¿Cuál fue la ultima película que viste? (Mar 2008 - Mar 2011)

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EL ESTRÉPITO DEL VACÍO (2006)

TÍTULO: El estrépito del vacío​

TÍTULO ORIGINAL: Sounds Like​

DIRECTOR: Brad Anderson​

GUION: ​

REPARTO: Chris Bauer, Matty Finochio, Laura Margolis, Matthew Burgess​

ESTRENO: 2007 (DVD) NACIONALIDAD: USA​

ARGUMENTO

Larry Pearce en un hombre corriente que adquiere una increible habilidad auditiva que le lleva cerca de la locura y comienza a realizar acciones violentas para acallar los sonidos en su cabeza. Esta película forma parte de la serie Maestros del Horror. ​

CRÍTICA

Por Rubén Pajarón
Hay muchas formas de alcanzar el prestigio en nuestro género, muchas categorías donde aplicarse al máximo hasta despuntar sobre el resto de aspirantes al trono. "Masters of Horror" rinde homenaje a dichos reyes. Que todos (o casi todos) son genios del Terror pocos se atreverán a discutirlo. Todos destacan en sus respectivas variantes, pero curiosamente, casi todos los figurantes de esta segunda temporada han arriesgado con el mismo recurso para afianzar su resultado: Gore. Cada episodio reserva una escena macabra, grotesca y desmedidamente gráfica para el clímax de su historia, dejando en manos del especialista Gregory Nicotero todo el peso del impacto.​

"Sounds Like" es diferente. La incorporación de Brad Anderson a MoH2 fue un gran acierto, por lo antes comentado. Aunque la película pica también del mismo plato que las otras, y se guarda un delirio visual a poco de acabar, la fuerza, el interés y lo espeluznante corre a cargo de todo lo anteriormente visto. Es la propia historia y su desarrollo minuto a minuto lo que induce a escalofríos, más que su cierre.
Como en sus anteriores proyectos ("Sesión 9", "El Maquinista"), Anderson opta por el terror psicológico, el suspense y la ambiguedad, en un marco realista donde lo siniestro surge de las emociones y sus desequilibrios inducidos. ​

Al igual que en las mencionadas, reparte la historia entre dos escenarios que va intercalando de forma periódica, de forma que el espectador pueda seguir la evolución del personaje principal y su locura.
El primer escenario es el entorno de trabajo. Si en "Sesión 9" era un negocio de restauración y albañilería, y en "El Maquinista" una fábrica, aquí nos encontramos en una empresa de telecomunicaciones, repartida en paneles de cubículos, donde el protagonista cumple con su tarea de supervisor. Como Gordon ("Sesión 9") o Trevor ("El Maquinista"), Larry mantiene una relación obsesiva con su trabajo, es meticuloso, disciplinado, se exige demasiado, le absorbe gran parte de su vida. El grado de extenuación físico y mental que alcanza es el detonante de su psicosis, y el comienzo del horror.​

Y si el trabajo es el detonante, la mecha es su esposa. El entorno familiar es el segundo escenario predilecto de las obras de Anderson. Sus protagonistas disuaden sus problemas emocionales abstrayéndose en el trabajo, siendo fuera de él personas vacías, agotadas, y prácticamente muertas, que llevan una relación lamentable con su esposa, a quien acaban viendo como la Némesis de su felicidad, y causa de su insatisfacción con la vida.​

El juego de desequilibrios a menudo acaba derivando a paranoia, tensión, conspiración y crimen, y aunque sutil, aparece siempre un elemento sobrenatural aterradoramente justificable que mueve al protagonista hacia su propia destrucción. En "Sesión 9" fueron "espíritus" y en "El Maquinista" un maniaco deforme, que resultaron ser producto de la esquizofrenia. En "Sounds Like", Larry tiene la cualidad de oír demasiado bien, a kilómetros incluso, algo beneficioso en principio, que acaba derivando en tortuosas y escalofriantes consecuencias. Como no, la ambigüedad al principio mencionada nos invita a interpretar los hechos, una invitación tramposa, que no evitará que acabemos intranquilos por lo que hemos visto.​

Larry Pearce es supervisor en una empresa de programas de computación, perdió un hijo hace poco por un cancer incurable, Larry es muy sensible a los sonidos, empieza a tener problemas en el trabajo, tiene muchos roces con los empleados, llega a tanta su sensibilidad al sonido, que oye el goteo de la lluvia, el manipuleo de los libros en la biblioteca, el sonido de los focos de luz, etc. Al final enloquece y llega a matar a su esposa, porque le molestaba el sonido del movimiento de sus parpados al dormir. Para fanaticos del genero.

 

PRO-VIDA (2006)

TÍTULO: Pro-Vida

TÍTULO ORIGINAL: Pro-Life

DIRECTOR: John Carpenter

GUION:

REPARTO: Ron Perlman, Grace Bauer, Arabella Bushnell, Mark Feuerstein

ESTRENO: 2007 (DVD) NACIONALIDAD: USA

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ARGUMENTO

Una joven se encuentra atrapada en el interior de una clínica. Allí descubrirá que sólo hay una cosa más peligrosa que quienes la retienen: El secreto demoníaco que ella alberga en su interior. Esta película forma parte de la serie Maestros del Horror. ​

CRÍTICA

Por Rubén Pajarón
La gran decepción en esta segunda tanda de "Masters of Horror", llega de manos del responsable de una de las mejores de la primera, "Cigarette Burns", y "Masters of Horror" a parte, del mejor director de cine de terror reconocido de la historia por mérito propio, John Carpenter.

Carpenter, de tendencias marcadas e ideas fijas, que hizo en su primera aportación a la serie un homenaje brutal a su obra maestra "En la Boca del Miedo", quiso seguir autohomenajeándose en Pro-Life, siendo estos guiños lo más llamativo de la película, y por otra parte, dando la lóbrega sensación de estar asistiendo al típico tributo en retrospectiva post-mortem de un importante cineasta, al que despedimos con un popurrí de sus imágenes más famosas. Esa es la palabra. Despedida.

Sin embargo, Pro-Life ni es una despedida, ni de serlo haría justicia a la carrera de este director, más bien lo contrario.

La película da una sensación general de abatimiento, como ligada a la salud del propio Carpenter. Todos y cada uno de los aspectos técnicos que la conforman están desproporcionadamente descuidados.

La calidad de imagen es tercermundista, da la impresión de estar viendo un telefilm matinal de bajo presupuesto, y es una impresión que no decae en ningún momento.

La BSO, compuesta por su hijo Cody (al que ya oímos en Cigarrette Burns), no transmite nada, es apática y frívola, sin personalidad, sin encanto.

El guión, uno de sus peores puntos débiles, destaca por ser más plano que el papel sobre el que está escrito. En él se mezcla una historia insípida, vacía, simplona, sin giros en la trama principal, sin subtramas, sin alicientes de inteligencia, sorpresa o interés, con unos diálogos simplemente limitados y repetitivos, como repetitivas son las situaciones en los que tienen lugar; un ejemplo de ello, los constantes intentos de Dwayne (Ron Perlman) por entrar en el centro clínico a llevarse a su hija, intercalados hasta el hastío con los constantes intentos de su hija por querer abortar. Básicamente en esta ramplonería se pierde casi media película, y dada su corta duración, es decir demasiado.

Ni siquiera los actores, que casi siempre dejan huella en las películas de Carpenter, confirmándose tras ellas como mitos del género en más de una ocasión (Jamie Lee Curtis, Kurt Russell, Donald Pleasence), se salvan de la desgana vírica que infecta Pro-Life. Incluso el mencionado Ron Perlman parece actuar en contra de su voluntad, como recién despertado de una resaca que le dura de principio a fin.

Me encantaría decir que los Efectos Especiales salvan a Pro-Life de la quema, pero lejos de eso, sólo consiguen arrojar más leña. Son desastrosos; tanto los CGI, con lo que están hechos los disparos "espectaculares" (donde por cierto también hay fallos, como cuando Dwayne le vuela los sesos al guardia y en la siguiente toma su cabeza está perfecta), como lo relativo al látex, patente en el ponzoñoso diseño de la criatura, que resulta simple, vulgar, rígido, inerte, falso y típico.

Hasta aquí un desastre. Si algo resalta entre tanto despropósito, son los guiños a los que hacía referencia al principio de la crítica. Toma prestado el desarrollo de la acción de "Asalto a la Comisaría del Distrito 13", el concepto demoníaco-biológico de "El Príncipe de las Tinieblas" o el bebé-cangrejo de "La Cosa" (plano escabulléndose inclusive). Pero un puñado de guiños no salva una película.

Si hay algo realmente atractivo en Pro-Life, es nada, y con ello, todo. Se aleja tanto del manual del buen gusto, de los cánones, de las modas (sobretodo de las contemporáneas), de las pretensiones, de lo correcto, lo complejo o lo entretenido, que en cierto modo es una película única y atemporal, una alternativa para evadirte en esas raras ocasiones donde busques un respiro en esta eterna pugna de superaciones rebuscadas que aspiran a un mejor cine.
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Dwayne Burcell, es un activista fanatico contra el aborto, Angelique, su hija huye de casa embarazada, va a parar a una clinica abortista, alli pide que le hagan un aborto, que quien la embarazo es un monstruo, nadie le cree, intentan un aborto, nace una criatura con cabeza de niño y cuerpo de cangrejo, Dwayne ingresa con sus hijos a la clinica, se agarra a tiros con el Director consigue llegar hasta su hija, creia que Dios le pedia proteger al niño, pero era el padre, un ser con grandes cuernos y cuerpo de bovino, Angelique mata a su hijo, el monstruo se lo lleva.
Estan Ron Pearlman como Dwayne (Hellboy, El nombre de la Rosa,etc), Emmanuelle Vaugier como una de las doctoras (a ella la recuerdo de un capítulo de Supernatural).

 

PIELES (2006)

TÍTULO: Pieles

TÍTULO ORIGINAL: Pelts

DIRECTOR: Dario Argento

GUION:

REPARTO: Link Baker, Ildiko Ferenczi, Melissa Gonzalez, Meat Loaf, Emilio Salituro

ESTRENO: 2007 (DVD) NACIONALIDAD: USA

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ARGUMENTO

Un hombre trabaja en una peletería y está enamorado de una prostituta, la cual no le presta demasiada atención. Un día, Jake consigue unas pieles con las que podría crear un abrigo para la prostituta. No obstante, esas pieles serán su perdición... Esta película forma parte de la serie Maestros del Horror. ​

CRÍTICA

Por Rubén Pajarón
Basada en una novela de F. Paul Wilson (hasta el momento inédito en España), el maestro italiano del horror Dario Argento nos regala una obra maestra mayúscula, y la mejor película de Masters of Horror 2. En Pelts no destaca nada en especial, porque todo es especialmente bueno, y la calidad individual de cada apartado se camufla con los demás, resaltando en un conjunto sobresaliente.

El eje del terror en esta historia atañe a una maldición ancestral que se propaga en el momento en que un par de cazadores, conscientes de sus actos, pero ignorantes de sus consecuencias, violan las ruinas anónimas de un territorio consagrado a los mapaches, para matarlos a todos y beneficiarse con sus pieles. La maldición de los mapaches cae sobre todo aquel que entra en contacto con dichas pieles, induciéndole a un estado de sentimentalismo extremo, mezcla de fascinación y culpabilidad, que los empuja finalmente al suicidio más brutal y retorcido imaginable.

Sobre este argumento de marcado carácter Pulp, Argento desentierra sus viejas obsesiones. Lo primero que llama la atención en Pelts es la marca de la casa, el color Rojo. Los escenarios del Club de Striptease parecen arrancados de clásicos como "Suspiria" o "Inferno", igual de artísticos, seductores, siniestros y simétricos, pero mejorados, optando más por un equilibrio trabajado de luces y sombras que por la saturación, a veces caótica, de objetos visibles en pantalla. Cada plano respalda y acrecienta el mensaje que quiere transmitir la escena. Cada sombra se plantea como una amenaza subjetiva. Cada ángulo pone en evidencia la situación de un personaje. Argento reviste a Pelts con un abrigo morboso, fascinante y artístico que infunde a la sencillez de su historia un interés sin igual.

También incluye la participación de un actor profesional de la vieja escuela, como viene siendo costumbre en todas las de "Masters of Horror", John Saxon, actor mítico del cine de terror que ya había colaborado con Argento en el pasado, con su excelente giallo "Tenebre".

La provocación sigue siendo leitmotiv de sus películas, en todos lo sentidos, en todas sus posibilidades. Al igual que en "Jenifer", la carga sexual se hace notoria, morbosa, agresiva, y fundamental para hilar la historia. El delirio pasional del protagonista, un repulsivo negociante de pieles, hacia su inalcanzable stripper favorita, es el hilo sobre el que va tomando forma la historia; su lujuria egoísta indirectamente es la responsable de casi todas las muertes. Y es que este es sin duda el plato fuerte de Pelts, las muertes. Cada suicidio o asesinato es una obra de arte aislada y perfecta, de inenarrable macabrismo y belleza, y magistralmente confeccionada por los maestros del gore Nicotero y Berger. Nos queda para el recuerdo la del ayudante del cazador colocando su cara en un cepo, la de la costurera china cosiéndose toda la cara, o la del protagonista arrancándose su propia piel para ofrecérsela a su querida como abrigo.
En resumidas cuentas, una joya que brilla con luz propia, que no sólo apreciarán amantes del Gore o de Argento, sino del Terror en general.
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Feldman es un peletero obsesionado con una striptisera Shanna, ella lo rechaza, quiere más dinero del que le puede dar. Jameson es un cazador, con su hijo entra a una propiedad prohibida y caza con trampas a mapaches (cuidaban una ciudad olvidada), curten las pielesel hijo acaricia las pieles y cambia, agarra a garrotazos a su padre, prepara una trampa para osos, pone la cara al centro y la cierra, queda sin cara. Feldman llega a la casa, encuentra a los nuertos, pero se lleva las pieles, confecciona con ellas un abrigo, se repite la situacion, un de sus ayudantes manipulo las pieles, cuando esta solo en su auto se abre el vientre, sacandose las visceras, luego una operaria se cose los parpados, la nariz y la boca, se ahoga. Feldman lleva el abrigo a Shanna, se prueba ella el abrigo, le gusta, quiere quedarselo, le ofrece a Feldman lo que tanto queria, sexo anal, luego Feldman cambia, se hace cortes y se saca la piel deñ dorso y el torso como si fuera una chompa, se la ofrece a Shanna, se asusta, huye, mueren los dos en el ascensor. Fuerte este capítulo.
Se puede observar a John Saxon, como el cazador Jameson, lo recuerdo de Operación Dragón, Pesadilla en Elm Street, etc.

 

Fue hace como una semana, mi hermana me lo recomendó y no estaba mal, taba en algodón, medio como pa chibolos pero salí entretenido. Ah casi se me olvida fui a ver CRONICAS DE NARNIA: EL PRINCIPE CASPIAN.

 

THE SCREWFLY SOLUTION (2006)

TÍTULO: The Screwfly Solution​

TÍTULO ORIGINAL: The Screwfly Solution​

DIRECTOR: Joe Dante​

GUION: ​

REPARTO: Jason Priestley,Kerry Norton,Linda Darlow,Steve Lawlor,Elliott Gould,William S. Taylor,Don House,Nels Lennarson,Steve Makaj​

ARGUMENTO

Un brote de virus empieza a terminar con los hombres de Estados Unidos. Mientras se trata de encontrar una enzima que impida a los machos reproducirse, el virus comienza a extenderse y los hombres confunden sus impulsos sexuales con los asesinos... Una madre y su hija, serán las primeras en comprobarlo... Esta película forma parte de la serie Maestros del Horror. ​

CRÍTICA

Por Rubén Pajarón
Joe Dante dirigió "Piraña" a finales de los 70 y "Aullidos" a principios de los 80. Fin de filmografía. Al menos en lo relativo a terror, ya que Gremlins, por mucho bicho que haya, el popurrí de géneros que toca la hace prácticamente incatalogable.​

Sin embargo aquí está, de nuevo codeándose con los grandes del género, tras la buena acogida que obtuvo "Homecoming" en la primera temporada, gracias al oportunismo de un vulgar politiqueo pancartista, que le valió el apoyo de la Crítica en festivales de marcado fondo partidista, y también el del público, seducido en ese entonces por las cruzadas de la mass-media en busca de un espíritu juvenil y rebelde (camuflado con hipotético pacifismo), por los siempre motivos económicos.​

Fuera como fuese, la "película amiga" de la temporada fue una las más destacadas, y eso en parte condicionó el desarrollo de "The Screwfly Solution", que sin llegar a ser la versión extendida de un spot electoral como su precedente, sigue conservando parte de ese tono protesta, pero con mayor sutileza. ​

Esto no significa que la crítica social dejase de ser el motor de sus historias, todo lo contrario. Tras el éxito de "Homecoming", Dante optó por no variar las formas, sólo los objetivos. En esta ocasión, su objetivo fue el machismo.​

"The Screwlfy Solution" trata sobre el exterminio de la raza humana, perpetrado por la propia raza humana, de todas las etnias, países y continentes. El sexo marca la diferencia. Un día se ven extrañas estrellas fugaces en el cielo, y al siguiente la mitad de los hombres del planeta ha enloquecido y matan a las mujeres, sean familia, vecinas, conocidas o desconocidas, compulsivamente, movidos por una misoginia injustificada. No se conocen causas ni motivos, pero los efectos coinciden con los de un insecticida experimental, creado hace tiempo para acabar con plagas de moscas siguiendo técnicas de esterilización. ​

A pesar del mensaje de fondo y el tratamiento realista, Dante guarda una parte sobrenatural para el final, en la que muestra a los responsables de nuestro exterminio, que no son nada menos que extraterrestres. Su diseño traslúcido y azulado recuerda a los tiempos de "Encuentros en la tercera fase".​

La película está basada en el relato del mismo título, escrito en 1977 por la psicóloga Raccoona Sheldon. Su calidad frente a "Homecoming" es notablemente superior, la historia está bien desarrollada y caracterizada, y se desenvuelve en una escalera ascendente de violencia y misterio, que conduce a un final sorpresa, pero agradecidamente proporcional. No obstante, la repetición de los hechos, aún aumentando en intensidad (sin llegar a mucho), no deja de ser repetición, y al final da la impresión de que para lo poco que dura, ya ha durado demasiado. ​

Dicha redundancia, junto al indivisible toque cómico de Dante, más cierto tufillo pancartista, y la necesidad de presentar una crítica social para justificar la fantasía, hace que la película pierda puntos. Puntos negativos, que quedan minimizados en sombras gracias a la buena dirección de Dante y la innegable originalidad de la historia (sobretodo en estos tiempos de sequía). ​

Como guiño friki, en uno de los monitores por los que supervisan la reacción de varios cautivos ante la violencia femenina, pueden verse escenas de la tortura de "Imprint", de Takashi Miike, hecha para la primera temporada de Masters of Horror.​

Después de haber rodado el episodio más sonado de la primera temporada de Masters of Horror, era normal que para esta segunda tanda todos los ojos estuviesen puestos en Joe Dante, y tanto fanáticos como detractores (se ganó muchos de ambos con su anterior trabajo) esperaban su próximo episodio con los brazos y las fauces abiertas, respectivamente. Y al igual que como ocurría con Homecoming (2005), en The Screwfly Solution (2006) encontramos una historia de corte apocalíptico que oculta un no tan sutil comentario sobre el destino de la Humanidad, si bien esta vez muy diferente.
Basado en el cuento homónimo de Racoona Sheldon (pseudónimo de la escritora Alice Seldon), muy conocido en los círculos literarios de la ciencia-ficción, The Screwfly Solution cuenta la historia de un virus de procedencia desconocida que ataca súbitamente a los seres humanos, convirtiéndoles en voraces y cruentos asesinos. Los que se ven afectados por el virus, sin embargo, son sólo los hombres, y su violencia va dirigida exclusivamente hacia las mujeres. Los detalles de estos crímenes a menudo se ocultan al ojo público bajo la forma de histeria religiosa ("God told me to") o simple machismo, pero el resultado es el mismo: los hombres están matando a las mujeres en masa, y como el virus se propaga a una velocidad vertiginosa y por medios insospechados, nadie está a salvo. El episodio sigue la pista de una mujer que debe aprender a defenderse por sí misma mientras su marido y un grupo de científicos buscan la manera de detener la plaga, que al principio se ve disfrazada dentro de las aberrantes prácticas de una secta religiosa conocida como los "Hijos de Adán".
Con su episodio, está claro que Dante busca varias cosas, la primera de ellas más que evidente: realizar un reflejo ficcional de la llamada "violencia de género" y de la naturaleza agresiva del hombre sin ningún tipo de control. A un segundo nivel, sin embargo, su relato se construye como una historia apocalíptica vista desde una perspectiva completamente doméstica. Casi nunca abandonamos el punto de vista de nuestra prota, ni siquiera cuando el mundo entero se desmorona a su alrededor. No estamos, sin embargo, ante un apocalipsis histérico y descontrolado como el que veíamos, por ejemplo, en 28 días después (2003), sino ante la gradual destrucción de una sociedad y su sustitución por otra donde el salvajismo, la depredación y la violencia irracional son entronizadas. El fin del mundo llega de forma gradual, y considero que a medida que avanza el metraje la historia se hace cada vez más interesante. Los últimos minutos, en este sentido, me parecen espectaculares, con un espíritu apocalíptico que hace de este episodio una de las muestras más oscuras de su director (al menos en mi memoria).
El final, o mejor dicho, la revelación final, es lo más controvertido de The Screwfly Solution, y puedo entender por qué. Si bien es cierto que Joe Dante ha sido aquí bastante fiel a lo que se narra en el relato original, los eventos de este final son quizás mucho más contundentes en forma escrita y demasiado explícitos para una película. Atención, sin embargo, al último plano, contundente a más no poder a pesar de que su extrema sencillez. La verdad es que, desde que leí sus opiniones sobre el estado del cine actual, no recordaba a un Dante tan pesimista.
En definitiva, est episodio no llega a la maestría de Homecoming, pero sí resulta uno de los más interesantes y recomendables de esta nueva temporada de Masters of Horror. Al menos se trata de un capítulo ambicioso y, además, el primero que no se siente alargado, tanto que de hecho podría perfectamente haber servido de base a un largometraje. Algunos defectos menores sí son evidentes, como un primer acto que cojea un poco y (sobretodo) una estética demasiado similar a la que han mostrado el resto de los capítulos. Aún así, el licántropo que esto escribe lo ha disfrutado mucho, y por eso no dudo en recomendarlo.



Interesante el planteamiento, asi como suprimimos plagas, usando compuestos químicos que imitan las hormonas de los insectos, sean del crecimiento, de muda, sexuales, etc. alguien puede ver a la humanidad como plaga por lo que hace al planeta y usar químicos que alteren nuestras hormonas y no sepamos reaccionar adecuadamente a un estimulo sexual y un estimulo a la violencia.

 

VALERIE ON THE STAIRS (2006)

TÍTULO: Valerie on the Stairs

TÍTULO ORIGINAL: Valerie on the Stairs

DIRECTOR: Mick Garris

GUION:

REPARTO: Tyron Leitso,Nicola Lipman,Jonathan Watton,Christopher Lloyd,Christine Barrie,Clare Grant,Suki Kaiser,Tony Todd

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ARGUMENTO

Basado en un relato de Clive Barker, cuenta como un escritor se muda a un edificio para escritores para terminar de escribir su última novela. Al hacerlo, deberá abandonar el lugar. Pronto comenzará a tener visiones de una chica desnuda que parece necesitar su ayuda... Valerie, que así se llama la chica, es un secreto de aquel lugar. Esta película forma parte de la serie Maestros del Horror. ​

CRÍTICA

Por Rubén Pajarón
Clive Barker, a diferencia de su célebre Candyman, es un nombre cuya sola mención puede conllevar oscuras consecuencias en la mente del interesado. Morbosos recuerdos, cuyas cadenas oxidadas entierran sus garfios hipodérmicos en nuestra memoria, removiendo dolorosos placeres del pasado.

Sin embargo los muertos tienen autopistas, y cenobitas, carameleros o ilusionistas son sólo peregrinos de un vasto laberinto oscuro, donde cada viajero tiene una historia que contar, y un escritor dispuesto a compartir sus historias, con todo aquel deseoso de abrir la caja.

Al igual que con Haeckel's Tale, su anterior y nada despreciable relato para MoH, Barker insiste en mantenerse lejos de su iconografía popular, y despliega una vez más la camilla para someter una porción de realidad a cirugía, revelándonos el horror que carcome los huesos del mundo bajo el superficial telón de la carne.

Para esta ocasión elige un contexto cercano, la historia atañe a un escritor novel, Rob Hanisey, que al igual que los residentes del edificio al que se muda, es incapaz de acabar la novela que piensa le catapultará a la fama. Un lugar de meditación hecho a medida de estas personas, cuyo único requisito es el ensimismamiento y la total dedicación a la escritura.

Sin embargo, Rob descubre que en el edificio hay algo más. Tras las paredes hay algo más que las migrañas y demencias de sus frustrados compañeros de habitación, e incluso éstas ocultan un doble fondo aún más terrorífico. Misterios, mentiras, y Valerie, una chica fantasmagórica que le suplica ayuda cada noche al pie de las escaleras, y a la sombra de un monstruo obsesivo que no dejará que se vaya.

La película, dirigida y guionizada por un inspirado Mick Garris, cuenta con la virtud de mantener el interés hasta el final. La complejidad de la historia (rayana a su relato de sangre "Los Hijos de Babel"), su tanteada progresión de los enigmas, el equilibrio entre suspense, amor, sexo e incluso comedia (siempre a merced del horror), y el juego que ofrece un argumento propicio al metatexto y la autocrítica, son las claves de su buen resultado.

Complementando sus virtudes, cuenta además con la presencia de Tony Todd, encarnando al demonio posesivo y seductor de la historia, que se homenajea a sí mismo y a su mítico personaje barkeriano, con el que es imposible no encontrar paralelismos. Y también con la sorpresa de un Christopher Lloyd delirante como siempre, aún sin estar en su salsa.

El punto malo se lo lleva el final. Los giros de guión y revelaciones conducen el interés a un punto demasiado elevado para tan poca duración, y una vez alcanzado el ático, al igual que el protagonista, se ve acorralado en un punto sin salida, donde la única opción es perder los papeles.
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El fantasma del paraíso

TITULO ORIGINALPhantom of the Paradise
AÑO1974
DURACIÓN92 min.
PAÍS
DIRECTORBrian de Palma
GUIÓNBrian de Palma
MÚSICAPaul Williams
FOTOGRAFÍALarry Pizer
REPARTOPaul Williams, William Finley, Jessica Harper, George Memmoli, Gerrit Graham
PRODUCTORA20th Century Fox
GÉNERO Y CRÍTICA




Musical. Terror / SINOPSIS: Paul Williams escribió la partitura de este clásico del cine musical de terror, en el cual participa interpretando el papel del malvado magnate de la música perseguido por un compositor desfigurado al que mete en prisión para robarle sus composiciones. Una vez en libertad, el fantasma se enamora de la nueva estrella de la canción promocionada por el magnate, comenzando así su particular venganza.

«Me gusta la fantasía; Me gusta la ciencia-ficción; Me gusta crear mundos. Y el rock presentaba la posibilidad de crear un mundo fantástico completamente nuevo»
Brian de Palma (1)

El fantasma del paraíso estaba "condenado" a convertirse en obra de culto ya desde su estreno, en la noche de Halloween de 1974. Tan sólo contemplando los cinco primeros minutos, cualquiera puede darse perfecta cuenta de que no va a ver una película al uso. Es más, hoy en día, más de 30 años después, pocas películas desde entonces han sido capaces de ofrecer algo parecido. En ese espectacular comienzo, mientras contemplamos el sello de "Death Records" (un pájaro muerto que se me antoja el reverso tenebroso del de "Swan Song", el de Led Zeppelin), una voz en off nos anuncia lo que vamos a presenciar. Aunque por supuesto las palabras se quedan cortas, sirven bien para anunciar lo que se avecina dando ya desde el principio cierta dimensión a la historia.


Esta es clásica, buena película, tuve la suerte de conseguirla, gracias Polvos azules.

 

lo ultimo q vi fue IRONMAN, taba bacan.

 

RIGHT TO DIE (2007)

TÍTULO: Right to Die​

TÍTULO ORIGINAL: Right to Die​

DIRECTOR: Rob Schmidt​

GUION: ​

REPARTO: Martin Donovan,Julia Anderson,Robin Sydney,Anna Galvin,Corbin Bernsen,Linda Sorenson,Xantha Radley,Derek Green,Norman Misura,Yvonne Myers​

ARGUMENTO

Tras sufrir un accidente de coche, una mujer acaba en coma y con su piel completamente hecha trizas. El marido de esta, siguiendo los deseos de su mujer, pide que la desconecten de la máquina que la mantiene viva. Sin embargo, ella está deseosa de venganza por algo que ocurrió tiempo atrás. Esta película forma parte de la serie Maestros del Horror. ​

CRÍTICA

Por Rubén Pajarón

Insólitamente ascendido al rango de Maestro, con una sola película de terror en su corto haber como cineasta, Rob Schmidt se presentó como una de las sorpresas de esta segunda temporada de Masters of Horror.​

Por fortuna, dicha precocidad no impidió que despuntara con luz propia, tenue, pero suficiente para hacerse un hueco entre los grandes con una idea modesta e interesante, muy correcta y en cierto modo original, pese a los paralelismos con "Patrick" (1978), de Richard Franklin, o las reminiscencias a la desollada Julia de Hellraiser 2, en el look de la vengativa protagonista, e incluso en sus actos y objetivos. Una originalidad de agradecer, teniendo en cuenta que su solitario y dudoso clásico moderno, "Wrong Turn" (Km.666), es deudor de demasiados precedentes en un subgénero tan profuso como circunscrito a su receta, cuyos referentes siguen siendo a día de hoy sus originarios, "La Matanza de Texas", "Las Colinas tienen Ojos" y "Pánico antes del Amanecer".​

"Right to Die" se aleja del American Gothic para ofrecernos una historia de fantasmas vengativos, como es habitual, pero con el aditivo de una propuesta interesante que la desmarca de la narración acostumbrada, la presentación de un fantasma a tiempo parcial. En la película, un aparatoso accidente de coche hace lo que Cliff es incapaz de hacer por sí mismo, romper sus lazos conyugales con Abby, que envuelta en llamas, descubre un dolor más grande que el de las quemaduras, la negativa de su marido a socorrerla. ​

Aún así, Abby sobrevive. Mientras pasa sus últimos días entre comas interrumpidos en una cama de hospital, Cliff vive con su amante la vida que antes sólo podía vivir en secreto. Pero no es la salud ni la suerte lo que mantiene a Abby con vida, sino su ira. En trámites de desconectar el soporte vital de Abby, Cliff empieza a recibir visitas aterradoras del fantasma de su desfigurada esposa, que aparece sólo en los lapsos en que ésta permanece en coma. Su opinión sobre desconectarla cambiará radicalmente cuando ve su vida en peligro, y a sus amigos cayendo como moscas inexplicablemente. Sólo un pacto inhumano con su mujer puede salvarle la vida, devolverle la suya.​

Pese el interés que despierta esta premisa, merma en la práctica ante la falta de atrevimiento, que diluye sus posibilidades optando por atrincherarse entre rellenos y redundancias, y dejar que el encanto eficaz y perturbador de contados momentos cubra los huecos. ​

A destacar entre dichos momentos, los primeros planos del rostro cauterizado y vendado de Abby, con un maquillaje particularmente inquietante, que hará a más de uno apartar la mirada.​

Esta es la ultima que tengo de la colección Masters of Horror, me faltan cuatro, a buscarlas se ha dicho.Diablito

 

Título original: Ultraviolet
Director: Kurt Wimmer
Guión: Kart Wimmer
Reparto: Milla Jovovich, Cameron Bright, Nick Chinlund, William Fichtner, Sebastien Andrieu, Ida Martin
Género: Ciencia Ficción
Duración: 88 min.:


A finales del Siglo XXI debido a experimentos genéticos surge un virus que mutará a parte de la humanidad en unos seres más rápidos, más fuertes, más ágiles e inteligentes, los hemófagos. Las autoridades sanitarias tomarán las riendas para controlar la infección, recluyendo a los mutantes en campos para experimentar con ellos y poco a poco ir exterminándolos. Así comienzan las Guerras de Sangre, en la que algunos grupos de hemófagos rebeldes se enfrentarán a los humanos para luchar por su supervivencia.

Violeta (Milla Jovovich), una de las muntantes supervivientes, se convierte en una auténtica máquina de matar y está dispuesta a lo que sea para acabar con esta guerra. Al interceptar una nueva arma que el Archiministerio quiere usar contra los hemófagos para acabar con ellos de manera definitiva, Violeta se encuentra ante la duda de destruirla o tratar de encontrar por medio de ella la cura de la enfermedad.

Este es el argumento principal de la tercera película de Kurt Wimmer. Aunque toma referencias visuales del mundo del cómic, Ultravioleta no esta basada en ninguna obra del mismo. Escrita por el propio director, al igual que hizo con Equilibrium, Wimmer se inspira en Gloria, de John Cassavettes, o por lo menos eso pretende, porque la historia no tiene ni mucho menos la fuerza de la inspiración original.

El guión flojea. Tras la inicial presentación de la historia, nos vamos encontrando con que debemos suponer a raíz de este prólogo que ya sabemos todo sobre nuestra protagonista. No nos hace falta nada más que saber.

Wimmer intenta darle a toda la película una ambientación de cómic, estética que se aplica desde el mismo momento en que comienzan los títulos de crédito. Juega mucho con los aspectos visuales del entorno: el Archiministerio esta plagado de símbolos de radioactivo, y de peligro biológico, hasta el cementerio que aparece en el film tiene alguna advertencia similar. Sin embargo, en una adaptación de un cómic tenemos detrás un bagaje, una historia de fondo que le da carácter al personaje principal, unos secundarios que complementan su función y unos villanos que sirven de Némesis del héroe protagonista. Pero no es el caso en esta película.

La sensación que nos deja Violeta y los personajes que la rodean es de casi un completo vacio. Podemos ver que es lo que pretenden ser: la heroína es una vengadora, una máquina de matar pero con corazón, el niño introvertido mueve a la ternura, el compañero y amigo y el maquiavélico malo de la historia. Esto es lo que pretenden ser los personajes, porque en los diálogos debería convencérsenos de que estos personajes son esos arquetipos. Pero nos encontramos con unos diálogos sosos y cortos que parecen intercalados entre las múltiples peleas y persecuciones.

Los actores aparecen poco expresivos, tal vez por imperativo del guión. Milla Jovovich entre persecuciones y peleas intercala algunas frases trascendentales y que al principio dejan un poco descolocado al espectador: la típica soberbia del héroe vista en tantas otras historias. Pero cuando ya llevamos media película así pueden acabar por llevar a la risa al público. Cameron Bright, el niño, cumple su papel de inexpresivo a la perfección. William Fitchner interpreta a Garth, el amigo-científico que sirve de ayuda a Violeta, y que es prácticamente algo anecdótico. El malvado Vicecardenal, Nick Chinlund, es simplemente malo. Si antes me referí a determinados momentos de la actuación de Milla Jovovich como que llevan casi a la risa, en este caso lo que provocan es, tristemente, hilaridad, porque no hay otra forma de enfrentarse a estos diálogos. Si esta situación fuera buscada por el director tendría un pase, pero mucho me temo que no es así.

La película además choca frontalmente en el aspecto visual. El aspecto conceptual esta bien desarrollado y cuidado. Las coreografías son muy espectaculares y rebuscadas, pero tampoco nada del otro mundo. Las persecuciones, sobre todo la primera, hacen que nos acordemos de Matrix, con helicóptero y todo incluido. Eso si, queda fantástico el fondo real de los auténticos edificios de Shangai y Hong Kong incorporados a esta ciudad futurista.

El hecho de estar rodada totalmente en formato digital, es un factor que con seguridad ayudó al equipo de producción a abaratar costes, pero no juega a su favor de cara a la factura final de la cinta. Las caras de los actores aparecen con cierta falta de definición, y a la hora de escenificar las grandes escenas de acción, éstas parecen directamente extraídas de un videojuego de hace unos años (ni siquiera algo reciente). Hay un momento en el que seguimos a un tráiler por el medio de una calle de la ciudad, y se nota tanto que esta hecho por ordenador que parece que estemos viendo la presentación de un videojuego desfasado.

En definitiva, Kurt Wimmer dirige y escribe esta película, que sin duda alguna se verá beneficiada a la hora de atraer gente a las taquillas por la buena fama de la que goza Equilibrium, convertida ya en película de culto gracias a la red y aún no estrenada en España. Sin haberla visto, fui a ver Ultravioleta con expectativas de encontrarme ante un buen producto de ciencia ficción, tal vez algo tópico, pero fresco y bien hecho con un director y una propuesta que se prometía interesante. Una auténtica pena que no fuera así.

Me gusto bastante, parece que solo circula como discos, esta basada en un comic europeo, ojala hagan una segunda parte.

 

a ve dejeme pensar creo que la ultima si no recuerdo fue gregorio o fue batman I ENTRE ESAS ESTOY NO HABIA TIEMPO

 

El exorcista II hereje (1977)

Título Original: Exorcist II: The heretic (USA)

Director: John Boorman

Guión: William Goodhart

Música: Ennio Morricone

Intérpretes: Linda Blair , Richard Burton , Louise Fletcher , Max von Sydow



Sinopsis:

El padre Lamont es enviado por su cardenal para que investigue la muerte del padre Merrin y la causa de la posesión de la joven Regan por el demonio Pasuzu. Lamont viajará a África para investigar la posesión de otro hombre por un demonio llamado Kokumo, al que el padre Merrin había realizado un exorcismo años atrás. Cuando regresa a Nueva York descubre que Regan ha vuelto a ser poseída a causa de una máquina hipnótica del doctor Gene Tuskin.
Protagonizada por Linda Blair, Richard Burton, Louise Fletcher, Max Von Sydow y James Earl Jones, la primera secuela de la película de William Friedkin fue un gran fracaso en todo el mundo pese a los esfuerzos de su director John Boorman, que llegó a retirar el film de la cartelera con el fin de volver a montarlo en una nueva versión (que era como nosotros lo conocíamos hasta ahora). Este DVD presenta el montaje original del director y se presenta como una magnífica oportunidad de redescubrir este film, quizá maltratado en exceso en el momento de su estreno.
IMAGENEl Hereje: El Exorcista II fue fotografiada por William A. Fraker (La Leyenda de la Ciudad Sin Nombre) utilizando objetivos esféricos y una relación de aspecto de 1.85:1. El DVD se presenta con una relación de aspecto de 1.78:1 e incluye mejora anamórfica 16/9. Incluimos más información sobre los aspectos visuales de la película en este enlace.
Se trata de una imagen irregular. Ello se debe en parte a que la copia utilizada para la transferencia no parece provenir de elementos restaurados, sino que presenta manchas e imperfecciones causadas por el paso de los años. Asimismo, técnicas como el revelado forzado (primera captura adjunta), efectos ópticos (segunda captura) o el empleo de difusión durante el rodaje del film tienen como consecuencia la aparición de grano en la imagen o pérdidas de nitidez en la misma, haciendo que algunos planos resulten algo mediocres en comparación con el resto del metraje.
El contraste por lo general es bueno, aunque por determinados momentos el detalle en sombras y la densidad de negros dejan algo que desear. La paleta de color es típica de la época, con tonos no demasiado saturados. La presencia de grano en ocasiones produce cierto ruido de bajo nivel causando problemas en la compresión, sin que se aprecien más problemas de este tipo.
En definitiva, El Exorcista II presenta una imagen adecuada, aunque no a la altura de recientes restauraciones (lo que tampoco sorprende tratándose de este film).

SONIDO (VERSIÓN ORIGINAL)

El Hereje: El Exorcista II se presenta en versión original con su pista original monofónica, aún algo habitual en aquella época incluso para producciones de alto presupuesto.
Todo el audio emana del canal central; sin embargo se trata de una buena pista en la que el diálogo, los efectos de sonido y la banda sonora tienen un rango dinámico y una fidelidad mayores a lo que cabría esperar.
Es una pena que al menos la banda sonora de Ennio Morricone no se haya presentado en estéreo, pues así suena durante los menús de manera más que aceptable.

El actor que personifica a el Cardenal es Paul Henreid el mismo Victor Laszlo de Casablanca, aquella película antigua de los 40s.

 

Matrix

TITULO ORIGINALThe Matrix
AÑO1999
DURACIÓN131 min.
PAÍS
DIRECTORAndy Wachowski, Larry Wachowski
GUIÓNAndy Wachowski, Larry Wachowski
MÚSICADon Davis
FOTOGRAFÍABill Pope
REPARTOKeanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss, Hugo Weaving, Joe Pantoliano, Marcus Chong, Paul Goddard, Mary Alice
PRODUCTORAWarner Bros / Village Roadshow Pictures / Groucho II Film Partnership. Productor: Joel Silver

GÉNERO Y CRÍTICA

1999:
4 Oscar técnicos / Fantástico. Acción. Ciencia-Ficción. Thriller / Un programador pirata recibe un día una misteriosa visita... Nada más se debe contar de la sinopsis de Matrix. Es más, si todavía no la ha visto, no deje que nadie le cuente qué es Matrix. Porque gran parte del éxito mundial de esta fascinante y entretenidísima película se basa en su original guión, asombrosa idea producto de la era tecnológica en la que vivimos. Si a ello le unimos su revolucionaria estética -con espectaculares y trepidantes escenas de acción nunca vistas en el género-, tendremos el porqué de la consagración de esta deslumbrante cinta fantástica como el mayor film de culto de final de siglo. Puede que en unos años quede obsoleta, pero para entonces ya nada nos hará olvidar el día que descubrimos qué es Matrix.... y a aquella Carrie-Anne Moss embutida en cuero, auténtico hielo -que de frío quema-, la más sexy heroína de estos tiempos cibernéticos.

 

ABOMINABLE DR. PHIBES, THE (1971) (?)







Títulos en español:
- ABOMINABLE DR. PHIBES, EL (Argentina)
- CIRUJANO DEL TERROR (México)
Títulos alternativos:
- ABOMINEVOLE DR. PHIBES, L' (Italia)
- SCHRECKENS CABINETT DES DR. PHIBES, DAS (Alemania)
- CURSE OF DR. PHIBES, THE (EE.UU.)

Dirigida por:
Robert Fuest
Protagonizada por:
Vincent Price
Joseph Cotten
Hugh Griffith
Terry-Thomas
Estudios: AIP (Prod.-Distr.)
País: G.B.
Duración: 94'




Reseña crítica: El doctor Anton Phibes (Vincent Price) comienza a vengarse de los médicos que dejaron morir a su amada esposa (Caroline Munro) en la mesa de operaciones. Las muertes comienzan a sucederse, y cada una es una resemblanza de una de las plagas divinas con que Moisés atacó a los egipcios en el Antiguo Testamento. Un inspector de Scotland Yard (Peter Jeffrey) intenta desemarañar el misterio ayudado por un doctor (Joseph Cotten) que probablemente sea la última víctima de Phibes. Quizás lo mejor que filmó Vincent Price en los '70 y lo más rescatable de la filmografía de Robert Fuest.


THE ABOMINABLE DR. PHIBES es una gran mezcla de diversas corrientes cinematográficas y estilos que a principios de los '70 hicieron ebullición. Por un lado, del giallo, proveniente de Italia. Este verdadero género nació en los años '60 (a través de las películas de Mario Bava y Riccardo Freda, más tarde Dario Argento) y se caracterizó por mostrar cada asesinato como si fuera una obra de arte, de manera imaginativa y a la vez estilizada. Por otro lado el llamado "camp", y cuyos ejemplos más acabados eran las series de TV THE AVENGERS (Los Vengadores) en Inglaterra o BATMAN en los Estados Unidos.
La combinación de estas dos corrientes es la principal inspiradora de la película de Robert Fuest que nos ocupa. En ella tenemos al ya inmortal Vincent Price como el Dr. (en Teología) Anton Phibes, músico, ingeniero y amante obsesivo, hasta el punto que luego de la muerte de su amada esposa Victoria Regina, él jura vengarse de los médicos que la atendieron de la manera más amarga. Pero Phibes no es un asesino serial común y corriente. No señor, él planea que cada uno de sus crímenes sea un símbolo y el signo elegido es el de las G'tah, las Diez Plagas que Moisés esparció sobre Egipto en tiempos bíblicos, documentadas en el libro del Éxodo.
A primera vista lo más rescatable de la película es la actuación de Price, o mejor dicho, su pantomima. Phibes solo habla a través de un cable conectado a un gramófono (de ahí que no mueve los labios para pronunciar sus diálogos) y bebe a través de la nuca; su rostro está casi permanentemente serio y adusto, y destila frialdad con cada nuevo asesinato. Sin embargo, Price se permite varios expresiones cómicas dentro de la rica gesticulación que presenta bajo la gruesa capa de maquillaje de Phibes, por ejemplo cuando interpreta el órgano de espaldas (al estilo de Eric, el Fantasma de la Opera) casi sin tocar las teclas. La película es de hecho, una comedia negra, pero tiene la gran virtud de ser terrorífica en las partes necesarias (cosa que muchas otras películas del mismo tono fallan): la secuencia del crimen del Dr. Hargreaves (que muere apelmazado por una máscara de rana) es bastante tensionante, lo mismo que la muerte del Dr. Kitaj, roído por ratas en la cabina de su avión.
Pero hay más puntos interesantes. La dirección artística y los decorados (diseñados por Brian Eatwell) son soberbias. Los sets combinan el estilo Art Noveau y Art Deco (recordemos que la película está ambientada a mediados de los años '20. La partitura musical de Basil Kirchin y Jack Nathan cumple un rol importante (acentuados por los primeros diez minutos de metraje, que carecen de diálogos) y el director Fuest utiliza los colores de la misma manera que directores como James Whale utilizó los claroscuros en los años '30. La presencia de Phibes (junto con su asistente, Vulnavia, interpretada por Virginia North) es siempre mostrada bajo un halo de fantasía o bien de magia. Esta impresión, influída por el excéntrico vestuario de la joven y las ominosas capas y túnicas de Phibes, agregar un tinte de realismo mágico, que balancea fuertemente con los resultados de sus acechanzas (o sea, los asesinatos).
La película tuvo secuela, titulada DR. PHIBES RISES AGAIN (El Regreso del Abominable Dr. Phibes-1972), y dos películas inspiradas que fueron THEATRE OF BLOOD (Teatro de Sangre-1973) y MADHOUSE (Casa de Locos-1974), todas protagonizadas por Price. Sin embargo es en la película original en la que Price está en mejor forma y la que posee valores cinematográficos más altos. El reparto secundario de nuestra película es notable, Peter Jeffrey compone un inspector Trout bordeando el estilo Monthy Python, Joseph Cotten encarna con gran seriedad al Dr. Vesalius, último nombre en la lista de muertes de Phibes, y también se destaca el comediante Terry-Thomas como el alcoholizado Dr. Longstreet y Hugh Griffith como un rabino.
Es cerca del final cuando el filme cobra fuerza poética, cuando Phibes se desenmascara para mostrar su rostro quemado y cuando va en busca de su esposa para aplicar sobre sí mismo la última de las plagas divinas: la oscuridad. Esos instantes, con la policía buscándolo por toda la casa y el Doctor preparando su propio embalsamado, con el fondo sonoro del tema "Over the Rainbow", son los momentos más épicos de la película y también los de la filmografía de Vincent Price.

 

HELLBOY

​

Dirección: Guillermo del Toro.
País: USA.
Año: 2004.
Duración: 122 min.
Género: Ciencia-ficción, acción.
Interpretación: Ron Perlman (Hellboy), John Hurt (Trevor "Broom" Bruttenholm), Selma Blair (Liz Sherman), Jeffrey Tambor (Tom Manning), Karel Roden (Grigori Rasputín), Rupert Evans (John Myers), Doug Jones (Abe Sapien), Brian Steele (Sammael), Ladislav Beran (Karl Ruprect Kroenen), Bridget Hodson (Ilsa), Corey Johnson (Agente Clay).
Guión: Guillermo del Toro; basado en un argumento de Guillermo del Toro y Peter Briggs; basado en el cómic creado por Mike Mignola.
Producción: Lawrence Gordon, Lloyd Levin y Mike Richardson.
Música: Marco Beltrami.
Fotografía: Guillermo Navarro.
Montaje: Peter Amundson.
Diseño de producción: Stephen Scott.
Dirección artística: Marco Bittner Rosser y Peter Francis.
Vestuario: Wendy Partridge.
Estreno en USA: 2 Abril 2004.
Estreno en España: 1 Octubre 2004.SINOPSIS
Nacido de las llamas del infierno hace sesenta años durante la Segunda Guerra Mundial, Hell-boy (Ron Perlman) fue enviado a la Tierra por el loco diabólico Grigori Rasputín (Karel Ro-den) para hacer el mal. Destinado a ser un presagio del Apocalipsis, Hellboy fue rescatado por las Fuerzas Aliadas lideradas por el profesor Broom (John Hurt), fundador del clandestino I.I.P.D. (Instituto para la Investigación Paranormal y de Defensa), que lo crió como un hijo y desarrolló sus extraordinarios poderes paranormales. A pesar de sus oscuros orígenes, Hellboy se convierte en un extraño héroe del bien, que lucha contra las fuer-zas del mal que amenazan nuestro mundo. En el I.I.P.D., Hellboy pasa a formar parte de una extraña familia que incluye al telépata "Mer-Man" Abe Sapien (Doug Jones) y Liz Sherman (Selma Blair), que es piro-kinética. Escondidos de la sociedad, están destinados a proteger; ellos son una línea de defensa clave contra Rasputín, que quiere a Hellboy en el lado oscuro con el fin de utilizar sus po-deres para desencadenar el Armagedón.
CÓMO SE HIZO
El diseño de producción no sólo se inspira en el cómic de Mignola sino también en elemen-tos del entorno gótico de la localización en Praga donde se rodó. Respecto al maquillaje de Ron Perlman para dar vida a Hellboy, el proceso llevaba unas cuatro horas....

CRÍTICAS


David Garrido Bazán

Lo más interesante es cómo Del Toro ha con-seguido realizar una adaptación modélica, fiel a la esencia básica del personaje y a los argu-mentos de los cómics en los que se basa sin renunciar por ello a muchas de las claves más reconocibles de este realizador...

Joaquín R. Fernández
Un producto que, a pesar de sus deficiencias y convencionalismos, consigue entretener al espectador a lo largo de todo su metraje. Así pues, esta película de Guillermo del Toro es recomendable para los que tan sólo persigan eso, divertirse durante un par de horas...

 

USA, 1984 : Harrison Ford (Indiana Jones), Kate Capshaw (Willy Scott), Ke Huy Quan (Short Round), Amrish Puri (Mola Ram) Director - Steven Spielberg, Guión - Willard Huyck & Gloria Katz, sobre una historia de George Lucas, Musica - John Williams
TRAMA : La negociación de un tesoro arquelógico con el magnate chino Lao Che fracasa a causa de la traición de éste, e Indiana Jones debe huir de China, siendo acompañado por el pequeño Short Round y la cantante Willy Scott. Pero Che ha saboteado el avión, y Jones y sus acompañantes descienden forzosamente en la India, en un poblado donde son recibidos y agasajados. Los lugareños piensan que Indiana viene a cumplir una profecía, la de liberar a la villa del poder del mal que se ha establecido en la zona y que ha culminado con el robo de las piedras sagradas Shankara que protegía al pueblo y el secuestro de todos los niños. Indiana Jones y su séquito partirán al palacio Pankot, para descubrir que el regente del lugar se encuentra bajo el poder de una tenebrosa secta que realiza sacrificios humanos.


Indiana Jones y el Templo de la Perdición es la segunda película de la saga iniciada en Los Cazadores del Arca Perdida. Aunque la historia es una suerte de precuela (ubicada años antes de las andanzas de Indy tras el Arca de la Alianza), temáticamente no guarda ningún nexo con el film original, salvo el presentar al mismo protagonista central.
Bastante se ha criticado a Indiana Jones y el Templo de la Perdición por comparación con el film previo. Ciertamente Los Cazadores del Arca Perdida es un film más sólido en ideas y mejor construido narrativamente, donde el personaje se encontraba al servicio de la historia. La idea de Lucas y Spielberg era relatar una historia de aventuras a la antigua, realzada con la inventiva y los efectos especiales de hoy, además de contar con todo el misticismo que suponía la empresa de averiguar, encontrar y rescatar el Arca de la Alianza. Comparado con ello, esta secuela es más liviana y fue tildada de mediocre por la crítica (mas allá de la impresionante respuesta del público), de ser una simple montaña rusa al servicio de los efectos especiales. Es injusto desmerecer a Indiana Jones y el Templo de la Perdición; simplemente el tono de la aventura es diferente, y ahora es la historia la que se encuentra al servicio del personaje.
Si Los Cazadores ... homenajeaba el tono del viejo cine de aventuras (como algunos filmes de Stewart Granger - Harry Black y el Tigre, Las Minas del Rey Salomon), el Templo de la Perdición homenajea a las versiones baratas de los mismos: a los seriales. Era común que en los seriales como los de la Republic, el héroe quedara en situaciones de peligro extremo y escape imposible, pendientes a resolver en la emisión siguiente (proyectada en la próxima semana). Esto es lo que en inglés se le conoce como cliffhangers (el héroe queda "colgado" de una situación); y el Templo de la Perdición es una serie desenfrenada de cliffhangers.

 

Indiana Jones y la última cruzada (1989). Steven Spielberg.









En esta ocasión Indiana Jones no viaja solo y se junta a su padre, interpretado por el actor escocés Sean Connery. Y esta es la gran baza de la tercera entrega de las aventuras del arqueológo que vuelve a repetir con gran acierto todas las características de las dos anteriores entregas.
La historia cuenta la búsqueda y rescate que Indiana Jones (Harrison Ford) hace de su padre, el doctor Henry Jones (Sean Connery) que está recluido en una catedral por los nazis mientras él andaba en búsqueda del Santo Grial. A partir de entonces, al igual que "En busca del arca perdida", los doctores Henry Jones (padre e hijo) intentan encontrar su objetivo con los nazis pisándole los talones.
De esta tercera entrega destaca la presencia en el papel de padre de Indiana del actor Sean Connery, que ha reusado volver a interpretarlo en la cuarta entrega que se rueda en estos días. El actor cumple con creces ante su duelo interpretativo con Harrison Ford y y está divertidísimo como el padre cascarrabias pero atento del arqueólogo. Simplemente un gran acierto que este gran actor aparezca en la película, ya que después de dos entregas, el personaje de Indiana tan hábilmente interpretado por Ford, necesitaba encontrarse ante otro grande como Connery.
Destaca la presencia del joven (y desafortunado) actor River Phoenix interpretando a un Indiana Jones en su juventud y que da pistas del origen de atuendos tan necesarios para él como el sombrero o el látigo.
A destcar la vuelta de Jonhatan Rhys-Meyers y Denholm Elliot en sus roles de la primera entrega.
En esta película, la chica no le plenta cara a Indiana como en "En busca del arca perdida" ni es una muchacha torpe y gritona de "El templo maldito", sino que es una chica fría, calculadora y con un lado oscuro interpretada por Alison Doody.

Lo mejor: el tour de force interpretativo entre Ford y Connery, sobretodo, el papel del segundo. La escena de ambos atados a la silla. Que ésta no sea la última entrega de las aventuras de Indiana Jones.

Lo peor: que el personaje del doctor Henry Jones padre acabe aquí porque Connery se ha negado a volver a interpretarlo en la nueva entrega.

Datos interesantes: en la escena en la que Ford y Connery están en el avión, el actor escocés no lleva pantalones porque sólo se le veía de cintura para arriba. Al parecer, al actor le gusta pasearse por el set de rodaje sin pantalones antes de rodar porque se relaja.

 

SINOPSIS

Superman (Brandon Routh) –nacido en Krypton, un planeta que murió mucho tiempo atrás– fue criado en una granja de Kansas por sus padres adoptivos, los Kent. Al joven Kal-El le pusieron el nombre de Clark Kent, y aunque ha vivido entre seres humanos, no es uno de ellos. Bajo el ardiente sol de la tierra, es capaz de hacer cosas con las que los humanos sólo sueñan, pero para convivir con ellos debe llevar una doble vida. Es Clark Kent, un hombre apacible y sin pretensiones, que se convierte secretamente en el Hombre de Acero cuando el mundo corre peligro. Pero ahora, las crisis mundiales llevan desatendidas cinco largos años, desde la misteriosa desaparición de Superman. Sin él, el crimen ha crecido alarmantemente en la ciudad de Metropolis y en todas partes. Además, Lex Luthor (Kevin Spacey), que acaba de salir de la cárcel, planea ejecutar actos destructivos con la intención de emplear los secretos tecnológicos de Superman para su propia ganancia y gloria. Lois Lane (Kate Bosworth), estelar periodista del Daily Planet y la mujer a la que Superman ama, ha rehecho su vida desde que él se marchó sin dejar rastro ni explicación. Ella acaba de ganar un Pulitzer y ahora tiene otras cosas en qué pensar: está comprometida con el sobrino del editor y tiene un hijo al que cuidar. Pero para Superman, la larga búsqueda para encontrar su lugar en el universo termina en la granja de los Kent, la única familia que ha conocido. Su destino está en Metropolis, donde al mirar a los ojos de Lois, se da cuenta que este sitio, entre la gente imperfecta pero buena del planeta Tierra, es su verdadero hogar. Y con el plan de Lex a punto de llevarse a cabo tan sólo horas después de su regreso, el mundo necesita a Superman ahora más que nunca.

Lois Lane le revela que el es el padre de su hijo.​

 

Título original: The Sum of All Fears
2002
Estados Unidos
Thriller - Acción - Aventura
Film - color - 125' - inglés

Tagline: 27.000 armas nucleares. Una ha desaparecido.


Dirección: Phil Alden Robinson
Guión adaptado: Paul Attanasio, Daniel Pyne
Basado en: The Sum of All Fears (novela), de Tom Clancy
Protagonistas: Ben Affleck , Morgan Freeman , James Cromwell


Resumen argumental: Una bomba nuclear perdida durante años en territorio sirio reaparece en el mercado negro y va a parar a manos incorrectas: un grupo neo-nazi que pretende destruir con ella a una ciudad estadounidense y hacer creer a todos que Rusia está detrás del atentado.

El único hombre capaz de resolver el incidente es el viejo conocido agente de la CIA Jack Ryan, rejuvenecido en la piel de Ben Affleck tras haber sido encarnado por los ya mayores Alec Baldwin y Harrison Ford en películas anteriores (La caza al Octubre Rojo, Juego de patriotas, Peligro inminente), todas basadas en libros de Tom Clancy. Demasiados personajes y una trama excesivamente compleja atentan contra este tecno-thriller "ayudado" en su repercusión por una circunstancia externa: su estreno se produjo con posterioridad al atentado a las torres gemelas de Nueva York del 11 de septiembre de 2001.


Clancy hace su cuarta irrupción en el séptimo arte y nos entrega una aventura más del agente de la C.I.A., Jack Ryan, interpretado inicialmente por Alec Baldwin en The Hunt for Red October y posteriormente con más carisma por Harrison Ford en Patriot Games y Clear and Present Danger.
En esta ocasión el rol de Ryan recae en la nueva luminaria de Hollywood, el niño bonito Ben Affleck (Pearl Harbor), que si bien realiza un buen trabajo, no tiene la madera de Ford para convencer en el rol de agente brillante y estratégico. La experiencia es irremediablemente necesaria Ben.
Pese a ser un buen entretenimiento en pantalla grande, la cinta exhibe varias alteraciones a la trama original. En las películas anteriores vimos al protagonista casado y con hijos; Clancy planeó para esta aventura a un Ryan más maduro, incluso se había convertido ya en Director de la Agencia. No obstante, en la versión cinematográfica no sucede así; inexplicáblemente, Ryan es nuevamente un joven agente brillante pero inexperimentado, y logra su ingreso a la C.I.A. a través de un maduro asesor del Presidente, William Cabot, interpretado por Morgan Freeman.
Personalmente pienso que el guión es la columna vertebral de toda cinta y no puedo dejar de señalar que lo anterior es un error absurdo. Pese a ello la cinta logra transmitirnos la tensión de un holocausto nuclear y las consecuencias que traería para el mundo.
La reflexión de esta cinta no está en la aventura patriotera de un agente salvando a su país y conjuntamente al mundo; la verdadera cuestión radica en percibir la perversidad de los gobiernos y lo frágil y maleable que resulta el equilibrio mundial, ya que como podrán constatar, somos simples títeres de los caprichos personales de un puñado de individuos que se sienten con el derecho divino de decidir los destinos del mundo.
Los muy breves instantes en que los efectos especiales hacen su aparición son fantásticos; lástima que no trataran de explotar más este rubro. La edición es también un aspecto inteligente de la cinta, especialmente cuando Ryan queda sordo por unos instantes debido a una explosión y podemos percibir la realidad tal y como él lo hace en ese momento.
Siguiendo toda la escuela mostrada por Coppola en las cintas de El Padrino, la película cuenta con dos secuencias donde la suave música juega un rol protagónico y contrastante con la dureza de las escenas proyectadas. Resaltan los cuadros de la llegada del Presidente al Estadio de Futbol Americano acompañado del himno norteamericano y el final de la película, donde la opera sugiere el ritmo para cerrar las situaciones que habían quedado inconclusas. Es obvio que a Alden Robinson, el director, le sentó bien la amistad con Tom Hanks y Spielberg al haber dirigido recientemente para la TV, el drama de guerra Band of Brothers.
Como dato curioso debo decir que es increíble lo cerca que estuvo Clancy de describir la tragedia del Martes Negro cuando imaginó un ataque terrorista en tierras americanas, pues debo decir que la novela The Sum of all fears no es reciente; su primera edición salió a la venta en febrero de 1991, y a pesar de que muchos dicen que llega tarde al cine pues la versión original habla de grupos neonazis, las coincidencias con lo sucedido en septiembre pasado son muchas.

 

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·Joe Kidd


Título original: Joe Kidd
Año: 1972
País: USA
Duración: 88 min
Estreno en España: 1972
Estreno en USA: 1972
Director: John Sturges
Reparto: Clint Eastwood, Robert Duvall, John Saxon, Don Stroud, Stella Garcia, James Wainwright, Gregory Walcott, Paul Koslo
Productora: Universal Pictures
Género: Western
Sinopsis: Un adinerado aristócrata estadounidense llamado Frank Harlam (Robert Duvall) contrata los servicios de Joe Kidd (Clint Eastwood), para cazar a un mexicano que le da problemas con las tierras, pues reinvindica las posesiones mexicanas. El bandido es Charma (John Saxon).

No es lo mejor de Eastwood, una película más. No se compara a el Bueno, el Malo y el Feo.