¿Cuál fue la ultima película que viste? (Mar 2008 - Mar 2011)

La fuerza de la sangre


No Way Back


Año de producción: 1995

País: EE.UU.

Dirección: Frank A. Cappello


Intérpretes: Russell Crowe, Helen Slater, Etsushi Toyokawa, Michael Lerner, Kyusaku Shimada, Kristopher Logan


Guión: Frank A. Cappello

Música: David C. Williams

Fotografía: Richard Clabaugh


Duración: 87 min.

Acción de altura que sumerge al espectador en el sórdido territorio de la mafia oriental. Hace siete años, el agente del FBI Zack Grant (Russell Crowe) perdió a su mujer. El dolor entonces le sumió en un estado deplorable, un trauma que afectó a su trabajo y del cual intenta salir a duras penas. Ahora, sin embargo, está en sus manos recuperar el terreno perdido y para ello tendrá que llevar a cabo una misión sumamente difícil que le situará en medio de una guerra singular y peligrosa, la que tiene lugar entre la mafia y la yakuza.


El talento del actor australiano Russell Crowe ha quedado sumamente de manifiesto en dos de sus mejores películas, L.A. Confidential y El dilema. Aquí demuestra la misma dureza y aplomo y una notable intensidad interpretativa. Frank Capello dirige con pulso y logra transmitir fidedignamente toda la crudeza del mundo de las mafias orientales.



Vi la pelicula muy simple, queria ver a Helen Slater, la Superchica de los 80, y nada, minimo su aporte.

​

 

Ironman II y estuvo super bacan, sobre todo el humor negro que tiene es excelente.

Ya quiero que salgan los trailers de los Avengers, por que lo mencionan en la segunda peli de Hulk y en la secuela de Iroman.

 

POSIBILIDAD DE ESCAPE (LIGHT SLEEPER)

Dirección y guión: Paul Schrader.
País: USA.
Año: 1991.
Duración: 103 min.
Interpretación:
Willem Dafoe (John LeTour), Susan Sarandon (Ann), Dana Delany (Marianne Joseph), David Clennon (Robert), Mary Beth Hurt (Teresa Aranow), Victor Garber (Tis), Jane Adams (Randy Joseph), Paul Jabara (Eddie), Robert Cicchini (Guidone).

El protagonista, John LeTour (Willem Dafoe), es un individuo de cuarenta años, de profesión camello, que se encuentra atrapado en un callejón sin salida y quiere escapar de él. Quiere cambiar de vida. Incluso escribe un diario donde expone sus inquietudes. A nadie le sorprendará, pues, que le cueste conciliar el sueño.

Schrader se entretiene en presentarnos al protagonista y su circunstancia: la oficina central de Ann (Susan Sarandon), el reparto de la mercancía, las relaciones con los clientes, el cuchitril donde vive... A veces se entretiene demasiado, como si se tratara de un videoclip: vemos a LeTour sentado hierático, pensativo, en un cochazo impresionante, mientras música y coche van surcando las calles de Nueva York, como en Taxi Driver. Los videoclips de Schrader no nos marean con un cambio de ángulo cada tres segundos y, además, tienen una estética muy trabajada, muy comedida. Son, por lo tanto, videoclips de calidad, pero el director abusa de ellos.

Con tales ingredientes y las escenas en que LeTour escribe el diario en su cubil, en medio de una soledad absoluta (ni siquiera tiene televisión), Schrader compone el planteamiento de la película. Justo es decir que no está mal, pese a que los videoclips lo alargan demasiado.

Cuando el protagonista encuentra a su ex novia, Marianne (Dana Delany), la narración toma impulso, la intensificación dramática empieza a cobrar cuerpo. Asistimos a la obligada escena de amor y después...

Después los acontecimientos se precipitan. Marianne se suicida (de una forma bastante gratuita, a mi juicio) y entonces, como ya tenemos al antagonista, todo está a punto para que Schrader nos endilgue su historia preferida: un personaje que, atormentado por el pasado, se siente frustrado y se «libera» de sus obsesiones mediante un procedimiento desconcertante: realiza una gran matanza.

Si hasta entonces había seguido la película con atención, de repente me desengancho de la pantalla y pienso: «¡Otra vez!» Recuerdo los finales sangrientos de Taxi Driver, de El placer de los extraños, y, efectivamente, Posibilidad de escape también acaba con derramamiento de sangre. No tan espectacular como el de Taxi Driver, por supuesto, pero ahí es nada la matanza que presenciamos. Y Schrader no la filma de una manera lúdica (Tarantino) o teatral (Kubrick en Full Metal Jacket), sino trágicamente, patéticamente. La presenta como si fuera la culminación de la tensión dramática apenas esbozada cuando, en realidad, la destruye. A los tres cadáveres que deja a sus espaldas John LeTour hay que añadir el de la película. Si toda narración consta de planteamiento, nudo y desenlace, la matanza liquida gran parte del nudo y todo el desenlace. Como espectadores quedamos decepcionados, nos sentimos estafados

Buen film negro, saque esta critica de La Butaca.

 

Título original: Don McKay
País: USA
Estreno en USA: 02/04/2010

Productora: Animus Films
Director: Jake Goldberger
Guión: Jake Goldberger
Reparto: Thomas Haden Church, Elisabeth Shue, Melissa Leo, M. Emmet Walsh, Keith David, James Rebhorn

Buen final del film, un tipo retraido e introvertido recibe una carta de una novia de la juventud, Sonny, le invita a visitarlo, alli se entera que ella quiere casarse con el, para consumar lo mucho que lo quiere. El marido celoso lo ataca al encamarse, mata al marido en defensa propia. Entran la enfermera que cuida a la mujer y su marido, igual quieren que se case, creen que heredara una gran fortuna. Pero el real heredero de la fortuna es el marido, cuando se entera la mujer que ya esta muerto, se le cae la careta, era quien manipulaba a todos. Al final Donnie Mckay revela que Sonny, la novia de juventud, murio en un incendio hace mucho tiempo, accidente del que se culpa. Era otra la mujer que manipulaba, Joanne.

 

VOICE OF A MURDERER



Cuando uno es padre siempre tiene el temor impregnado en las venas de perder a un hijo, de darse la vuelta y de repente ya no verlo nunca mas, un riesgo que esta latente en todas las culturas y que se convierte en uno de los miedos mas devastadores de la naturaleza humana y del cual, se aprovecha Jin-pyo Park, director coreano de la excelente You Are My Sunshine, para contarnos una historia basada en hechos reales sobre el secuestro del hijo de un reportero de televisión famoso en Corea del Sur.

Protagonizada por el estupendo actor Sol Kyung-gu, en el papel del padre del niño secuestrado, un reportero de televisión obnubilado por la fama que tiene que afrontar esta crisis de perder a su menor hijo manteniendo la esperanza, la calma y el temple y recordando como castigo que la vida ofrece mejores cosas que el exito y el dinero.

Mas que un Thriller vibrante estamos ante un drama poderoso, un acercamiento a como la familia realmente se ve afectada cuando existe un secuestro, las culpas, la falta de fe, el resquebrajamiento moral y mental, el sentimiento de venganza y el miedo que durante 44 dias tuvieron que experimentar esta familia coreana en la vida real.

Además, aunque no originalmente, (esto ya se ha visto en Memories of Murder), se reconstruye a manera de critica la poca efectividad de la policia para combatir estos crimenes anonimos y que a manera de humor negro, la ineficiencia esta fuerza se deja de manifiesto en cada escena sin dejar de resaltar el lado humano de estos hombres de la ley que a pesar de sus limitaciones se entregan al cien por ciento al caso.



Voice of a Murderer es una de las mas taquilleras cintas en Corea del Sur del año, en un periodo en que las producciones locales con mayor exito han sido las que tocan temas nacidos de la realidad (May 18, esperadisima es una de ellas), evidentemente, porque esta pelicula trae de nuevo los miedos de millones de coreanos de saber que entre ellos, aun vivo, se esconde agazapado este maldito asesino, disfrutando de su fama silenciosa, de su crimen perfecto del que esperamos alguna vez pague todo lo malo que le infligio a esta familia.

Con un final desolador que solo transcribe lo que dictó la realidad en su momento, la cinta se convierte en un analisís de como afecta a los seres humanos la perdida de un ser querido privado sin consentimiento de su libertad, un juego de emociones mas que de suspenso a pesar que esta construida sobre la base del molde de un Thriller, estamos ante un excelente drama de un rompecabeza inconcluso y que la pieza clave para su engranaje, se encuentra en esa voz real del asesino que intenta ser un instrumento para atrapar al asesino, nunca el cine ha estado tan cerca del trabajo policial y eso, lo logra Park Jin-pyo con su cinta.

No es para mi una gran pelicula pero cumple su cometido, eso hay que decirlo, pero es absolutamente gratificante que un director vaya mas alla en el tema del secuestro que profundice en los efectos mentales, psicologicos y sociales que este tipo de actividades delictivas producen en las familias intentando con su obra atacar al mal de raiz, es decir, atrapar al asesino con su propia voz que ojala algún dia lo delate.

Para pasar el rato, pero al final del film pasan la voz del verdadero secuestrador, a ver si alguine puede identificarlo, hasta el 2007 el tipo estaba impune, no identificado.

 

bueno cofrades me di una vuelta x el cine para ver antes q se salga de cartelera a freddy en su nueva version , en general la pelicula entretiene me gusto y sobre todo cuanta la historia del comienzo cosa q no hizo la anterior version , bien la chica q hace de nancy (heroina) y su amiga la gringa buenaza lastima q la matan . lo malo y aqui si el pata q hace de freddy en la vida lo va a igual a robert englund este nuevo freddy es inexpresivo , tal vez sea el punto bajo . el final bacan cuando le saca los ojos a la tia

YouTube - 'A Nightmare on Elm Street' Trailer HD

chaufa people

 

a mi tambien no me gusto este freddy..mejor era el anterior....mas me gustarn las pelas de freddy antiguo

 

El festín de Babette

TÍTULO ORIGINALBabettes gæstebud (AKA Babette's Feast)AÑO1987
DURACIÓN102 min.
PAÍS
DIRECTORGabriel Axel
GUIÓNGabriel Axel (Cuento: Isak Dinesen)
MÚSICAPer Norgard
FOTOGRAFÍAHenning Kristiansen
REPARTOStéphane Audran, Jean-Philipe Lafont, Gudmar Wivesson, Jarl Kulle, Bibi Andersson, Bodil Kjer, Brigitte Federspiel
PRODUCTORANordisk Films / Panorama Film International / DFI
PREMIOS1987: Oscar: Mejor película extranjera
GÉNERODrama. Comedia | Cocina. Siglo XIX
SINOPSISSiglo XIX. En una remota aldea de Dinamarca viven dos hermanas, ancianas ya, envueltas en la nostalgia de una lejana juventud, en la que su educación, profundamente puritana, las obligó a renunciar a toda posibilidad de ser felices. Solteras pues, viven en una digna austeridad, hasta que aparece entre ellas Babette, quien llega huyendo del terror de su natal París. Al poco tiempo tendrá oportunidad de corresponder a la bondad y al calor con que fue acogida. Un buen premio de lotería le permite organizar una opulenta cena con los platillos y vinos de la mejor gastronomía francesa. A esta cena son invitados los vecinos, todos fanáticamente puritanos. Aceptan ir, pero entre sí pactan no dar ninguna muestra de gozo o disfrute de lo que comen y beben, porque sería pecaminoso. Sin embargo, es tal la fuerza seductora de las viandas que, poco a poco, en un ceremonial intenso y emotivo, van cediendo a la sensualidad que implica gozar de los prodigios de la cocina francesa

Y Babette se queda sin los 10,000 francos ganados en la loteria francesa, los gasto todos en el festín, se queda a vivir con las hermanas solteronas, de ama de casa sin sueldo.

 

La chica de la fábrica de fósforos. de Aki Kaurismaki.
Una trágica y dolorosa comedia de Kaurismaki



Sempiterno: Proviene de la raíz latina semper (eterno) en la segunda declinación flexiva, y caso dominativo: sempiternus, a, um. (Fuente: Etimologías de chile)


"Probablemente hayan muerto de hambre y frío
allá lejos, en el medio del bosque"
Sergeanne Golon
(La Condesa Angélica)


Con estas palabras dichas por la condesa Angélica en la mítica saga romántica de 10 tomos de Sergeanne Golon, comienza esta octava obra sempiterna que se va a centrar en el director finlandés Aki Kaurismaki (Crimen y castigo, La vida bohemia, Un hombre sin pasado, Luces al atardecer, etc). Ya he hablado de una de sus películas y cada vez que veo una nueva, Kaurismaki logra sorprenderme nuevamente con su minimalismo absoluto y su estilo depurado. Su cine se centra es mostrar ese lado trágico de la vida, ese lado pesimista, a través de personajes grises que se resignan existencialmente a vivirla. Tal es el caso de este sorprendente film llamado La chica de la fábrica de fósforos (o cerillas) (1990). Kaurismaki sorprende tanto con su puesta de escena fría, soberbia, irónica y abrumadora, como por la tragicomedia de la historia que se centra en contar, la cual tiene los rasgos fatalistas de la mitología griega. La historia se centra en una joven solitaria llamada Iris que trabaja en una fábrica de cerillas realizando las más rutinarias tareas en las máquinas.

En las primeras escenas Kaurismaki nos muestra el calculado proceso de fabricación y empaquetamiento de las cajas de fósforos, no en manos humanas, sino que este trabajo es realizado por las maquinas. Iris lo único que hace es controlar que las etiquetas estén bien pegadas, un especie de control de calidad del producto final. Un trabajo tan aburrido y monótono como su propia vida. Cuando Iris llega a casa debe soportar a su perverso padrastro y la falta de cariño de su madre, los cuales se abusan de su ingenuidad tomándole el dinero de su sueldo y utilizándola a ella como ama de casa. Ninguno de estos personajes tienen vida, se le pasan confinados y postrados mirando la trágica realidad que muestran los noticieros. Notoriamente se siente que la vida esta en otra parte, tanto en el clima como en las locaciones. Las locaciones cargan con una desangelada presencia al igual que la mismísima Iris. Por las noches Iris sale a bailar intentando divertirse y sueña con encontrar el amor, pero nunca tiene suerte. Retomando la frase del comienzo del film, Iris es una fiel lectora de Sergeanne Golon, ella se escapa de su realidad por intermedio de la romántica historia de Angélica. Historia que ella tanto desea vivir algún día. Todo cambia cuándo comienza a vivir la vida, revelándose con sus padres y comenzando una muy breve historia de amor con un hombre. De quien luego queda embarazada, pero este hombre con total frialdad le deja un cheque para que mate al niño. Allí se da cuenta de que la realidad no es como la ficción. Descubre el dolor, el odio, el abuso, la tristeza pero sobre todo conoce la decepción. Kaurismaki deja muy claro que descubrir la verdad sobre lo que nos rodea puede ser una peligrosa decepción, causando en este caso, una gran tragedia.

En esta última entrega de la "trilogía proletaria" de Kaurismaki sobre el desamparo social, el director finlandés plantea mediante su visión desoladora, pesimista y cruel de la vida, una brillante e implícita comparación entre el funcionamiento de la fábrica de fósforos donde trabaja Iris, con la vida en las sociedades posmodernas. Una sociedad mecánica y mecanizante, deshumanizada, alienada, masificada, fría e insensible. Iris es un personaje gris (como suelen ser todos los personajes de Kaurismaki) que aparenta ser ingenua y que esta abrumada por la arrolladora rutina que lleva con su vida. Iris según la mitología griega, era la mensajera de los dioses, era como la mediadora entres los dioses y los humanos. Eso resulta ser esta joven en el film, pero planteada desde la ironía, lo perverso, lo egoísta y desde lo trágico. Una Iris deshumanizada y egoísta, tal cuál como es la sociedad. El siniestro sentido del humor del film es realmente de admirar, Kaurismaki logra hacernos reír con lo perverso y con la dolorosa realidad de esta jovencita, realidad que se regodea con el lado mas oscuro y macabro del ser humano, y principalmente, que nunca sucumbe ante esto. El silencio es lo primordial del film, ya que hace resonar de una manera punzante el momento en que su padre la llama "puta" por haberse comprado un vestido nuevo con el sueldo proveniente de su propio sudor. kaurismaki es un director cuyos principios están en contra de los efectos especiales y de las escenas de acción, por ende, cada vez que sucede algo que tenga necesidad de mostrar violencia, decide darla por obvia o no ponerla en sus manos, sino que solo ocurren en los noticieros, en la TV o en otras películas; quitándole así, toda la importancia. A Kaurismaki solamente le interesa mostrar lo que ocurre entre las acciones, el tiempo débil que sigue a la tensión, los espacios intersticiales.

En el film vuelven a sonar esos bellos tangos que suelen escucharse en cada uno de sus filmes. Estos se acoplan perfectamente al doloroso presente de Iris, un presente cargado de tristeza y de una horrorosa soledad. Una notable melancolía invade en el ambiente del film y que se hace realmente táctil, la misma acompaña en todo momento el sufrimiento de nuestra heroína. Todo esta perfectamente calculado, tanto para Kaurismaki como para Iris, ambos son minuciosos en todo lo que hacen y buscan la perfección. Kaurismaki lo logra, en cambio Iris no, ella no tiene en cuenta de que todo mal que uno hace llegado su momento se paga. Una obra que dota de una gran frialdad - tanto por su arraigada cámara al trípode y su fijades en cada plano, como por su manera de mostrar el desamparo social que padecen los personajes - de un universo extremadamente silencioso - logra transmitir magistralmente los sentimientos con las miradas - de un minimalismo extenuante, pero sobre todo de una realidad cruda, insensible, egoísta y asfixiante. Cada encuadre en sus películas dura lo suyo, es decir, más de lo esperado, porque el presente del tiempo que pasa es interminable y hay que dejarlo que cumpla con su trabajo de desgaste. La chica de la fábrica de fósforos es un alegato en contra de la sociedad en que todavía seguimos viviendo, un grito de auxilio y un pedido de solidaridad y unión social. Un cine que da cuenta de todas las fallas del progreso y la modernización, ubicándose en la posición de los que no reciben los beneficios y ni siquiera los ven pasar cerca suyo. Una gran obra maestra engendrada por uno de los directores más pesimista de la historia del cine y uno de los mejores cineastas de nuestro presente.

"Las películas clásicas son las mejores. Películas que narran historias de una manera tradicional, historias tradicionales contadas a la vieja usanza: pocos y sobrios movimientos de cámara, imágenes escuetas, un buen montaje... eso es, en mi opinión, el cine clásico. Es contar historias. La mayor parte de los directores ha olvidado o perdido esa capacidad"
Aki Kaurismäki

En pocas palabras Iris es una mujer introvertida, que al final les mete Racumin a su amante de una noche, a su madre, padrastro, un posible nuevo galan, a quien encuentra en un pub.

 

Titulo Original:Kalimán En El Siniestro Mundo De Humanon
GENERO:Terror
PAIS:México
DURACION:93 Minutos
AÑO:1976
DIRECTOR: Alberto Mariscal
GUION: Modesto Vázquez González
Rafael Cutberto Navarro
Hector Gonzalez Dueñas
Victor Fox
INTERPRETES:
Jeff Cooper
Lenka Erdo
Manuel Bravo
Milton Rodríguez

Sinopsis:

Al llegar a Rio de Janeiro para asistir a un congreso de parapsicología, Kalimán, el Hombre Increíble y su pequeño e inseparable ayudante Solin, se ven involucrados en la mas escalofriante aventura en las traicioneras selvas de Brasil. El cruel y genial Humanón ha creado un laboratorio fantástico donde efectúa los más macabros experimentos genéticos. Kalimán debe poner en juego sus habilidades telepáticas y sus destreza física para salvar a la bella Guarina y a un grupo de científicos antes de que sean mutilados por Humanón.​

Esta la consegui en el Hueco, recordar esos personajes del comic mexicano de los 70s, Radaman, la princesa con la cara carcomida, etc. Pero como film es malazo, hay que usar bastante la imaginacion para disfrutarlo. El pata Jeff Cooper tiene un parecido con el Kaliman del comic, pero es troncazo.​

 

Benicio del Toro, licántropo en "The Wolf Man"
Anthony Hopkins, Emily Blunt y Hugo Weaving completan el reparto de la cinta, que dirige Joe Johnston.

Lon Chaney, Claude Rains, Clifford Evans, Jack Nicholson... Muchos son los actores que han aceptado someterse a la metamorfosis para transformarse en hombres lobo a lo largo de la historia del cine. Y es que, sin generar una filmografía tan extensa como Drácula o Frankenstein, el mito del licántropo ha dado bastante juego en la gran pantalla, como prueban éxitos recientes como Underworld o Van Helsing.
El último en sumarse a esta larga lista ha sido el mexicano Benicio del Toro, que en The Wolf Man interpreta a Lawrence Talbot, un estadounidense que, de regreso a la tierra de sus antepasados, sufre el ataque de una bestia maldita que le obliga a convertirse en hombre lobo las noches de luna llena.
El guión de la cinta ha sido desarrollado por Andrew Kevin Walker (Sleepy Hollow), a partir de la versión de 1941 dirigida por George Waggner con Claude Rains de protagonista. Por su parte, la dirección corre a cargo de Joe Johnston, responsable de títulos como Jumanji, Parque Jurásico III o Hidalgo, océanos de fuego.
Producida por los estudios Universal, The Wolf Man tiene presupuesto de superproducción (unos 85 millones de dólares) y un reparto de lujo: a Benicio del Toro lo acompañan entre otros Anthony Hopkins (Hannibal), Emily Blunt y Hugo Weaving (V de vendetta).

Me gusto, en esta version, es el padre de Lawrence, Sir John Talbott, es contagiado por la licantropia en uno de sus viajes por el Himdu Kush, el actual Afganistan, un niño salvaje, parecido a Smeagol lo muerde.

 

Solomon Kane es un héroe puritano de ficción del siglo XVII creado por Robert E. Howard, autor de Conan el Bárbaro.
Solomon Kane es un hombre sombrío, de rostro pálido y ojos fríos, que vaga sin rumbo por el mundo, con el único propósito de combatir el mal en todas sus formas. Viste siempre de negro y porta un sombrero caído. Sus armas son un estoque, una daga y unos mosquetes con percutor de pedernal, además del talismán vudú que le entregó su amigo africano N'Longa.
Las aventuras de Solomon Kane aparecieron en las páginas de la revista Weird Tales. El primer relato que Howard dedicó al personaje llevaba por título Sombras rojas (Red Shadows), y fue publicado en agosto de 1928. El último relato protagonizado por Kane fue Alas en la noche (Wings in the Night), que Weird Tales incluyó en su número de julio de 1932.
En 2008 se editaron, por parte de Dark Horse, una miniserie de cinco cómics sobre el personaje.[1]
En 2009 se estrenaba por primera vez la película Solomon Kane, bajo la dirección del director británico Michael J. Bassett y con el actor James Purefoy en el papel de Solomon Kane. El primer estreno tuvo lugar en Francia, el 23 de diciembre de 2009.[2] En España se estrenó más tarde: el 1 de enero de 2010.[3]
Personalmente, me ha gustado bastante esta adaptación de las novelas de Rober E. Howard sobre el personaje de "Solomon Kane", cual desconocía del todo, puesto que de este celebre autor, solamente conocía a su personaje mas famoso, el bárbaro de nombre "Conan". Y mi conocimiento sobre este viene mas dado por la versión cinematográfica que rodo John Milius para la pantalla grande con el fornido Arnold Swarzzeneger de protagonista, en la cinta "Conan, el bárbaro". E intento no pensar o acordarme demasiado (y mira que la he visto mas veces que la primera película...¿Y no me preguntéis el por que?) de su mediocre secuela "Conan, el destructor" que pese a la simpatía de la misma, es muy, pero muy inferior a la original. "Solomon Kane" es un film entretenido y en momentos quiere llegar mas allá de lo que se puede permitir, en ocasiones su grandeza cae en un saco roto, su toque Hollywoodiense es demasiado estilo cómic. Dándole a la personalidad de Kane unos rasgos de superhéroes que en verdad no necesitaba, ya que su personalidad es sobradamente interesante ya de por si sola, violenta y sin compasión con el prójimo y con esa honestidad y bondad que quiere obtener para redimirse en un mundo de oscuridad y maldad. Pero que en el mundo en el que vive es imposible que la segunda personalidad tenga alguna posibilidad de sobrevivir. E incluso el parecido (bastante la verdad) razonable del excelente actor protagonista James Purefoy con (el Lobezno) Hugh Jackman es un elemento a tener en cuenta, no se si negativamente o favorablemente, cada cual puede dar su propia opinión. A mi, la verdad es que no me ha molestado, pero tampoco puse muchas ganas en abordar ese tema. Para ser sincero el único elemento negativo que le veo a esta cinta es la de un guion demasiado cerrado en si mismo, que se deja muchas cosas en el tintero, cosas. que son las que podrían haber dado un film aun mayor. La película avanza demasiado deprisa tanto en su argumento como en el cambio de personalidad de su principal protagonista. Este cambio en el film (de las novelas no puedo opinar) esta mostrado de una manera algo brusca y demasiado rápido. Se hubiese deseado un desarrollo mas amplio y explicativo hacia el espectador tanto en ese apartado como en otros momentos o personajes del film.


Solomon Kane es un guerrero, un soldado, atormentado por sus actos acometidos en el pasado, busca la redención luchando contra un poder oscuro y maléfico que esta destruyendo a su país.

Puro cine de "Espadas y brujerías" a la que también pertenecían los film sobre "Conan" que como ya comente entretiene y se hace muy ameno su visionado si uno no busca algo mas grandilocuente. La película esta bien rodada, aunque en manos de otro director con mas oficio tal vez habría realizado un film mas que notable. Michael J. Bassett el realizador de aquella pequeña maravilla que fue la curiosa "Deatwatch", un film infravalorado que espero que mas adelante sea visto con mas mas interés. Dirige y escribe la película de una manera tal vez demasiado simple para el proyecto que se trata, no es una mala dirección, aunque se ve a la legua que podría ser mejor. Sin contar la magnifica primera escena, una combinación perfecta de lo que debería haber sido toda la película. Donde la violencia, el terror y lo sobrenatural se dan la mano en una perfecta atmosfera inquietante. También destacaría la violencia que impregna el film, no es tan sangrientamente carnales como las de "Conan" (la primera sobre todo) pero tienen su propio tono brutal e inhumano que hacen que las mismas sean cruentas, pero a la vez muy realistas. Otro de los puntos negativos son el desarrollo de algunos de los personajes, sobre todo del amo de todo lo oscuro, que esperando a verlo (eso no ocurre hasta el tramo final de la película) después de todo lo que se dice de el en el desarrollo del film, este finalmente queda desdibujado en su presentación, como un mero tonto del culo. En el film ademas de Purefoy también están la guapa actriz Rachel Hurd-Wood o los siempre excelentes (aunque en esta ocasión los dos tienen unos papeles poco agradecidos, mas bien correctos) Pete Postlethwaite o el grande Max Von Sydow. En resumen una cinta muy entretenida, violenta y de una correcta realización, pero de la que se esperaba algo mas, aunque como ya dije a mi me gusto mas de lo esperado.

Entretenida, full ficcion.

 

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Just Business (2008)
Género: Acción

Director: Jonathan Dueck

Actores: Gina Gershon, Jonathan Watton, John Robinson, Zachary Bennett, Mif, Jack Epplett, William Yong.

Sinopsis:

La hija de un famoso ladrón cae en una mortífera red de engaño cuando su padre desaparece misteriosamente después de robar un pedazo de obra de un famoso coleccionista.

Bodio aburrido, lo compre por el Hueco, como The Job, en los creditos Gerard Depardieu, Harvey Keitel, etc. Me ensarte. Ni siquiera Gina Gershon salva el film, era un cuerazo, que labios.
Un tipo debe recuperar su pintura y se apellida Gray, tiene unos 30 años, pero tiene recuerdos de la segunda guerra mundial, en Hong Kong en 1941.

 

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Título: Los Protegidos: The Boondock Saints II
Título original: The Boondock Saints II: All Saints Day
País: USA
Estreno en USA: 30/10/2009
Estreno en España:
Lanzamiento en DVD (alquiler): 06/04/2010
Director: Troy Duffy
Guión: Troy Duffy
Reparto: Norman Reedus, Sean Patrick Flanery, Clifton Collins, Julie Benz, Judd Nelson, Peter Fonda, Billy Connolly
Sinopsis:
Secuela de 'The Boondock Saints' (Los elegidos), de 1999. La película, narraba la historia de dos hermanos, Murphy y Connor McManus, convertidos de forma casual en violentos justicieros con el supuesto "permiso de Dios", y de la persecución a la que son sometidos tanto por los susceptibles de ser ajusticiados como por las fuerzas del orden. Esta vez la cinta se desarrollará en los bajos fondos de Boston, donde habrá una cruzada violenta y sangrienta para conseguir justicia. Los protagonistas tendrán dos nuevos amigos: un nuevo socio en el crimen (Clifton Collins) y una sexy agente del FBI (Julie Benz).

Otro bodrio, las actuaciones pesimas, los malos de caricatura, y encima aburrida. Que raro, al final se ve a alguien muy parecido a Willem Dafoe, pero no esta en los creditos.

 

The fourth kind (La cuarta fase en España, Contactos del cuarto tipo en Argentina y El cuarto contacto en México) es una película del año 2009, dirigida por Olatunde Osunsanmi y protagonizada por Milla Jovovich. El filme se ubica en Nome, Alaska, y trata el tema de las abducciones alienígenas. Su título proviene de la clasificación de encuentros cercanos con extraterrestres ideada por el ufólogo J. Allen Hynek, en la que el cuarto tipo es la abducción.
La película dice estar basada en hechos reales y se ubica en el pueblo de Nome, Alaska. Allí, según la película, ha habido una cantidad desproporcionada de abducciones alienígenas durante los últimos cuarenta años (aunque la evidencia es escasa).
Milla Jovovich interpreta a la psicoterapeuta Abigail Tyler, quien graba en video sus entrevistas con los supuestos abducidos y, al mismo tiempo, comienza a sospechar de un encubrimiento por parte del gobierno.
Mientras se alterna entre dramatización y documentación real, la película muestra cómo, aparentemente, los pacientes con problemas para dormir recibían visitas de seres de otro planeta a los que describen como lechuzas. Éstos hablarían en el antiguo idioma sumerio que, por otro lado, se relaciona con estatuas o esfinges de cohetes y cascos espaciales de hace miles de años.
La historia de la película es un bulo por ciertas lagunas que dejan en duda la aseveración que expresan al principio, durante y final de la cinta.
De acuerdo al diario Fairbanks Daily News-Miner, en Nome y en otros pueblos de Alaska ha habido desapariciones, pero normalmente se relacionan al abuso de alcohol y a las bajas temperaturas de la zona.[1] [2]
A días de su estreno en Estados Unidos, se dio a conocer que Universal Pictures pagó USD $20.000 al Alaska Press Club ('Club de prensa de Alaska') por usar «noticias falsas» para promover su cinta.[3]
La película resultó no estar basada en hechos reales como las campañas de marketing aseguraban. La actriz que interpreta a la doctora Abigail Tyler es Charlotte Milchard, que tiene ficha en el sitio Internet Movie Database (IMDB).[4] Su nombre aparece en los créditos junto a los actores Valentin Ganev, Vladimir Kolev, Jay Glenn Sunberg y Sylvia Loulcheva como «Residentes de Nome».

Pucha ya creia eso de basada en hechos reales, pero aqui leo que todo es una bien montada campaña de marketing promocional. Esta hecha como un documental.

 

El Inmortal [2010]
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TITULO ORIGINAL: L'Inmortel
PAIS: Francia
AÑO: 2010
GENERO: Thriller
DIRECTOR: Richard Berry
REPARTO: Jean Reno... Charly Matteï ,Kad Merad ... Tony Zacchia ,Gabriella Wright ... Yasmina Telaa ,Richard Berry ... Aurelio Rampoli,Marina Foïs ... Marie Goldman ,Fani Kolarova ... Christelle Mattei ,,Jean-Pierre Darroussin ... Martin Beaudinard ,Claude Gensac,... Mme Fontarosa ,Venantino Venantini ... Padovano
SINOPSIS
Producción de Luc Besson para esta peli inspirada en hechos reales y basado en la novela El Inmortal de Franz-Olivier Giesbert sobre la historia del gangster masellés Jacques Imbert y su conflicto con otro llamado Tany Zampa. En uno de sus ultimísimos trabajso para el cine, Jean Renos es Charly Matteï, un antiguo miembro de la mafia marsellesa retirado que lleva 3 años viviendo una placida vida dedicado a su mujer y a sus hijos. Una mañana, unos hombres le atacan y es dado por muerto después de recibir 22 balas. Pero sobrevivirá milagrosamente y buscará a Tony Zacchia, el único hombre capaz de atreverse a matarlo. Tony ha cometido solo un error, fallar en su intento.

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Buena la pelicula, mala suerte la copia que consegui por el Hueco, no tiene el audio en sintonia con el subtitulado, ya conseguirte una buena. El nombre viene del atentado contra su vida, le meten 22 balazos y sobrevive.

 

Sex and the city 2.

 

Si yo tambien, justo la vi esta semana alla por Plaza San Miguel, la verdad que a Sarah Jessica Parker ya se le ve bien tia (y pa' con... en la pelicula no quiere tener hijos yo creo que la edad mas bien se lo impide) aunque si, estuvo entretenida ... sobre todo porque estuve agarrando con una 'amiga' Diablito

 

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El maestro de marionetas
(The puppet master)

TITULO ORIGINAL: Hsimeng jensheng
AÑO: 1994
PAÍS: Taiwan
DURACIÓN: 143 min
DIRECTOR: Hsiao-Hsien Hou
GUIÓN: Wu Nien-Chen, Chu Tien-Wen
MÚSICA: Chien Ming Chang
FOTOGRAFÍA: Lee Ping-Bing
REPARTO: Li Tien-Lu, Ling Chung, Hung Liu, Lim Giong
PRODUCTORA: Chiu Fu Sheng
GÉNERO: Drama
IDIOMA: Chino mandarín con subtítulos en español aparte
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SINOPSIS
Un famoso maestro de marionetas narra la historia de su vida.
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CRÍTICA
“El maestro de marionetas se enmarca en la mejor tradición del cine chino, que se acerca a la gran historia de su pueblo a través de las vidas corrientes de unos personajes muy normales. Así, el film tiene la fascinante resolución estética y el amable humanismo al retratar a sus personajes del cine de Zhang Yimou, que ha conseguido cautivar desde hace años a la crítica y al público selecto de todo el mundo. Sin embargo, Hsiao Hsien no tiene la frescura narrativa de Yimou. Sus estáticos y larguísimos planos-secuencia, plagados de personajes y referencias, aunque magistrales, resultan muy cansados. También provoca desconcierto la disposición del tiempo en la película, aunque ella sea, seguramente, la aportación más original de Hsiao Hsien al lenguaje cinematográfico. La trama aparece enormemente fragmentada en decenas de breves anécdotas, muchas veces desconectadas entre sí, que primero se narran y sólo más tarde se hilvanan a través de la voz en off o de la singular aparición en directo del propio protagonista, ya mayor. Con esta singular estructura narrativa quizá pretenda Hsiao Hsien añadir un elemento de intriga a cada fase del argumento y resaltar de paso la fascinación que provocan los buenos relatos orales. En cualquier caso, cuesta hacerse con ella. Ayudan un poco a conseguirlo las magníficas interpretaciones de todos los actores, llenas de matices dramáticos, y la belleza de la fotografía de Ping-Bing Lee y de la música de Ming-Chang Chen... Se trata de una película insólita y sensible, de muy bella factura”

Buena pelicula, trata de la vida de Li Tienlu, en el Taiwan de la preguerra, la misma guerra, hasta la rendicion del Japon.​