que holgada, traslada a su familia desde St. Louis hasta Les Milandes, en Francia.

 

L


la primera HEMBRA DE COLOR EN RECIBIR LA LEGION DE HONOR POR SU RESISTENCIA A LOS MISERABLES NAZIS LUCHANDO CONTRA EL REGIMEN NAZI
A pesar del sorpendente éxito en Europa, Josephine no es aceptada del todo por el público de Estados Unidos, para los que era inaceptable que una mujer negra disfrutara de ese poder y esa sofisticación. En 1937, agradecida con el público francés por su aceptación, adquiere la nacionalidad francesa y se casa por tercera vez con Jean Lion, de quien se divorciará de igual forma.Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Josephine Baker sigue en París, pero al instalarse el gobierno en Vichy se muda al sur de Francia. En su casa mantiene a varios refugiados belgas. Colabora con laCruz Roja y pertenece a la resistencia usando su profesión, que le posibilita moverse por Europa con salvoconductos, como cubierta para trabajar como agente. Lleva mensajes secretos escritos con tinta invisible en las partituras musicales. Viaja a España y Portugal, en 1941 a las colonias francesas en África y luego en 1942, va a Marruecos donde actúa para las tropas francesas y lleva mensajes de la resistencia. Integra las Fuerzas Femeninas Auxiliares de la Aviación Francesa con el grado de Subteniente. Al finalizar la guerra, es condecorada por el Presidente Charles DeGaulle con la Legión de Honor y recibe la Medalla de la Resistencia con Rosette y la Croix de Guerre.

 

En 1947 a casarse esta vez con el director de orquesta Jo Bouillon. Regresa a la actividad artística y trabaja en el circuito de cabarets de París durante varios años, luego viaja a Cuba, antes de regresar de nuevo a los Estados Unidos, donde apoya los movimientos de promoción social afro-americanos. Luego regresa a Estados Unidos con la intención de luchar por la integración y contra la discriminación racial durante la década de los cincuenta. Exige que en sus presentaciones, el público esté integrado. Mas tarde, realiza una gira mundial de despedida, y se retira del mundo del espectáculo.[h=3]


Hijos[/h]Adopta a 12 huérfanos de diversos orígenes a quienes denomina la Tribu del arco iris (Akio, Janot, Luis, Jari, Jean-Claude , Moise , Brahim , Marianne , Koffi , Mara , Noel, Stellina). Retirada de la escena, la artista, con lágrimas en los ojos, emprende una de sus últimas batallas en Les Milandes, el viejo Castillo, donde educa a sus hijos adoptivos y del que el propietario intenta echarla por retraso en el pago del alquiler.Pese a no tener hijos propios, Josephine fue una buena madre para sus hijos adoptivos, no teniendo repararos en mendigar la ayuda pública cuando los tiempos fueron difíciles.Divorciada de su esposo Jo Bouillon, conoció al artista Robert Brady con quien realizó una unión matrimonial simbólica, sin la presencia de un cura, en una iglesia en Acapulco, México. Esa unión duró hasta el día de su muerte.[h=3]Regreso al escenario[/h]Regresa varias veces al escenario por dificultades económicas y también para apoyar el movimiento norteamericano por los derechos civiles, da cuatro conciertos en el Carnegie Hall, para conseguir fondos para la causa, y participa en la marcha sobre Washington, en 1963.El 8 de abril de 1975, a los sesenta y ocho años realiza una presentación especial en el Bobino Theater en París para celebrar los cincuenta años de su carrera. Entre la numerosa audiencia, se encontraban personalidades como la Princesa Grace de Mónaco y Sophia Loren.

 

[h=2]Visitas a Cuba[/h]En el período comprendido de 1950 a 1966 Josephine Baker visitó cinco veces a Cuba. En su primera visita en diciembre de 1950 actúa en el teatro América con muchísimo éxito. La acompañan en el programa la orquesta Havana Cuban Boys, el chanssonier Roland Gerbau, y los bailarines Ana Gloria y Rolando. Los espectadores la reciben de pie. Tanto es su triunfo que la gran Rita Montaner imita a la incomparable vedette norteamericano-francesa desde el escenario del Teatro Martí, lo cual constituye todo un suceso artístico que mucho da que hablar.Dos años más tarde Josephine regresa a La Habana, donde sufre nuevamente la humillación de ser rechazada en un hotel por el color de su piel. La administración del lujoso Hotel Nacional se niega a acogerla con el burdo pretexto de que no disponían de una sola habitación. El escándalo no se hace esperar. En pocas horas la artista congrega a un grupo de cubanos, “gente de color como yo”, y encuentra a un abogado y a un testigo para dar fe de lo ocurrido.
No obstante, en 1953 la Baker padece otra agresión similar en la Isla cuando Goar Mestre le cancela el contrato de la emisora radial CMQ, alegando que había llegado tarde para cumplir con sus obligaciones. Realmente por un problema político, la Embajada de los Estados Unidos había declarado persona non grata a la vedette. Paradójicamente, a este sentimiento discriminatorio oficial, el público cubano siempre la acoge con admiración y cariño.En enero de 1968 llega a La Habana para participar en la Conferencia Tricontinental. “Vengo a Cuba porque quiero a este país y ya no hay nada que me humille como ser humano. Estoy fascinada y no puedo sino mirar ese azul que tengo delante, esta Habana tan distinta que me recibe. Vengo a actuar para todos ustedes, a entregarles todo lo que tengo.”En medio de la animación y el contento general, se presenta a teatro lleno con Bola de Nieve en el García Lorca, y declara tener tres veces 20 años para justificar los generosos escotes de algunos de sus vestidos. Viaja a Camagüey, donde tres mil personas la aplauden a rabiar, visita la Sierra Maestra, escala montañas y disfruta del olor de los viejos cafetales franceses de La Gran Piedra, pero sobre todo, entra en contacto con los cubanos que no solo admiran su arte, sino también su permanente rechazo a la injusticia. Visiblemente conmovida retorna ese verano a la Isla por última vez. La acompañan sus hijos adoptivos para disfrutar de una estancia de pocos días en una casa situada en una playa cercana a la capital. En Cuba se le recuerda como uno de sus visitantes más queridos.

 

[h=2]Homenaje[/h]En honor a Josephine hay varios lugares en París que llevan su nombre, en Montparnasse y Paris Pages donde se encuentran la "Piscine Joséphine Baker". En Estados Unidos en el "St. Louis Walk of Fame" y el "Hall of Famous Missourians". Dos de los hijos de Josephine, Jean-Claude y Jarry (Jari), tienen un restaurante llamado "Chez Josephine" en Theatre Row, 42nd Street, New York. Numerosos artistas han realizado homenajes a Josephine como Whitney Houston en "I'm Your Baby Tonight" y Beyoncé Knowles que vistió uno de los atuendos de Josephine en el Fashion Rocks de CBS en el 2006. La vida de Josephine Baker ha sido fuente de inspiración para muchos espectáculos, en 1991 la Home Box Office (HBO), uno de los canales de televisión por cable y satélite más populares de Estados Unidos, presentó el documental "The Josephine Baker Story" que ganó dos Premios Emmy. El 20 de mayo fue nombrado el "Día de Josephine Baker" en honor a sus esfuerzos contra la segregación racial

 

Parece ser que el concepto de un pueblo alemán absorbiendo la doctrina nazi a través del cine surgió por primera vez a instancias del crítico Siegfried Kracauer, que en 1943 fue encomendado por el Gobierno Norteamericano para analizar la propaganda de guerra alemana. Más tarde, con el famoso libro From Caligari to Hitler: A Psychological History of the German Film (De Caligari a Hitler), Kracauer terminó de dar forma a la idea dominante de un público cautivo de los tentáculos totalitarios que infectan el mensaje de las películas en pos de reforzar el efecto de los discursos del Führer.
Con el paso de las décadas y la aparición de nuevos obras de estudio, los historiadores han comenzado a difundir al cine alemán entre 1933 y 1945 como solo parcialmente controlado por los intereses de la propaganda. La constatación de que solo un pequeño porcentaje de películas tenían elementos netamente propagandísticos (las mismas que fueron prohibidas por los Aliados después de la II Guerra Mundial), permitió percibir una industria del cine regida más por los designios del mercado o de los gustos populares que por los del Dr. Goebbels, ministro de propaganda del Reich.

UN REFLEJO NO TAN DISTORSIONADO​

Hechos recientes han traído a la luz la confrontación entre ambas ideas, por ejemplo, en fecha del centésimo cumpleaños de Leni Riefenstahl, realizadora paradigmática del Reich, que falleciera un año después, en septiembre de 2003. La amplitud de juicios críticos sobre ella, que varían entre el reconocimiento de su virtudes artísticas por encima del mensaje a la responsabilización de películas tales como TRIUMPH DES WILLENS (El Triunfo de la Voluntad-1935) u OLYMPIA (Olimpia: Dioses del Estadio-1936) como causa directa del Holocausto, reflejan estas dos irreconciliables aproximaciones a la historia del Cine Alemán durante el nazismo. Incluso, la posición dominante ha llegado a difundir ideas como la de la supuesta ideología nazi de la película MILLION DOLLAR BABY (Million Dollar Baby-2004) de Clint Eastwood, por su alegato en favor de la eutanasia, en la línea de la película alemana ICH KLAGE AN (Traducción: "Yo Acuso"-1941) de Wolfgang Liebeneiner o bien que la película DER UNTERGANG (La Caída-2004) de Oliver Hirschbiegel muestra a un Hitler "demasiado humano".
De esta manera, críticos o historiadores de pensamiento liberal o izquierdista, que tienden a dar por sentado la idea de una cinematografía germana sumida al mensaje ideológico nazi, chocan contra conceptos de un cine nazi más ambiguo. Aquel que ofrece al público puntos de vista alternativos y hasta opuestos, entretenimientos livianos y segmentación en géneros, identificación del público con las estrellas de la pantalla y la construcción de un mundo fantástico que durante hora y media aleja al espectador de la cruda realidad, todo lo cual le da una ilusión de libertad y decisión, que solo es eso: una ilusión. El problema es que tanto la Alemania nazi como Hollywood (claro que con fines ideológicos opuestos) acometen los mismos procedimientos.

ALEMANES EN HOLLYWOOD​

Pero no terminan aquí las coincidencias entre el cine nazi y el hollywoodense. Durante los años '80 una interesante corriente de investigación se preocupó en ir más allá en la concepción generalmente aceptada sobre las "influencias del expresionismo alemán en el cine norteamericano" (especialmente, su responsaibilidad en el nacimiento del Cine de Terror en 1931). Y brindemos un par de hechos: Durante los primeros años del Nazismo en el poder, hubo alrededor de 2.000 alemanes, entre directores, productores, escritores, iluminadores, diseñadores, intérpretes y técnicos que se exiliaron de Alemania, por motivos raciales (ser de origen judío) o bien (en menor medida) ideológicos, marchando a Hollywood, donde continuaron sus carreras.
Esto inmigrantes alemanes se abocaron más notoriamente a generar películas anti-nazis, pero también comedias, melodramas, musicales, filmes de terror (claro está), producciones que rindieron ostensibles ganancias a estudios como Universal, Warner Bros., RKO y MGM, por ejemplo. No se podría afirmar que en estas películas está ausente el andamiaje socio-político, estético y genérico alemán, por lo tanto, desde un punto de vista, pertenecen al acervo del Cine Alemán. Sin embargo, al otro lado del Atlántico, en la "Patria", las películas de dichos exiliados (con la tal vez única excepción de Marlene Dietrich), eran automáticamente prohibidas (manteniendo ese status hasta la finalización de la II Guerra Mundial). Toda película de un exiliado alemán, era "invisible" en Alemania. Y de hecho, aquellos que regresaron para concluir sus carreras a la Alemania dividida de postguerra (Fritz Lang, Robert Siodmak, entre otros maestros del cine), tuvieron mínima repercusión.
Y vamos a dar algunos ejemplos, pero provenientes de cine norteamericano dirigido por alemanes. En MAD LOVE (Las Manos de Orlac-1935) del bohemio Karl Freund (ex-director de fotografía de Fritz Lang), un personaje (Ian Wolfe), el avaro dueño de una tienda e impiadoso padre del protagonista, tiene rasgos hebreos y en THE DEVIL AND DANIEL WEBSTER (Un Pacto con el Diablo-1941) del alemán William Dieterle (actor de Murnau y uno de los grandes directores de la historia), un prestamista (John Qualen), a todas luces judío, termina condenado espiritualmente por su propia avaricia. ¿Hay una unidad entre ambas cinematografías, la alemana de Berlín y la alemana de Hollywood? El cine norteamericano de los '30 no sería lo que hoy leemos en libros y vemos en los clásicos sin el aporte de los realizadores europeos, en su mayor medida alemanes. Los judíos como personajes son mostrados (al menos, en la Preguerra) a través de estereotipos (como prestamistas, o bien como dueños de tiendas). Eventualmente, alguna película los muestra en roles más comprometidos, como HOUSE OF ROTHSCHILD (La Casa de los Rothschild-1934) de Alfred Werker, sobre la historia de una famosa familia de banqueros judíos, pero no deja de ser interesante esa predisposición al estereotipamiento, que tiene el mismo rango de "crueldad" que la tendencia (también de Preguerra) de mostrar a los negros como "mayordomos" o "criados".

IDÉNTICO MARCO SONORO​

Difícil es desentenderse, en un cine o teatro de Berlín, de Richard Wagner como marco sonoro. Sus compases son siempre sinónimo de lo épico, de la enfervorización de las emociones del público que escucha una melodía que parece materializar sus fantasías heroicas. Y Hollywood, por más que no ofrezca partituras wagnerianas, se dedica a teñir sus más entusiastas aventuras y los conflictos más ígneos con las obras de compositores tales como los vieneses Max Steiner, Erich Wolfgang Korngold y Hans Salter, el alemán Franz Waxman y otros, experimentados en el campo de la opera, la opereta y la comedia musical. Todos ellos supieron dar a sus películas un ambiente sonoro casi idéntico al de sus colegas de ultramar, siendo la única diferencia el objetivo de dichos ambientes. La música sirve, por ejemplo, para acentuar momentos y relacionarlos con la fijación de una nacionalidad, y por ende, una identidad "aria"; pero en Hollywood, la misma estética musical es dirigida a la intensificación de los momentos románticos o dramáticos y por supuesto, épicos, todo lo cual, deja una completa satisfacción en el la subjetividad del espectador, a quien el elemento visual se le ha fijado, íntimamente relacionado con el auditivo.

ALGUNOS CONTRASTRES​

Y respecto a temática, hay varias relaciones entre el cine nazi y el de Hollywood. Pero claro, habiendo directores que comenzaron su carrera en Alemania, y la continuaron en Estados Unidos, es difícil que no haya lazos temáticos dentro de sus propias filmografías, siendo el caso más célebre el de Fritz Lang, autor en Alemania de películas "norteamericanistas", como la saga DIE SPINNEN (Las Arañas-1919), con un héroe norteamericano, y también filmes que ensalzan la mitología germánica, como la saga de DIE NIBELUNGEN (Los Nibelungos-1924). Para Lang el punto de quiebre es tal vez su DAS TESTAMENT DES DR. MABUSE (El Testamento del Dr. Mabuse-1933), en la que el siniestro protagonista deja sentado sus dogmas (algunos de los cuales coincidían peligrosamente con ciertos preceptos del partido nazionalsocialista), lo que terminó motivando el pausado exilio de Lang.
Otros ejemplos interesantes son los de Kurt Bernhardt, director judeo-alemán que realizó la fantasía de ciencia-ficción DER TUNNEL (1933), sobre la esforzada construcción de un túnel transatlántico (toda una alegoría sobre el "americanismo" europeo). Bernhardt se marchó poco después, justamente, a los Estados Unidos, donde prosiguió su carrera como Curtis Bernhardt. En América pondría a Wagner como fondo musical para INTERRUPTED MELODY (Melodía Interrumpida-1955). También sería interesante contrastar los melodramas de Dietlev Sierk con la sueca Zarah Leander, como LA HABANERA (La Habanera-1936) con los del mismo director (pero bajo el nombre de Douglas Sirk) en América durante los años '50, supuestamente críticos de la sociedad consumista media-alta americana. Otro contrastre se podría apuntar con el sajón Robert Siodmak, cuyas oscuras y pesadillescas visiones, plasmadas en películas consideradas vitales en el apogeo del Film Noir, tal vez tengan más raíces del cine alemán previo al nazismo (República de Weimar) de lo que parece a primera vista.
También hay lazos relevantes de naturaleza genérica. El Western, género americano por excelencia, tiene su contrapartida en el western alemán (no tan numeroso), cada uno con sus diferencias estilísticas y convencionalismos; el musical americano, usualmente con excusas románticas como "McGuffin" narrativo, haciendo pie en el jazz negro, el canto y el baile y las coreografías a gusto broadwayano, y el musical alemán, mayormente sobre operetas y romances ligeros. Las biografías musicales de Hollywood también tienen puntos en común. Y es que suelen falsear algunos hechos para que encajen en una anécdota que se narre en hora y media de celuloide, a pesar que el resultado sea radicalmente opuesto a la realidad, como la vida de un Cole Porter heterosexual encarnado por Cary Grant en NIGHT AND DAY (Noche y Día-1946) del húngaro Michael Curtiz o el romance entre un Tchaikovsky (Hans Stüwe) -también heterosexual- y Nadeschda Von Meck (Zarah Leander) en ES WAR EINE RAUSCHENDE BALLNACHT (1939) del también húngaro Geza Von Cziffra.

PROPAGANDA ANTI-SEMITA: EL JUDÍO SUSS​

Una de las más rampantes películas de propaganda nazi fue JUD SUß (Trad: "El Judío Suss"-1940), de Veit Harlan, realizada con una Alemania ya embarcada en la trágica Guerra, donde el propósito oficialista es dejar bien sentado porque la raza aria debe odiar a los judíos. En dicha película, el protagonista es Joseph Süss Oppenheimer, un siniestro y avaro judío que promueve la inmigración judía en la ciudad de Württemburg durante el Siglo XIX, lo que da pie a la acechanza de la heroína Dorothea por el villano, que conduce a la violación de la misma y a su posterior suicidio. El Judío Suss es posteriormente juzgado y ejecutado, concluyendo con el mensaje obvio y tan típico de demonizar al "Otro", en este caso al Pueblo Judío. Un detalle interesante es la cantidad de correspondencia postal de mujeres "conmovidas" que recibiera el actor austríaco Ferdinand Marian, que encarna a Suss, lo que da a pensar en una analogía entre Marian-Suss con otro agresor sexual de la pantalla (aunque menos explícito) como el Bela Lugosi-Drácula. La escena de la violación de Suss a Dorothea, climax de la película, también puede tener un efecto erótico, y es que el Mal (sea representado por el Judío Suss o por el Vampiro Eslavo) es siempre atractivo. Las contradicciones siguen, y en la película aludida, DRACULA (Drácula-1931) de Tod Browning, el matador de vampiros, Van Helsing, ya ha perdido ese rasgo de rabino ocultista que tenía en la anterior versión, alemana, titulada NOSFERATU: EINE SYMPHONIE DES GRAUENS (Nosferatu-1922) de F.W. Murnau.
Otros títulos, usualmente citados por los teóricos e historiadores, van desde HITLERJUNGE QUEX (Trad: "Quex, Joven de Hitler"-1933), sobre un joven cuyo padre comunista se opone a su alineación política con la Juventud Hitleriana y que termina muriendo como mártir durante incidentes callejeros con los comunistas, hasta DER GROßE KÖNIG (El Gran Rey-1942) nuevamente de Veit Harlan, sobre la gesta del rey Federico el Grande de Prusia, desde la derrota en Kunersdorf hasta su victoria en Schweidnitz sobre los austríacos, que fue el final de la Guerra de los Siete Años. Pero es DER EWIGE JUDE (Trad: "El Judío Eterno"-1941) de Fritz Hippler el más agresivo en su ataque al Judío por su comparación con jaurías de ratas y por la utilización de imágenes sangrientas y brutales, las cuales, empero, alejaron al público masivo de las salas de proyección, convirtiendo el filme en un sonoro fracaso. La película, en sí, es bastante pobre, porque consiste en secuencias de archivo y escenas documentales sin mucha coherencia entre sí. Entre las secuencias de archivo, se muestran escenas de M, EINE STADT SUCHT EINEN MÖRDER (El Vampiro Negro-1931) de Fritz Lang (una película prohibida en la Alemania nazi), mientras un narrador dice: "El Judío Lorre en el papel del asesino de niños. Siguiendo el lema 'no el asesino sino el asesinado es culpable', se intentó doblegar el natural derecho de justicia y minizar el crimen con una representación piadosa del criminal y del crimen." Las tomas documentales incluían escenas captadas en ghettos de Polonia por el realizador Hippler. Es curioso notar que luego de la Guerra esas escenas justamente sirvieron como uno de los pocos documentos fílmicos de los ghettos.

PROPAGANDA ANTI-BRITÁNICA Y ANTI-NAZI​

Los Judíos no fueron los únicos atacados en las películas alemanas. Los súbditos de la Corona de Gran Bretaña, que en películas de Preguerra habían sido mostrados como aliados de los alemanes en películas ambientadas en las Guerras Napoleónicas, fueron mostrados como brutales colonialistas en MEIN LEBEN FÜR IRLAND (Trad: "Mi Vida por Irlanda"-1941) de Max Kimmich sobre jóvenes irlandeses que pueden ser víctimas del Servicio Secreto inglés que trata de atrapar insurgentes y OHM KRÜGER (1941) con Emil Jannings como Paul Krüger, presidente del Transvaal que hizo la guerra de los Boer contra Inglaterra en 1899. Si una película alemana mostrando incidentes en Irlanda o en Sudáfrica suena difícil de asimilar entonces, ¿qué hay sobre la gran cantidad de películas norteamericanas dramatizando hechos en Europa Central o Alemania? Puntualmente HANGMEN ALSO DIE (Los Verdugos También Mueren-1943) de Lang y HITLER'S MADMAN (1943) de Sirk, ambas narran la devastación que los nazis ejercen sobre un pueblo checoslovaco y la forma que los habitantes toman para asesinar al comandante nazi Heydrich. Estas y otras películas, por supuesto, muestran a los blancos de sus propagandas, los nazis, como seres unidimensionalmente malvados. De todas maneras no deja de ser interesante que la industria cinematográfica alemana se ocupase de eventos históricos del pasado donde el papel de la Corona Británica no fuese muy simpático, en contraste con Hollywood, que toma eventos de candente actualidad como tema central.

PROPAGANDA ANTI-COMUNISTA Y PRO-COMUNISTA​

En G.P.U. (1942) de Karl Ritter, el blanco es la temible GPU (policía soviética) y se muestran sus actividades clandestinas en la Europa Occidental. Luego de la Batalla de Stalingrado, el Dr. Goebbels dejó de ordenar filmes anti-soviéticos, tal vez con el objeto de no aumentar las iras de un enemigo con el que cada vez convenía más pactar un cese el fuego. Por esa misma época se iniciaron al otro lado del Atlántico filmes pro-soviéticos, algo que ni Eisenstein hubiera soñado. El ruso Lewis Milestone realizó THE NORTH STAR (La Estrella Norteña-1943) y el citado Curtiz MISSION TO MOSCOW (Misión en Moscú-1943), esta última con rusos que son casi tan buenos como los norteamericanos, y con Trotsky, los alemanes y los japoneses como villanos. El filme justifica incluso las purgas stalinistas de 1937 y 38 y el pacto de no agresión con los alemanes. Por supuesto, ni bien acabó la II Guerra y se inició la Guerra Fría, estas películas provocaron dolores de cabeza a sus implicados, teniendo que declarar que eran inocentes ante comisiones de "actividades antinorteamericanas".
Durante los últimos años de la Guerra, la mellada industria del cine alemán, se volcó más a la superproducciones de época, como MUNCHHAUSEN (Barón Munchhausen-1943) de Josef Von Baky, con el carismático Hans Albers como un aventurero fantástico, y KOLBERG (1945), de Harlan, sobre el pueblo de Kolberg que, durante las Guerras Napoleónicas, se mancomuna con gran coraje para vencer a los invasores. Exáctamente tres meses después del estreno de esta última película, el 30 de abril de 1945, Hitler puso fin a sus días de un balazo y relegó el mando en el Almirante Doenitz que terminó firmando el Armisticio, siendo no solo el final del III Reich sino un hito en la historia del Siglo XX.

COMO HACER EFECTIVAS PELÍCULAS DE PROPAGANDA​

Vamos a indagar un poco más en el tema "propaganda" y "entretenimiento" para comprender por que el cine nazi se asocian a ambos términos. El Partido (o el Gobierno) desea que cierto tópico se arraigue firmemente en el Pueblo. Una forma de no lograr dicho objetivo sería la de presentar el mensaje lisa y llanamente, "desnudo", y de manera agresiva, para ser aceptado sí o sí, constantemente reiterado, bajo el precepto de que "repetición equivale a aceptación." Algunos investigadores, basados en ciertos diarios de Goebbels (publicados poco después de la Guerra), afirman que éste y Hitler estaban de acuerdo en que la repetición extremada de sus mensajes determinaría la aceptación del receptor. La práctica nos evidencia, sin embargo, lo contrario, ya que en materia cinematográfica las películas que ejemplifican esa táctica, como "El Judío Eterno", no proliferaron. Al principio Goebbels (un cinéfilo), trató de convencer a los estudios alemanes de que los temas centrales de sus películas fueran motivos relacionados directamente con el Nazismo. La primer película en tal sentido, la citada HITLERJUNGE QUEX, fue un fracaso de taquilla, así que en lo sucesivo, el Gobierno permitió que las películas adoptasen sus propios temas según el interés del público y que la propaganda directa de las bondades de Hitler y sus funcionarios estuviera relegada a los boletines informativos que precedían las proyecciones. De hecho, El Triunfo de la Voluntad de Leni Riefenstahl, que describe directamente una serie de actos partidarios en Nüremberg y, más allá de su carácter propagandístico, es reconocida como una obra maestra del cine, se realizó en contra de los deseos de Goebbels.
En tal caso, habrá varios niveles de propaganda, siendo el circunloquio repetitivo útil solo con personas de instrucción pobre o nula. Una película con elementos contradictorios y obstáculos discernibles (especialmente en el campo ideológico), que requiera del espectador algún mínimo esfuerzo intelectivo para asimilar el bagaje narrativo y los carriles decisorios de los personajes, a la par que satisfaga el afán de entretenimiento o bien que le deje algo sustancioso en materia didáctica, genera focos de interés que se conservan en la mente luego de que se encienden las luces de la sala. Y no hay espectador más convencido sobre la validez de un tópico que aquel que infiere (o cree inferir) un mensaje por su propio razonamiento más que por la extremada repetición.

Bibliografía recomendada
David Stewart Hull, Film in the Third Reich, University of California Press, 1969
Erwin Leiser, Nazi cinema, Macmillan, 1975
Eric Rentschler, The ministry of illusion. Nazi cinema and its afterlife, Harvard University Press, 1996
Linda Schulte-Sasse Entertaining the Third Reich: illusions of wholeness in Nazi cinema, Duke University Press, 1996
Lutz Koepnick, The Dark mirror. German cinema between Hitler and Hollywood, Berkeley, University of California Press, 2002
Antje Ascheid Hitler' s heroines. Stardom and womanhood in Nazi cinema, Temple University Press, 2003

 

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Título original: El Diario De Ana Frank
Año: 2009
Director: David Mamet
Actores: Tamsing Greig, Ellie Kendrik, Iaian Glen
Duración: 170 minutos
Género: Drama

Sinopsis: Nueva adaptación de la vida de Anna Frank, una joven de quince años que escribió un diario entre el 12 de junio de 1942 y el 1 de agosto de 1944, durante la ocupación alemana en Holanda.

Critica: El 12 de junio de 1942, Annelise (Ana) Frank cumplió trece años y recibió [COLOR=#000000 !important]el regalo[/COLOR] que ella convertiría en uno de los testimonios más desgarradores sobre la tragedia del holocausto judío durante la Segunda Guerra Mundial.
Aquella chica de [COLOR=#000000 !important]despierta[/COLOR] inteligencia, de espíritu alegre e inquieto, dotada de un carácter fuerte y de una desarrollada capacidad para analizarse a sí misma y su entorno con aguda precisión, no sabía que ya era una escritora más que consumada y que habría de pagar el precio más cruel y elevado para obtener una fama póstuma y universal que ella nunca había deseado, y mucho menos aún a semejante precio.
Imaginaos a una chica de trece años, plena de sueños y de ansias por empaparse de la vida que palpitaba ante sus ojos, obligada a privarse de su libertad física (ya que no espiritual) y confinada en el reducido espacio de una casa oculta, forzada a convivir las veinticuatro horas del día con otras siete personas.
Imaginaos a esa chica que día a día experimentaba el terror de que los descubrieran, que tenía que pasarse horas y horas de absoluta quietud para evitar cualquier ruido delator, que cotidianamente soportaba las rencillas, las discusiones, los roces que lógicamente surgían entre tantas personas que sólo se tenían las unas a las otras. Pero su carácter optimista y activo no le permitía deprimirse seriamente, y además contaba con varias vías de escape: su imaginación poderosa, las abundantes lecturas y su diario. Aquella Ana inquieta, charlatana y rebelde poseía una profundidad psicológica y un alma inmensamente fértil que, como vía de desahogo y búsqueda de la Amiga, se estaban desnudando prodigiosamente y honestamente en aquellas páginas que no fueron escritas con intención de pasar a la posteridad.
Su diario fue su gran refugio, el consuelo de las horas muertas que ella veía desgranarse con la esperanza de que toda aquella pesadilla terminaría para encontrar la libertad anhelada.
Durante dos años de impenitente encierro, veinticinco meses de enclaustramiento, Ana se fue convirtiendo en la mujer que habría podido llegar a ser. Frescura y madurez, una fascinante personalidad que quedó de manifiesto y plasmada brillantemente, para mi asombro y admiración, en una de las obras literarias que sitúo en la cumbre de la literatura de todos los tiempos. Precisamente por su sencilla maestría, por su absoluta honestidad, por el alma imperecedera de su autora y porque ella nunca la habría considerado una obra digna de pasar a la historia.
Ana Frank me sacude el corazón como ningún otro escritor consigue hacerlo, y es para mí esa Amiga que ella siempre quiso tener; esa Amiga que todos desearíamos tener.
Cuando este verano tuve ocasión de visitar Amsterdam, lo primero que hice fue plantarme en la larga cola y esperar pacientemente para entrar a impregnarme del aura de aquella casa.

 

1923


Después de casarse, Otto y Edith Frank se establecen en Fráncfort del Meno. Los hijos no tardan en llegar: Margot en 1926 y Ana en 1929. Los primeros años son felices, pero la crisis económica hace que el NSDAP de Hitler vaya ganando terreno. En 1933, Hitler asume el mando del gobierno alemán. Otto y Edith Frank están muy preocupados y buscan una solución.

 

Alemania se vuelve cada vez más peligrosa para los judíos. Ana tiene cuatro años cuando, en marzo de 1933, sus padres deciden emigrar a Holanda.




ANA FRANCK A LOS 4 AÑOS

 

Anneliese Marie Frank, conocida en castellano como Ana Frank (Fráncfort del Meno, 12 de junio de 1929 – Bergen-Belsen, 12 de marzo de 1945) fue una niña judía alemana, mundialmente conocida gracias al Diario de Ana Frank, la edición en forma de libro de su diario íntimo, donde dejó constancia de los casi dos años y medio que pasó ocultándose, con su familia y cuatro personas más, de los nazis en Ámsterdam (Países Bajos) durante la Segunda Guerra Mundial. Su familia fue capturada y llevada a distintos campos de concentración alemanes. El único superviviente de los ocho escondidos fue Otto Frank, su padre. Ana fue enviada al campo de concentración nazi de Auschwitz el 2 de septiembre de 1944 y, más tarde, al campo de concentración de Bergen-Belsen, donde murió de tifus el 12 de marzo de 1945, pocos días antes de que éste fuera liberado. En 1947, apenas dos años después de terminada la guerra, Otto publicó el diario bajo el título «La casa de atrás» (en neerlandés, Het Achterhuis).

 

Otto Frank y Edith Holländer contraen matrimonio el 12 de mayo de 1925 en Aquisgrán. Después de su viaje de bodas a Italia, la pareja se establece en Francfort del Meno. El primer año de matrimonio, Otto y Edith Frank viven en la casa materna de Otto en Francfort del Meno.

 

El 16 de febrero nace su primera hija: Margot Betti. Al mes siguiente se mudan a Marbachweg 307, una casona situada en un barrio tranquilo de las afueras. En el vecindario viven muchas familias, no sólo judías, sino también católicas y protestantes. Margot tiene muchos niños con quienes jugar. El 12 de junio de 1929 llega una nueva compañera de juego; ese día nace su hermanita Ana, llamada oficialmente Annelies Marie.