R. E. M.

Tema en 'Musica y Video Clips' iniciado por p.l.u.c.k, 6 Feb 2011.

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Luego de unas semanas sin novedades, ha sido subido a Youtube el video de Everyday Is Yours To Win, a mi parecer uno de los mejores temas del ultimo disco, con una letra bastante optimista y efectiva. Acerca del video pues no es muy novedoso, mas aun si se han recopilado tomas de otros videos de usuarios de Youtube, a quienes dicho sea de paso les dan el credito al final del mismo. Yo diria que al fin de al cabo es mas conceptual pues el unico que esta participando de las ideas y grabaciones es Michael Stipe.
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=dumlbtoBo9U&feature=player_embedded"]YouTube - Michael Stipe, Jim McKay Introduction Video[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=fKJoX5YXs98"]YouTube - R.E.M. - Every Day Is Yours To Win (Official)[/ame]
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Continuando cronologicamente....

1 Radio Song
2 Losing My Religion
3 Low
4 Near Wild Heaven
5 Endgame
6 Shiny Happy People
7 Belong
8 Half a World Away
9 Texarkana
10 Country Feedback
11 Me in Honey

http://www.mediafire.com/?4zozwfmwqng

R.E.M. necesitaron un año completo de desintoxicación para volver al mundo de la música. Obviamente, lo suyo no eran las drogas, sino la afición a dar giras extensas. La que sirvió para promocionar Green fue tremenda, larga y agotadora: cada concierto era un acontecimiento, como demuestra el estupendo documento visual recogido en Tour Film.
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Así pues, Out of Time, su segundo disco con Warner, no llegó hasta 1991. Pero, cuando lo hizo, cambió sus vidas para siempre. Si Green les había convertido en un grupo masivo, su siguiente obra les convirtió en estrellas de ventas millonarias a lo largo de todo el planeta. Ellos, uno de los símbolos del undeground estadounidense de los 80, ya se codeaban con cualquier autoproclamado rey o príncipe del pop.

Para lograrlo, los de Athens editaron en Out of Time algunas de sus canciones con más gancho, pese a que el disco en sí diste mucho de ser sencillo o autocomplaciente. Sin embargo, la culpa de todo la tuvo una canción, ‘Losing My Religion’, hito del pop desde el mismo momento de su edición.

Ese tema oscurece a todos los demás y supone, quizás, el punto culminante del grupo como escritores de pop clásico y profundamente conmovedor. Un vídeo perfecto, tan misterioros como la letra de la canción o la interpretación de Michael Stipe, fue el complemento ideal para arrasar en las listas. En unos pocos meses, Out of Time ya era top 5 de ventas en gran parte de los países del mundo.

Sin embargo, el disco es algo más que Losing My Religion. De hecho, Out of Time tiene un enfoque arriesgado plasmado en un sonido amable. Se trataba de hacer canciones para la radio, pero en tnatos estilos diferentes como canciones pudiera tener el álbum. Y R.E.M. le pegan a todo: al funk rapeado de ‘Radio Song’ (fantástico el discurso final de Krs-One), a la melancolía más dulce (‘Near Wild Heaven’, soft rock certero) o a las canciones complicadas y recitadas (‘Low’ o ‘Belong’ son dos temas difíciles convertidos en momento pop).

Out Of Time supone, en cierta manera, el disco perfecto de pop para adultos. Tiene tanta carga nostálgica como momentos de puro disfrute descerebrado (‘Shiny Happy People’ , con la tremenda Kate Pierson a las voces, es puro chicle pegajoso, una canción feliz porque sí).

Peter Buck confesaba en una entrevista a la revista Guitar School del año 1991, que el grupo no había considerado la posibilidad de tanto éxito:

"No hay ninguna canción rockera, ni siquiera guitarras eléctricas. Éste es un disco basado en los arreglos de cuerdas. Pensábamos que era un buen álbum, pero no uno que vendiera mucho. Pero, entonces, en sólo diez días, vendió un millón en EEUU y pensamos: “Bueno, ahí está, eso demuestra cuánto conocemos el mercado”.

Para crear su disco más exitoso, R.E.M. tuvieron toda la libertad que quisieron. Se cambiaron instrumentos, probaron nuevas cosas. Buck lo explicaba así, en esa misma entrevista:

"Por ejemplo, Bill salió mucho de detrás de la batería: tocó el bajo, la guitarra acústica o los bongos. Todo dependía del día y de qué tocase cada uno. (...) Fue divertido escapar del sonido de banda rockera después de tanto tiempo haciéndolo."

Esa obsesión por dejar de sonar a banda de rock, a loq ue había sido hasta (y especialmente en) Green, llevó a Peter Buck a coger la mandolina y eso a ‘Losing My Religion’.

Sin embargo, hay otras dos que sobresalen en el disco: la primera, la optimista y recargada ‘Texarkana’. Y la segunda, la brutal ‘Country Feedback’ , una balada donde las guitarras siempre ponen los pelos de punta.

Ahí, en ambas, está la cumbre del cuarteto de Athens en este disco que, curiosamente, ahora algunos críticos parecen revisar en sentido negativo. Es imposible: por mucho que lo intenten, Out of Time tiene material de sobra como para defenderse ante cualquier acusación.
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Pues sin dudas que fue uno de los mejores discos de la banda, todos los temas son hits imprescindibles para conocer la discografia. Para mi las mejores son Losing My Religion, Half A World Away, Country Feedback y Me In Honey... mencion aparte al tema Fretless, un excelente lado B. Por cierto, este año se celebra el 20vo aniversario del lanzamiento de este disco, motivo por el cual diversas revistas y webs han hecho especiales de la banda.

[ame="http://www.youtube.com/watch?v=sOAWeZXj20M"]http://www.youtube.com/watch?v=sOAWeZXj20M[/ame]

[ame="http://www.youtube.com/watch?v=Gz_B6mqVSqI"]http://www.youtube.com/watch?v=Gz_B6mqVSqI[/ame]

[ame="http://www.youtube.com/watch?v=oC7er_6dpsI"]http://www.youtube.com/watch?v=oC7er_6dpsI[/ame]

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01 - Drive
02 - Try Not to Breathe
03 - The Sidewinder Sleeps Tonite
04 - Everybody Hurts
05 - New Orleans Instrumental No.1 [Instrumental]
06 - Sweetness Follows
07 - Monty Got a Raw Deal
08 - Ignoreland
09 - Star Me Kitten
10 - Man on the Moon
11 - Nightswimming
12 - Find the River

http://www./?d=OB3BW0YU

Cuando me preguntan por el disco de mi vida, mi respuesta es rápida y clara: Automatic for the People. Desde la primera escucha me cautivó. Y cada revisión que hago de él, lo confirma. Y dudo que ninguno de los que pueda escuchar le quite el honor. Decía Enric González que "un momento mágico es una puerta abierta al sueño". Y eso es para mi. Doce momentos mágicos. No nos engañemos, R.E.M. venían de un pop muy dulce -en algunas canciones, diabético- con Out of Time. Y para una gran parte de la gente, R.E.M. estaba asociado a ese sonido. Pocos conocían la trayectoria anterior. Así que para todos ellos, Automatic for the People (AFTP) fue un shock. Hubo quien lo asimiló y quedó prendado para siempre. El resto, lo olvidaron tan rápido como lo escucharon y R.E.M.quedó para ellos unido para siempre a Losing my Religion, Shiny Happy People y, como mucho, Everybody Hurts y Man on the Moon. Nada más.

Pero AFTP es una obra maestra con un punto en común, la melancolía. El disco rebosa tristeza, pérdida, muerte, pero es la melancolía la que une todo. Las letras, la música y la producción. En aquellos momentos, R.E.M. era el centro de todas las miradas del mundo de la música. Después del éxito mediático de Out of Time, ¿qué vendría después? El grupo estaba en el punto clave de su carrera. Peter Buck acababa de separarse y Michael Stipe vivía el lado amargo de la fama. Podían haber repetido el esquema exitoso, pero ellos nunca han seguido el camino más fácil. Lo que quizá nadie esperaba era que apostaran por un disco, donde la pérdida y la nostalgia fueran los puntos fundamentales. Naturalmente, el proceso no fue instantáneo, R.E.M. ya había apuntado pinceladas del sonido que explotarían en AFTP. Low, Half a World Away,You Are The Everything o, incluso, King of Birds ya eran esbozos de lo que estaba por venir. Ya desde las primeras notas, AFTP se revela como un disco oscuro y sombrío. Pesimista y reflexivo. Craig Rossen escribió que consistía en una serie de "canciones de cuna con feedback". Stipe dijo que se trataba de "un disco de punk-rock tranquilo". En esencia, una serie de canciones folk que se mueven en un equilibrio perfecto entre la desesperación y la esperanza. En un equilibrio insolente.

El disco se inicia con Drive. Pocas veces veremos una apertura de una grabación con una canción tan oscura y siniestra como ésta. Y a pesar de que, tal y como avanza la música, se puede intuir un salto en cuanto a su condición, es Stipecon su interpretación quien la retiene y quien le da ese aire depresivo. Es como si quisiera indicar que esos "chicos" a los que canta Michael, en realidad no tienen más remedio que rendirse a la evidencia. No hay salida. A pesar del punteo de Buck.

Try Not to Breathe es, musicalmente, más optimista y a mi entender, aunque sé que se lanzaran sobre mi cual hienas, es más impresionante que Drive. La letra de Stipe es una de las más brillantes que jamás haya escrito. La historia ya la saben. Un hombre (o una mujer; eso casi nunca tiene importancia) que quiere poner punto final a su vida de una manera digna.

Hubo críticos musicales que se refirieron a Fables of the Reconstruction como "la banda sonora de un funeral". Me imagino que, temiendo que les pudiera suceder algo parecido, decidieron incorporar The Sidewinder Sleeps Tonite, una bocanada de oxígeno entre tanto aire genialmente viciado. Un intento de recuperar aquel "jangle-pop", feliz y positivo, al menos musicalmente. Casi como una secuela de Shiny Happy People, aunque la letra no sea ni mucho menos tan estúpida. Más que nunca, es John Paul Jones, con sus arreglos, quien la salva.

No conozco a nadie. De verdad. No conozco a nadie a quién no le guste Everybody Hurts. Sé de gente que no soporta Losing my Religion, pero nunca he oído una mala palabra sobre Everybody Hurts. La canción suena conmovedora como sólo ellos saben hacerlo. Y pocas veces Stipe había escrito una letra tan clara. Creo que todos, en alguna ocasión nos hemos apoyado en ella para animarnos cuando lo hemos necesitado. Recuerdo haber leido una crítica sobre ella en que venía a decir algo así como "...podrás decir que es cursi, pero si de verdad lo piensas, serás un cínico hijo de puta..."

En aquella misma crítica, me suena que el autor dijo que lo mejor de New Orleans Instrumental #1 era su posición dentro del disco, ya que era la manera de que Everybody Hurts no eclipsara la siguiente canción. Más allá de si era esa la intención del grupo o no, el caso es que este tema instrumental, menos prescindible de lo que se piensa, cumple perfectamente la misión de enlace y mantiene una atmósfera inquietante, pero no desesperada.

A mi entender, Sweetness Follows funciona como esa lluvia fina que te va calando hasta que, cuando te das cuenta, estás absolutamente empapado. Y quien tiene parte de la culpa de eso es Knox Chandler con su violonchelo. "Preparado para enterrar a tu padre y a tu madre". No soy consciente de ninguna canción con un inicio lírico más total y brutalmente impresionante.

Todo disco tiene canciones menores. Y Monty Got a Raw Deal es uno de esos temas. Lo que la diferencia de otros temas olvidables es que no es en absoluto pretenciosa. La encrucijada emocional que debía estar soportando Stipeen aquellos tiempos, le llevó a escribir esta especie de elegía a Montgomery Clift y circular sobre sus vidas paralelas.

Ignoreland es el segundo intento por romper con la dinámica. Y encaja mejor que Sidewinder. La rabia contenida de Stipe, en una de las letras más ácidas de su historial se ve reflejada en la música. ¿Un tema rock encorsetado en un álbum tan folk? Sí. ¿Y qué?

Esos coros pregrabados de Mike son realmente obsesivos. Casi enfermizos. Star Me Kitten es el Saturn Return de AFTP. La innovación retro. Ese tema que te descoloca, pero te engancha. Inolvidable el diálogo entre la guitarra y el bajo. Revisalo.

Man on the Moon es la quintaesencia de los R.E.M. de estos últimos quince años. Ahora ya sabemos perfectamente de que va. Pero entonces ya nos magnetizaba sólo por el estribillo, por los yeah yeah, por los coros finales, por el slide, por ese recorrido por los recuerdos. Sí Michael, we are having fun ...

Siempre hemos comentado que parece mentira que se siga hablando de Mills como el bajista de R.E.M.cuando es mucho más que eso. A pesar de su simplicidad, piano y arreglos, Nightswimming no es una canción sencilla. De nuevo los recuerdos. De nuevo la nostalgia. Y Michael cantando como nunca. Como casi siempre. Felicidad y tristeza por el paso del tiempo.

Finalmente, Find the River es una puerta abierta a la esperanza. Probablemente se trate del mejor tema del disco, como resultado de una brillante concatenación de acordes de Re (D, Dm, Dsus2, Dsus4) en la estrofa, una cuidadísima producción y una elección multiinstrumental muy adecuada. Los coros rayan lo sublime. Y la atmósfera es esperanzadora. Ya se empieza a vislumbrar el día después del baño nocturno.

[COLOR=black]En fin, como dijo el periodista Nando Cruz,[I] "Automatic for the People es la cumbre del rock adulto y reflexivo, tan sensible como amargo. Es uno de esos discos en los que vale la pena encerrarse meses y meses. Obra maestra absoluta".[/I][/COLOR][COLOR=#555558][FONT=Times New Roman][COLOR=#000000][COLOR=#555558][FONT=Times New Roman][COLOR=#000000][COLOR=#555558][FONT=Times New Roman][COLOR=#000000][COLOR=#555558][FONT=Georgia][COLOR=#000000][COLOR=#555558][FONT=Times New Roman][COLOR=#000000][COLOR=#555558][COLOR=#000000]
[/COLOR][/COLOR][/COLOR][/FONT][/COLOR][/COLOR][/FONT][/COLOR][/COLOR][/FONT][/COLOR][/COLOR][/FONT][/COLOR][/COLOR][/FONT][/COLOR]
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Es la obra maestra de R.E.M. por excelencia, este disco explora el lado mas acustico y folk de la banda, temas épicos que profundizan los sentimientos de Stipe en esa época. Mis favoritas son todas: desde la enigmática Drive, pasando por la desgarradora Everybody Hurts, la magistral base instrumental de Sweetness Follows, los certeros ataques al gobierno de Reagan en Ignoreland, hasta el optimista final con Find The River. Un disco altamente recomendable
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=xQN7A6Vl1H4"]YouTube - ‪R.E.M. - Drive (Video)‬&rlm;[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=ahJ6Kh8klM4"]YouTube - ‪R.E.M. - Nightswimming (British Version) (Video)‬&rlm;[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=KIJGlTu5sEI"]YouTube - ‪R.E.M. - Find The River ( Parallel Video Version )‬&rlm;[/ame]

p.l.u.c.k, 30 May 2011

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01. What's The Frequency, Kenneth?
02. Crush With Eyeliner
03. King Of Comedy
04. I Don't Sleep, I Dream
05. Star 69
06. Strange Currencies
07. Tongue
08. Bang And Blame
09. I Took Your Name
10. Let Me In
11. Circus Envy
12. You

http://freakshare.com/files/d0erhijk/R._1994_M_2.rar.html

Bueno en esta ocasión, en vez de hacer las clásicas reseñas citaré un articulo bastante interesante de todos los entremeses de la grabación de este disco, escrita por Charles Cote, bajista del grupo The Reverse Engineers, quien formó parte del equipo de trabajo que 'asistió' a la banda durante el tiempo que estuvieron en el estudio de grabación.

Grabando Monster: El Campo de Prácticas de Bill Berry

El primer día de trabajo con R.E.M. me presentaron a mi jefe temporal, un tipo al que R.E.M. llamaba "Microondas". Creo que lo llamaban así porqué era el que suministraba comida a los chicos.

Microondas era un tipo optimista, y parecía entusiasmado con la grabación. "Esto va a ser un gran disco...los chicos se lo están currando realmente. Un montón de grandes nuevas canciones. La banda quiere ir a por un sonido más en vivo, así que estaremos aquí durante un mes o algo así..." Cuando decía aquí, se estaba refiriendo a una especie de almacén en una zona industrial de Atlanta. A unas 3 millas de donde yo estaba viviendo en ese momento. Estaba dividido en varias grandes habitaciones, equipadas con un escenario, iluminación y grandes puertas de garajes para dar cabida a la gran carga de los complementos de los equipos. Muchos ensayos de giras se hacen aquí. R.E.M. estuvo varios meses para una de las partes de su última gira. Otros clientes que han pasado por aquí son Elton John, 38 Especial y Arrested Development.

Nuestra primera tarea consistía en descargar los camiones y montar el escenario. Como se trataba de una grabación en vivo, la banda estaba en el escenario tal y como lo habría hecho para la gira. Un equipo de gente manejaba el sonido en el escenario y en la sala, y el equipo de grabación se aseguraba que todo se grabara de la manera correcta. Esto hizo que todo fuera muy singular, con enormes mesas de sonido junto a una gran consola de grabación. También hizo que cada día de trabajo pareciera un pequeño concierto de R.E.M. sólo para una pequeña audiencia de técnicos, un puñado de jefes y productores, y para mí.

Después de la descarga de los aparejos, ya era hora de pasar a las cuestiones realmente importantes ... como el refrigerio. Microondas me indicó mis responsabilidades. "Si la banda quiere algo, es tu responsabilidad conseguirlo. Por cierto ... ¿eres fan de R.E.M.? Sólo quería hacerte saber que la mejor manera para que no te despidan es dejar a la banda sola. No le digas a tus amigos dónde estamos y no traigas ninguna grabadora. Mientras estés por aquí, date de vez en cuando una vuelta para asegurarte de que nadie está grabando nada ... "

Justo entonces, oí algo sobre mi cabeza a gran velocidad. Era una pelota de golf de plástico. Me giré y vi a Bill Berry, con una madera 3. "Ahh ... fallé ...", dijo Bill. Al parecer un ávido jugador de golf, parecía aprovechar al máximo el tamaño de este espacioso almacén convertido en estudio. Bill se presentó y se volvió a marchar. Durante los siguientes 45 minutos, y mientras un técnico de sonido iba emitiendo sonidos con la batería, Bill jugó 18 hoyos de un recorrido invisible que consistía principalmente en apuntar a personas y a equipos carísimos. Afortunadamente, una pelota de golf de plástico no es demasiado peligrosa, así que no hubo daños. Pero de vez en cuando, a uno de sus compañeros de banda se le veía visiblemente molesto por la constante cercanía de sus prácticas. Incluso un almacén parece pequeño cuando un batería de rock lo ha convertido en su campo de golf.

Poco después ya era hora de conseguir algunos sonidos. R.E.M. subió al escenario. La iluminación era similar a la de alguno de los grandes clubes locales. Las luces se apagaron, y Peter Buck inició en los primeros acordes de "What"s the Frequency, Kenneth?". Sentí la emoción de ver a R.E.M. en un ensayo, y pensé acerca de lo que esta experiencia podría resultar.
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p.l.u.c.k, 3 Jun 2011

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Cuando pienso en las sesiones de grabación, pienso en largas noches, ceniceros llenos de colillas, y un montón de tazas de café llenas hasta la mitad por todo el lugar. Esta sesión de grabación no fue diferente (con la excepción de las colillas... Nadie que yo recuerde fumó). Sin embargo, el café parecía ser el alma del proyecto. A menudo la gente se reunía en torno a la máquina de café, al igual que de la máquina de agua en una oficina. Aquí podías escuchar todo tipo de interesantes conversaciones y decisiones que se estaban tomando. Esto me resultaba un un poco difícil, ya que no soy un bebedor habitual de café. Me gusta el olor (creo que le pasa a la mayoría de los no bebedores de café), pero odio el sabor, y siempre he presumido de que mi día no empieza con un café. Nunca tomo un café para aclarar mi cabeza y el café no es parte de mi proceso de toma de decisiones. Cuando entro en un starbucks con un amigo, y la persona detrás del mostrador me pregunta por mi pedido, mi respuesta siempre es "nada para mí, sólo lo acompaño". A lo que responden: "puede uster tomar otra cosa ..." ¿qué otra cosa hay realmente para comer o beber en un Starbucks de todos modos? Sólo un puñado de magdalenas y café, y agua embotellada a precio de oro. Añadamos el molesto ruido de algo que están convirtiendo en espuma y no puedo pensar en otro lugar peor que una cafetería. Esto irrita a los bebedores de café.

De todos modos, mi falta de experiencia en el café de inmediato se hizo evidente en el segundo día de trabajar con R.E.M. El día antes, hice mi primera expedición de compras. La lista era muy interesante... Cada miembro del grupo tenía preferencias por diferentes alimentos y bebidas, cuyos detalles no voy a dar todavía ... Demasiado pronto... La lista incluía los filtros de café, que, a primera vista, no parecía muy complicado. Y debería haberlo sido, ya que no tenía ni idea de lo grande que era la máquina de café, y ninguna idea acerca de qué tamaño es el más común, etc. Recuerdo que ni siquiera lo había pensado... Agarré la primera bolsa que ponía "filtros de café" y me largué.

Microondas fue el primero en aparecer. él y el equipo llegaban temprano todos los días para preparar para las sesiones del día. La máquina de café era machacada cada mañana en las primeras tres horas. Cuando llegué, fue inmediatamente saludado por un irritable microondas ... "oh ... Chuck ven a ver esto." allí estaba la cafetera, con café hirviendo goteando por todos los lados, y algunos pañuelos de papel torpemente puestos de manera que se asemejaban a unos filtros de emergencia. Al parecer, los filtros que compré no eran ni de lejos lo suficientemente grandes para la máquina, por lo que las toallitas de papel eran su única esperanza. "mira Chuck ... Estos no son los filtros correctos...hemos tenido que usar toallas de papel ..."

Me encogí de hombros y dije... "lo siento, hombre. Me habré equivocado. Traeré más cuando salga hoy". Microondas me miró con incredulidad ... Me parece que no podía creer que yo no viera la gravedad del error que había cometido. "bueno, mejor lo harás la próxima vez ... Esto es importante. Pero tenemos mucho trabajo que hacer hoy, y no hay tiempo para arreglarlo ahora ..." lo que significaba que mi vergonzoso momento-café iba a estar allí el resto de la mañana, para que todos lo vieran.

Paseando por la gran sala, pude ver que los miembros de la banda habían llegado. Todos estaban ansiosos por empezar. Bill berry estaba calentando detrás de su batería. Dos listas de canciones habían sido escritas con rotulador en una gran pizarra, al lado de los principales altavoces. En algunos de los títulos había escrito un interrogante junto a ellos, ya que los nombres de las canciones seguían trabajándose. En este punto del proceso, el principal productor, Scott Litt, y el ingeniero Pat McCarthy aún no habían aparecido por allí. La banda se encontraba todavía en la parte de composición; resolviendo las nuevas pistas, haciendo los ajustes necesarios, y practicando para asegurarse de que lo tenían claro. Era fantástico ser testigo de todo eso.

Michael stipe estaba sentado en un taburete en el escenario, flanqueado por Mike Mills y Peter Buck. Michael tenía un portátil (uno de los primeros ordenadores portátiles que había visto nunca ... era 1994 ...) sentado en un pequeño escritorio hecho de un atril modificado. Cantaba mientras leía las letras de las nuevas canciones, y hacía ajustes en el portátil, según fuera necesario. El grupo lanzaba fragmentos de canciones y las paraba mientras discutían algún detalle. Mientras tanto, los técnicos pululaban en la semioscuridad del "público", nivelando sonido, chequeando cables y ajustando los equipos. El proceso creativo parecía bastante relajado sin demasiadas discusiones. Se podría decir que estos chicos han trabajado juntos desde hace mucho tiempo, y que se respetaban.

Después de unos minutos de charla, la banda comenzó por el principio de la lista y repasó toda la serie. Una canción tras otra, el nuevo sonido de Monster rebotaba por toda la sala. Los ingenieros de sonido estaban preparados para echar una mano con el sonido. La banda sonaba excelente.

Después del set, el grupo hizo una pausa para el café. Fui a la sala donde estaban la mesa de refrescos y la máquina de café e hice algunos ajustes de última hora, asegurándome de que hubiera un montón de fruta fresca y bebidas. El primero en cruzar la puerta fue Michael Stipe. Iba cantando What's the Frequency, Kenneth, mientras medio caminaba, medio bailaba. Agarró una taza de café y se acercó a la máquina. De inmediato vio el filtro de pañuelos de papel ... Y me miró. Hubo una incómoda pausa, y luego extendió su mano y dijo: "hola, soy Michael Stipe. Encantado de conocerte". Me dio la mano y dije:" hola, soy Chuck ... Esos no son los filtros adecuados, pero lo arreglaré tan pronto tenga la oportunidad". él sonrió y dijo: "no es gran cosa".
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p.l.u.c.k, 3 Jun 2011

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"Tenemos el mejor trabajo del mundo. Somos muy afortunados de poder hacer esto ...", dijo Bill Berry desde detrás de su batería. R.E.M. acababa de terminar el calentamiento tocando las dos primeras canciones de "Monster". Los otros miembros de R.E.M. sonrieron y asintieron. Esta declaraciones realmente me impresionaron. Incluso después de tantos años tocando juntos, para cualquier persona que lo estuviera viendo era evidente que R.E.M. todavía disfrutaba el proceso creativo de la composición y grabación. Esa no fue la única vez que escuché decir eso a Bill Berry ... Se lo oí comentar por lo menos tres o cuatro veces más durante el mes de grabación en Atlanta.

Me identifico totalmente con lo que estaba diciendo. Para un músico, los momentos más intensos a menudo llegan durante el proceso de composición. La chispa del nacimiento de una canción puede ser lo máximo. Y es la búsqueda de esa felicidad creativa la que mantiene a las bandas unidas, siempre buscando llegar más alto, siempre buscando la próxima gran canción.

La banda tomó un descanso. Yo acababa de volver una nueva excursión de compras, adquiriendo cosas para cada uno de los miembros. Cada uno de ellos se acercó a alguna de las neveras que había montado, y les ayudé con los refrescos. Todo parecía estar yendo bien, pensé que... el viaje estaba siendo tranquilo desde el incidente con los filtros de café de hacía un par de días.

"¿Dónde ha ido Mike?", preguntó Bill, refiriéndose por supuesto a su compañero y bajista Mike Mills. "Creo que no se ha sentido muy bien esta mañana".

"Voy a comprobarlo", dijo un preocupado Michael Stipe. Unos minutos más tarde, Michael regresó. "Creo que algo va mal con Mike. Está en el baño vomitando". Unos minutos más tarde, Mike salió con la cara de un color verde pálido. Todos se reunieron alrededor de él, preocupados. Mike parecía un poco molesto por la atención. "Estoy bien ... estoy bien ... sólo un poco de dolor de estómago, nada de que preocuparse".

Su reacción a la preocupación de todos parecía una historia en sí misma. Estos chicos eran el centro de atención gran parte del tiempo, y sin duda todo el ruido alrededor continuamente debe ser agobiante. Él parecía decir, "no puede un tío vomitar sin que se convierta en una noticia nacional", o algo así. Estaba claro que quería quedarse solo con sus náuseas.

Al rato, parecía que se sentía mejor, atado a su Fender P-bass, y R.E.M. reanudó su sesión. Me reuní con Microondas para repasar las actividades del día. Hablamos de camino a la sala, y tuvo que levantar la voz un poco para que pudiera oirle por encima de la música. De repente, la música se detuvo. Fuimos adentro a ver si la banda había hecho otro descanso (yo estaba siempre preparado para encargarme de mis neveras). Habían parado porque Mike se encontraba enfermo de nuevo. Parecía que la sesión de hoy iba a ser más corta. Quizá podría salir pronto, ir a casa, y tocar un rato el bajo.

Entonces, de repente, mis deberes cambiaron. Como medida de precaución, habían decidido que Mike fuera a ver a un médico. Microondas me dijo: "Probablemente no sea nada, pero no queremos arriesgarnos. Un médico está esperando en el hotel de la banda. Debes llevar a Mike allí rápidamente, pero sin incidentes. ¿Tienes tu camioneta aquí?"

Mi furgoneta era un Mitsubishi Mighty Max pick-up del 88. Difícilmente el tipo de vehículo en el que esperas ver una estrella de rock. Existía además un pequeño problema. Recientemente, mi mujer y yo habíamos hecho un viaje a Tampa para visitar a nuestros padres. Tampa está aproximadamente a ocho horas en coche, y nos llevamos a nuestro gato con nosotros. Por qué decidimos llevar al gato es todavía un misterio para mí ... pero lo tratamos como nuestro niño, así que nos lo llevamos de viaje. El gato se montó en la parte de atrás (en un jaula) alrededor de 7,5 horas, hasta que mi esposa me convenció finalmente de que debía viajar en la parte delantera la última media hora.

Soltamos al gato, y lo primero que hizo fue ponerse de cuclillas en el lado del pasajero y empezó a orinar. Y chico, empezó a mear el rato más largo que os podáis imaginar. Hicimos el mayor esfuerzo por limpiarlo a fondo, pero al cabo de unos días, la furgoneta empezó a apestar. Combinad esto con el hecho de que había derramado un líquido en el mismo lugar un par de meses antes, y tenéis la receta para un verdadero vehículo maloliente

"Sí ... Yo tengo la furgoneta ahí afuera... pero..." Comencé a pensar en cómo olía. Lo último que quería era ser recordado por Mike Mills como el tipo con la furgoneta más apestosa del mundo. "Mi camión realmente apesta. Mi gato orinó en ella recientemente, y no puedo sacar el olor. ¿No iría mejor que tomaras un taxi? ... "Todo el mundo miró a Mike. Mike realmente quería volver al hotel y ver al médico. "No hay problema. Cojamos tu camioneta. Vamos".

Entramos en ella. Mike todavía estaba de color verde. Nos dirigimos al hotel. Hubo un silencio incómodo. Por último, dijo, "Wow, este camión huele realmente mal ¿no es cierto?". Le dije: "Sí, traté de advertirtélo". Yo estaba muy nervioso y avergonzado, por lo que no dijo nada más. Como bajista, me hubiera gustado hablar de ello o de algo de música, pero no salió nada. Mike no parecía querer hablar mucho, porque seguía con náuseas. Hablamos un poco, pero realmente, todo lo que quería hacer era salir de la camioneta tan pronto como fuera posible.

Cuando llegamos al hotel, él salió. "Gracias por el viaje", dijo.

"¿Debería llamar a alguien y decirles que has llegado bien?", dije. Mike parecía visiblemente molesto ... no conmigo, sino con la idea de que era lo suficientemente famoso para que la gente siguiera cada uno de sus movimientos. "No seas tonto..., no necesitan saberlo todo".

Después de dejar a Mike, me fui a casa el resto del día. Unas horas más tarde, recibí una llamada de Microondas diciéndome que Mike tenía apendicitis, y que iba a estar en el hospital un par de días. Las sesiones se retrasaron unos días y se reanudaron tras su vuelta.

Todavía hoy en día me pregunto si Mike recuerda aquel viaje. Siempre había sido un fan suyo. Me encanta la linea de bajo de Mike en "Texarkana". En general, le da un aire muy cool a la música de R.E.M. ... Notas escogidas con buen gusto y cálidas líneas que siempre parecen perfectas para cada ocasión. Así que, como bajista, siempre vi aquel viaje de Mike como una oportunidad perdida para preguntarle cosas interesantes sobre música, o descubrir algo interesante acerca de cómo tocar el bajo en un enorme escenario, o que equipo le gusta utilizar cuando se toca en directo. En cambio, él probablemente recuerda el viaje de la misma manera que vosotros recordáis un alimento o un olor que os pone enfermos... Hoy en día sigo odiando el pan de jengibre, porque cuando era un niño, me puse muy enfermo un par de días antes de navidad por culpa de comer un trozo. Me pregunto si Mike ve camionetas pequeñas como la mía y piensa que "debo alejarme de esa cosa ya..."
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Después de más o menos una semana, (no puedo recordarlo exactamente, pero por ahí), recibí una llamada de microondas diciéndome que Mike ya estaba fuera del hospital, y que las sesiones se iban a reanudar al día siguiente. Quizá Mike no vendría en un día o dos, pero los demás miembros iban a hacer algunos ensayos y, quizás, grabar algunas pistas de guitarra. Eso significaba que debía restablecer los suministros para los próximos días.

La cultura de la música rock está llena de cuentos de músicos malcriados haciendo extravagantes peticiones. Recuerdo que una vez oí una historia sobre una banda que exigía un bol de m&m's, con colores específicos eliminados de la taza. Sin duda, a un pobre asistente de producción le debió tocar la tarea de clasificación de los diferentes colores. Me complace decir que R.E.M. No es una de estas bandas.

Si bien tenía una muy particular lista de las cosas que querían para el día a día, todas sus peticiones eran bastante razonables, fáciles de encontrar. La clave del éxito como el asistente-de-producción / chico-para-todo / técnico-a-tiempo-parcial, era que no se agotaran los productos. Si un miembro de la banda lo quería, tenía que estar allí. Para algunos, esto puede parecer una tontería, pero cuando estás en la carretera durante semanas o meses a la vez, tener cosas familiares alrededor puede hacer que la vida sea más confortable. Aquí está, por tanto, la lista de las cosas que querían tener a mano en todo momento.

- Coca-cola. Simple. Pero tenía que ser bastante preciso... En primer lugar, coca-cola classic (nunca light o sin cafeína). No podía ser en una lata, y no podía estar en una botella de plástico. La coca cola tenía que ser de botella de vidrio. Pero no cualquier botella de vidrio ... Tenía que ser la clásica botella de coca-cola, la tradicional, las que se ven en las pinturas pop-art. El tamaño también importaba. No podía ser una botella grande... Tenían que ser botellas pequeñas de vidrio.

- Yoohoo. Así es, yoohoo. Batido de chocolate. Tampoco podía ser en latas o botellas de plástico. Tenía que ser en botellas de vidrio. Peter buck era el principal consumidor de los yoohoo ... Se bebió unas cuantas.

- Pete's wicked ale. No recuerdo el sabor, pero sí recuerdo que tenía que ser también en una botella de vidrio. La banda no bebió mucho durante las sesiones. Normalmente tomaban una al final de la jornada. Los del equipo bebieron un poco más, pero el consumo de alcohol fue muy bajo en general.

- Varios ejemplares del USA Today.

Michael Stipe quería limonada. Suena simple, pero que tenía que ser una marca específica de limonada orgánica de la que no puedo recordar el nombre del ahora (en botella de vidrio, por supuesto). Tuve que ir a una tienda de comida dietética para encontrarla, y allí sólo tenían un par de botellas. Compré las dos botellas que estaban en el estante, y le pedí al dueño que encargara más.

Además de la limonada, todos los demás artículos eran consumidos por la banda y el equipo, lo que significaba que el mantenimiento de un suministro grande era crítico. El primer par de días me quedé corto. Casi se agotó la coca cola en un día. Esas pequeñas botellas volaban. Fui a la tienda más cercana, y por supuesto, sólo tenían botellas de litro de plástico. No de vidrio. Había comprado todas las botellas de vidrio pequeñas un par de días antes, y no habían recibido un nuevo envío. Luego había otra tienda que tenían de cristal, pero eran grandes. Por último, encontré otra tienda, pero sólo había un pack de 6 botellas. A partir de ese punto y en adelante, si encontraba lo que necesitaba, compraba todo el stock, para asegurarme de que teníamos suficiente.

La comida era otro tema. Les gusta la comida mexicana y la india. Atlanta tiene un montón de buenos restaurantes, así que no había problemas. Michael stipe era más especial ... Por lo general, quería una hamburguesa vegetariana de un pequeño restaurante de decatur. Estaba a unos 30 minutos en coche, así que tenía que planificarlo todo para asegurarme de que la comida de peter, mike y bill no se enfriara.

En general, R.E.M. Siempre fueron muy agradables y educados. Si hacías algo mal, no se molestaban. El equipo, en cambio, se enfadaba de vez en cuando.

Después de almacenar los suministros, fui de nuevo al estudio. Los técnicos comprobaban los equipos. Microondas estaba cambiando las cuerdas de guitarra que Peter utilizaría al día siguiente. El técnico de la batería estaba ocupado cambiando algunos elementos. La habitación tenía un ambiente fantástico, como una sala de conciertos antes de un gran espectáculo.
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R.E.M. y un servidor hemos cruzado los caminos un par de veces. De hecho, Mike Mills y yo nos hemos coincidido más de una vez, y estoy seguro de que lo recuerdo más que él. Obviamente, él es el más famoso, y cuando un miembro de R.E.M. está por ahí, todo el mundo se acuerda de la anécdota.

La primera vez que Mike Mills y yo cruzamos nuestros caminos fue cuando mi hermano Bill y yo éramos miembros de una banda llamada Multi Color House. Una noche, hace muchos años, estábamos tocando en un club en Atlanta llamado "The Point". Nuestro cantante en aquel momento, Moss Natty Bond, vio a Mike Mills entre el público, lo que provocó unos momentos de emoción. Fue guay verlo entre el público mirando el show. No tuve la oportunidad de reunirme con él ... se marchó antes de que nosotros acabáramos, y la vida como músico de club se reduce a recoger el equipo y los instrumentos antes que dedicarse a la socialización.

Más adelante y durante las sesiones de R.E.M., mi banda en aquel momento, "The Miracle Field" estaba tocando en The Cotton Club, también en Atlanta. El hermano de Mike tocaba en un grupo que compartía escenario con nosotros aquella noche. Vio tocar a su hermano, y se quedó un rato para ver nuestro show, ya que sabía que trabajaba con ellos en las sesiones. Tuvo cosas buenas que decirnos acerca de nuestra música y fue un placer oirle.

Luego, por supuesto, estaba el famoso paseo en la apestosa camioneta. Ahora, nuestros caminos estaban a punto de rozarse de nuevo, aunque de forma ligeramente diferente.

El día comenzó más temprano de lo usual. R.E.M. iba a empezar a grabar las pistas de nuevo, y ya era hora de obtener los niveles de sonido. Bill Berry fue detrás de su kit, y empezó a tocar mientras los ingenieros de sonido estaban ocupados trantando de nivelar el sonido. También era el momento de secuenciar los graves, pero Mike Mills no había llegado todavía. El tiempo de un estudio es caro, y los ingenieros pasan muchas horas en el transcurso de la vida de una sesión de grabación de prueba y ajustan los niveles de sonidos a la perfección, por lo que están dispuestos a tomar la mejor captura.

"¿Dónde está Mike", le preguntó a uno de los ingenieros.

"Todavía no acaba de encontrarse bien", dijo Bill Berry. "Vendrá más tarde. ¿Hay alguien aquí que toque el bajo, de manera que podamos conseguir algunos niveles? "

Mis oídos se abrieron de inmediato. Abrí mi boca, y dije. "Yo toco el bajo ...". Todo el mundo miró en mi dirección. "Chuck, bueno, acércate y saca algunos sonidos", dijo uno de los ingenieros.

Un sorprendido microondas me entregó el 70s Fender Precision de Mike. Se trataba de un instrumento que había visto muchos años de uso. Recuerdo que tenía una cejilla de arce y un cuerpo de fresno. Me puse en el bajo y subí las escaleras hasta el escenario.

Fue un momento fantástico. Conecté el cable como había hecho cientos de veces antes y me acerqué a la batería. Pero esta vez a la batería estaba Bill Berry. No le dije nada a Bill. En cambio, empecé a tocar. Hice sonar las primeras notas de Texarkana y Bill se sumó inmediatamente como sin duda lo había hecho muchas veces antes, sólo que esta vez, al bajo estaba el tipo de las bebidas.

Mientras yo estaba disfrutando de mi breve momento con R.E.M. en el escenario, los ingenieros fueron midiendo los niveles. Uno de ellos interrumpió mi "jam-session" "Bueno ... eso suena bien ... pero Mike Mills está utilizando una púa durante estas sesiones. ¿Puedes tocar con púa?" Por regla general, odio tocar con púas ... pero hay momentos en que se puede sacar un sonido muy cool de esa manera. Cogí una de la parte superior de un amplificador de Mike, y comencé a tocar de nuevo.

La jam duró unos 20 minutos. Hubo un momento muy gracioso cuando el propietario del lugar, su nombre era Billy, se detuvo para ver cómo iban las cosas. A pesar de que yo estaba trabajando para R.E.M., mis servicios se proporcionaban como parte de la instalación. Una de las razones por las que tenía ese trabajo era que acordamos que no molestaría a la banda, que no les estorbaría. ¡Os podéis imaginar la cara de pánico cuando caminaba y me vio en el escenario haciendo de Mike Mills en lugar de trabajar con las neveras!

La parte divertida de la sesión se deterioró un poco cuando empezamos una mala sesión de blues. Había llegado el momento de obtener los sonidos de guitarra, y en lugar de Peter Buck, Microondas cogió una guitarra y comenzó a improvisar algunos acordes de blues. Completado el trabajo, Microondas y yo regresamos a nuestras funciones de apoyo.

El resto de los miembros de R.E.M. llegó y subieron al escenario. Mike Mills estaba de vuelta, y todo el mundo estaba entusiasmado de volver al trabajo.

Bill Berry hace clic con sus palos para iniciar el conteo, y el grupo inicia Star 69. Esta era mi canción favorita del disco. Sonaba muy bien.“I know you caaalled… I know yooouuu caaalled… I know you caaalled…Star 69…”
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Me senté en mi camioneta Mitsubishi de color azul en un lugar del barrio de Buck Head, en Atlanta, a la espera de Patrick McCarthy. Tengo un recuerdo borroso, pero me parece que estuve sentado en algún lugar conocido, tal vez un restaurante. Mi furgoneta, por supuesto, todavía olía a pis de gato. Naturalmente, nunca tendrás que recoger a alguien famoso o influyente cuando tu coche huela bien. Era la segunda vez en una semana que mi aromático vehículo era utilizado como taxi para un importante miembro de la industria musical. Patrick se presentó con una sonrisa y se metió en el camión. "Vaya, ¿qué es ese olor?" "Se trata de pis de gato. Es una larga historia.", dije.

Patrick McCarthy era un individuo tranquilo y relajado. Tenía un acento británico ligeramente escocés, pero no estoy seguro ahora. Patrick, mis disculpas si lees esto y estoy equivocado. Patrick acababa de terminar un proyecto de grabación en el Reino Unido. No puedo recordar el nombre de la banda ahora mismo, y soy demasiado perezoso para buscarla. En cualquier caso, Patrick fue la persona más tranquila que conocí en el proyecto. Mirando hacia atrás, me gustaría haber mantenido el contacto con él. Patrick también era un ingeniero de la leche. Cuando caminaba hasta la mesa de mezclas, su relajada conducta se transformaba en seria concentración ... Tomó el control total de la vertiginosa variedad del equipo de sonido, e hizo que pareciera fácil. En cuestión de segundos, Patrick podría ajustar los faders, los ecualizadores, y los ponía bajo su control con total precisión para prepararlos para capturar la mejor toma. Patrick era el ingeniero jefe para el proyecto de Monster. El productor era Scott Litt.

Cuando Scott Litt llegó, el ambiente de la sala cambió. Mirando hacia atrás, no estoy seguro de si me gustaba el tipo. Raramente hablé con él ... Estoy seguro de que hizo un trabajo impresionante o R.E.M. no hubiera trabajado con él, pero desprendía una cierta vibración de industria musical que me hacía sospechar de sus motivos.

Hasta este punto, el día a día de las sesiones se dedicaban a escribir y ensayar. Ahora, la gran pizarra que conectaba con el personal de sonido tenía una lista de canciones que estaba muy cerca del definitivo listado de Monster. Con la llegada del productor, la relación de trabajo de la banda cambió de manera sutil. Estaban más serios. Cada miembro del grupo se centró en su parte de manera más aguda.

El trabajo del productor es un poco de misterio. ¿Qué hace realmente un productor? En mi opinión, hay algunos productores que han tenido gran impacto musical. Me viene a la mente Terry Brown, quien trabajó con Rush. Su trabajo de producción de Moving Pictures brilla como una obra maestra. Un gran productor debe entender la música de una banda, capturarla, y mejorarla sin cambiarla drásticamente.

En su mayor parte, es lo que Scott Litt hizo con Monster. Si la meta era producir un álbum de rock de sonido en vivo, lo lograron. Escuchando Monster años más tarde, la producción resiste.

R.E.M. se lanzó al listado completo de Monster. Patrick y Scott estaban detrás de la pizarra. Ocasionalmente, Scott le pedía a la banda que parara y se acercaba al escenario. Les podía preguntar de qué iba la canción, o porqué utilizaban ciertos sonido. En ocasiones, sugería qué parte podía ser cambiada. Sugería si una canción era demasiado rápida o demasiado lenta, o si algún órgano Hammond sonaría bien, o bien que era necesario cambiar algunos coros, etc.

Este proceso se prolongó durante un par de días. Todo el tiempo, Patrick grabó las canciones en cintas de 2 pulgadas. De hecho, utilizó más cintas de lo que yo pensaba. Una determinada canción podía ser grabada varias veces. En algunas tomas, Michael Stipe probaba diferentes inflexiones vocales. Y Peter Buck utilizó diversas guitarras para obtener una diferente variedad de sonidos.

Una noche, la banda decidió trabajar hasta tarde. Esto significaba que tendría que aportar más refrescos para mantener a todos. Por la tarde habían estado dándole vueltas una y otra vez a Star 69. Después de muchas escuchas, me empezó a gustar la melodía. Hay tantas cualidades que me gustan de R.E.M. ... La canción era tan rápida y garage y tenía una melodía tan pegadiza. El bajo y la batería sonaban tan tensos. Me quedé con ella. Incluso después de escuchar a la misma durante todo el día, me encontré a mí mismo tarareando en mi cabeza ... La voz de Michael resonaba en mis oídos ... "I know you caaaalled. I know you caaaalled." Esta canción es mi favorita, pensé. Yo no cambiaría nada. Star 69 será la joya de "Monster".

Tocaron la canción una vez y otra, y otra, y otra ... lo cual era una señal de problemas. Me senté en la sala, cerca de la mesa de refrescos, haciendo café, y preparando fruta fresca en caso de que la banda tomara un descanso. Justo entonces, la música se detuvo y aparecieron Scott y Michael. En lugar de parecer feliz, Michael tenía cara de cansado, y Scott parecía perplejo. "Algo no está bien", dijo Scott. "Creo que tenemos que bajar un poco el tempo o algo..."
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"Algo no está bien", dijo Scott. "Creo que tenemos que bajar un poco el tempo o algo..."

¿Bajar el tempo de la canción? Que idea más chunga ... Ralentizarla era matar la canción. Una canción como ésta se supone que debe acompañarse de un buen videoclip. Es sucia y divertida tal y como está. En todo caso, este es un ejemplo clásico de tocarla demasiadas veces y sobreanalizarla. A veces, cuánto más veces la tocas, menos objetivo eres con lo que estás escuchando.

Esto pasaba mucho con mi grupo también. De vez en cuando durante la grabación de algún disco, teníamos que dar un paso atrás. Después de escuchar más de cuatro horas la misma canción, comenzabas a quemarte, y nada sonaba bien. Cuando esto sucedía, siempre trataba de pasar a otra cosa. Por lo general, todo se veía mucho más claro cuando volvíamos a ella uno o dos días más tarde.

Como pueden imaginar, desde que Star 69 era mi favorita de monster, yo estaba teniendo problemas para contenerme. Sin embargo, en este momento surrealista, cuando Michael Stipe y Scott Litt estaban discutiendo una canción que no era asunto mío, mi pasión por la música como oyente de R.E.M. Superó mi deseo de guardar silencio.

"Creo que suena bien tal y como está", dije.

Hubo un silencio sepulcral en la sala. El momento pareció durar bastante tiempo... Mucho más tiempo de lo que realmente fue. El silencio era ensordecedor, sólo roto por el agua de la máquina de café del fondo.

Luego mi boca se abrió de nuevo, "La he estado escuchando todo el día, y es mi canción favorita del álbum. Yo no cambiaría nada"

Scott Litt me miró ... Su cara apenas era capaz de contener su indignación. Fue probablemente el pensamiento de "¿quién demonios es este chico? ... ¡qué es lo que hace que crea que sabe algo de música! ...". Al menos eso es lo que imaginé que debía estar pensando. Michael Stipe sólo sonrió y miró al suelo por un segundo.

Entonces comenzaron a hablar de nuevo sobre diferentes enfoques. Regresaron al estudio, y lo retomaron donde lo dejaron. La tocaron una vez y lo dejaron correr. Pasaron a otra canción. La última toma de Star 69 sonaba igual que las últimas veinte veces ... Rápida y rockera. No cambiaron nada.

Cuando escucho la canción ahora, suena casi idéntica a la manera que lo hizo cuando la escuché en directo durante las sesiones de grabación. Quizá, de alguna manera, yo había dejado mi huella en la historia de la música. Tal vez si yo no hubiera hablado, los productores podrían haber destruido una canción fresca con algunos experimentos equivocados, con la esperanza de encontrar la clavija mágica.

Me quedé en la sala el resto de la noche. Yo estaba bastante seguro de que iban a despedirme. Me dijeron que no debía molestar a la banda, y estaba claro que indicar al productor qué hacer definitivamente no estaba en mi descripción del trabajo. Tal vez mis extraordinarias dotes como chico-del-café salvaron mi trasero. Lo estaba haciendo bien en mi trabajo. Peter buck siempre tenía yoohoo en botellas de vidrio, y mi oferta de coca cola (en pequeñas botellas de vidrio, por supuesto) había sido sistemática. El almuerzo estaba caliente, y la cerveza fría. Tal vez me quedara...
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Última parte del relato de "Chuck" jeje

El negocio del marketing musical es interesante. En el fondo está el arte, una conmovedora expresión musical. Dado que la mayoría de gente no busca el arte, el arte viene en su busca. Esto requiere marketing, que a menudo requiere de una cierta forma de promoción ... que normalmente remueve el estómago de los miembros de la banda. Para ello se inventó el "manager", para hacerse cargo de esos males necesarios.
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Jefferson Holt fue el manager de R.E.M. durante las sesiones de Monster. Jefferson llegó cuando ya llevábamos tres cuartas partes de ellas. Jefferson me pareció una persona interesante. Parecía un médico o abogado. Conducía un BMW, vestía trajes "casual", al menos cuando yo lo vi, y hablaba de forma pausada. Tenía mucha labia. En general fue muy cordial y amable conmigo, pero todo él era negocio. No noté que desprendiera mucha vibración musical. Creo que hubiera dibujado alguien diferente como el manager de R.E.M. Pero hey, afrontémoslo ... el negocio musical es difícil, y mucha gran música pasa desapercibida a menudo porque no hay suficientes vendedores interesados en empujarla.

Durante este tiempo, la banda estaba muy metida en el seguimiento del disco. R.E.M. llegaba sobre las 10 cada día, Afinaban un poco como calentamiento y, a continuación, pasaban todo el día grabando. La idea era grabar la mayor cantidad posible de tomas en directo para capturar la magia del sonido en vivo de R.E.M. Más tarde, durante las mezclas, escogían las partes que querían conservar. Esto significa que cuanto más se registra, más oportunidades tienes de capturar un momento mágico. Fue fantástico ser testigo de ello. Realmente nunca se cansaban de ello. De manera frecuente pasaba con mi carrito de bebidas frente al escenario con R.E.M. tocando en concierto a pleno volumen.

Durante una pausa entre las canciones, Jefferson se acercó y me pidió una Coca-Cola (en botella de vidrio pequeña, por supuesto). Entonces él me dio las llaves de su BMW. "¿Podrías hacerme un favor? ¿Podrías traer el maletín de mi coche? Aquí está la llave del maletero. El maletero no suele ser como aquí ... es alemán ..." A continuación pasó a describir detalladamente la forma de abrir el maletero de un BMW. Debía pensar que el hecho de ser un coche alemán y yo un chico-de-los-recados le daba pocas esperanzas de cómo abrirlo ... después de todo, conduzco una camioneta azul apestosa...

Le entregué el maletín sin incidentes.

Una noche, tarde, después de que R.E.M. acabara su jornada, estaba sumando mis gastos en la pequeña oficina. Me daban una asignación todos los días, y debía adjuntar los tickets. Cuando estaba cuadrando los recibos, escuché a Jefferson en la oficina de al lado hacer algunas llamadas telefónicas ... Tuve la rara oportunidad de escuchar al portavoz de una banda de rock trabajando a pleno rendimiento... "Este es un gran álbum ... estamos muy entusiasmados con él ..." Jefferson hablaba en voz alta. "R.E.M. nunca ha hecho un álbum como éste antes ... me parece que será el Sgt. Pepper"s de R.E.M. ..."

¿Sgt. Pepper"s? Yo personalmente no veía la conexión. Sgt. Pepper"s era una banda (The Beatles) fingiendo ser otra banda (Sgt. Pepper"s Lonely Heart Club Band). Pero esto era la grabación en vivo en un escenario. No podía R.E.M. llegar a sonar más R.E.M. que la música que estaba escuchando.No pude evitar seguir escuchando. Los recuerdos son un poco borrosos, pero juraría que estaba hablando con alguien de la revista Rolling Stone.

Tal vez el nuevo enfoque que la banda tuvo de la grabación era tan diferente, que en su mente, R.E.M. era un grupo de rock distinto de este registro. En cualquier caso, la gente de la revista parecía tragárselo todo. Jefferson hizo un par de llamadas telefónicas más, todas ellas a medios de comunicación, y les dio la misma versión de Sgt. Pepper"s. Entonces llegó un periodista para reunirse con él en persona. Pude intuir la sombra del periodista saludando a Jefferson en la oficina, pero no lo pude ver. Para decirles la verdad, tenía la sensación incómoda de que se supone que no debía estar ahí, por lo que me senté inmóvil, con la mirada perdida intentando oir algo. De nuevo salió la comparación con Sgt. Pepper"s, y el reportero se lo tragó, sin duda, tomando nota de manera efusiva de lo maravilloso que eso era.

Recuerdo brevemente pensar para mí mismo, ¿por qué el mero hecho de que R.E.M. sea una gran banda que está grabando un nuevo disco da para escribir algo? Esta fue mi primera exposición a los males del necesario "hype".

Tras un rato, la oficina se vació, y oí el verbo fácil y enérgico de Jefferson apenas imperceptible mientras bajaba el pasillo y salía del edificio.
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Por cierto, aqui la version original del articulo http://www.engineersblog.blogspot.com/

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Monster fue un album donde R.E.M. buscaba dar un giro de 360º respecto a sus ultimas producciones, y fuertemente influenciado por las tendencias del rock alternativo de la epoca (e incluso haciendo ciertos guiños con el grunge). Un disco de estridentes guitarras distorsionadas, con letras que van desde lo sarcástico del precio de la fama (King Of Comedy), la rebeldia de una nueva generación (What's the Frecuency Kenneth?) e incluso un idilico romance con una prostituta (You).

El disco en si es buenazo, tratan de marcar un punto aparte de la etapa mas acústica de la banda, mis favoritas pues Crush With Eyeliner, Strange Currencies, Star 69, I Took Your Name y la épica Let Me In, tema donde Mills toca la guitarra al estilo grunge y que fue dedicada al gran Kurt Cobain.

Como dijeron en una entrevista para la MTV en la primavera de 1995 respecto al lanzamiento del disco, "sólo hay catorce cliches en el mundo del rock, y en Monster hemos abarcado doce de ellos"...

[ame="http://www.youtube.com/watch?v=ZIOXQp-YGpQ"]http://www.youtube.com/watch?v=ZIOXQp-YGpQ[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=ycvJHQUqU1M"]http://www.youtube.com/watch?v=ycvJHQUqU1M[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=K1dLr9uyfM0"]http://www.youtube.com/watch?v=K1dLr9uyfM0[/ame]

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01. How the West Was Won and Where It Got Us
02. The Wake-Up Bomb
03. New Test Leper
04. Undertow
05. E-Bow the Letter
06. Leave
07. Departure
08. Bittersweet Me
09. Be Mine
10. Binky the Doormat
11. Zither
12. So Fast, So Numb
13. Low Desert
14. Electrolite

https://rs273l33./#!download|273l34|436456123|1996_New_Adventures_In_Hi-Fi-ExpresShare.com.rar|91440

En su décimo disco de estudio , grabado durante y después de la gira de promoción de su anterior producción Monster, R.E.M. mezcló el sonido country y acústico predominante en los discos Out Of Time y Automatic For The People con el rock presente en Lifes Rich Pageant y Monster. Según el grupo, decidieron imitar el método que utilizó Radiohead para grabar de The Bends y para ello registraron muchos temas en vivo usándolos como base para el estudio y grabando solo 4 canciones adicionales.

Fue la ultima grabación en la que participó el baterista original de la banda, Bill Berry, quien un par de años antes había sufrido un aneurisma cerebral en pleno concierto que casi acaba con su vida. Patti Smith aporta su voz en E-Bow the Letter y Scott Litt se encarga de producirles el disco por sexta y ultima vez.
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Esta es una entrevista que le hicieron al guitarrista de R.E.M., Peter Buck. Aunque en realidad no hubo gira ese año, los miembros del grupo solo se dedicaron a dar entrevistas en diversos países.

"Todos nosotros, y toda la gente que trabaja con nosotros, y nuestras parejas, y nuestros amigos creen que es nuestro mejor disco. Si el mundo también lo creerá, no lo sé. Pero estoy seguro que quedarán gratamente sorprendidos". Así hablaba Peter Buck sobre el entonces inminente lanzamiento de New Adventures in Hi-Fi (Naihf) en una entrevista paradotmusic. Y continuaba diciendo: "Creo que tocamos un registro de música más amplio que casi cualquiera hoy en día. The Beatles solían hacerlo. Led Zeppelin solían hacerlo, aunque no creo que nosotros tengamos suficiente crédito para hacerlo".

La idea original del grupo era empezar el disco con Leave, un punto de partida que hubiera sido asombroso. Escrita por Bill Berry, y durando casi siete minutos, el hecho más destacado era el sonido de una alarma durante toda la canción, sonido obtenido con un sintetizador ARP Odyssey. Buck comentaba: "Cuando escribimos Leave, Patti Smith estaba de visita. Ella y Michaelestaban sentados en la habitación contigua, mientras estábamos jugando con aquellos minúsculos amplificadores. Patti entró y dijo, "guau", mientras Michael comentó: "hey chicos, qué tan rara estáis haciendo...".

Finalmente, Leave no inició el disco. Éste empezó con la última canción grabada, How The West Was Won And Where It Got Us, una de las canciones más cinemáticas del grupo, con una partitura atonal de piano -cortesía de Mike Mills- y que los cuatro miembros del grupo consideraron desde el principio una de sus favoritas. Buck explica que "queríamos estructurar el disco de tal manera que se consiguiera una pequeña muestra de todo en las cinco primeras canciones, de manera que te preguntaras, bueno, ¿de qué va el disco? ¿es un disco de rock, de folk, o qué? Y entonces te encontrabas con Leave".

NAIHF recuperó en su momento la versatilidad del intercambio de instrumentos que ya se vio en Out of Time y en Automatic for the People. Se utilizaron 17 instrumentos, de los cuales, Peter tocó seis (entre ellos elbouzouki, el banjo, y el sitar eléctrico). Mike Mills tocaba el bajo, el bajo distorsionado, la guitarra, el piano, el mellotron, y el sintetizador. Bill Berry, además de la batería y percusión también tocaba la guitarra acústica, el sintetizador, el bajo y el whistle. Y en conjunto, el álbum sonaba tan aventurero como el título sugería. Buck, que fue el que dio con el título, decía: "Es real, porque es algo aventurero, es hi-fi, porque fue grabado en un ocho-pistas y, bueno, es nuevo. Pero bueno, ya sabes, en mi lista figuraba The Modern Sounds Of... y uno que realmente me gustaba era REM's Own Thing, porque era un gran título. Creo que Revolution Of The Mind también sonaba por ahí".

Los catorce temas fueron grabados en nueve ciudades americanas. Diez de ellas fueron grabadas durante los últimos dos meses del Monster Tour. De esas, cuatro fueron grabaciones en directo en pleno concierto, con la voz de Stipe regrabada después en estudio. De los otros diez temas, cinco fueron grabados en pruebas de sonido antes de los conciertos. Una sexta, Zither, fue grabada directamente a dat en los lavabos de un vestuario de Philadelphia. Peter lo explica: "queríamos mantener la energía creativa estando en la carretera. Estar de gira no es demasiado creativo. Es algo festivo, algo divertido, pero no haces nada. Así que estábamos constantemente intentando escribir cosas nuevas, trabajando con grabadoras en el autobús, en los camerinos y en el escenario en las pruebas de sonido. Lindsey Buckingham (de Fleetwood Mac) tocó con nosotros Everybody Hurts en el Forum de Los Angeles y nos vio tocar durante una hora y veinte minutos en la prueba de sonido, haciendo nuevas canciones. Pensó que era lo más loco que había oido. Y eso viniendo de un tipo que había grabado la mitad deTusk en su baño".

Incluso intentaron grabar una de sus mejores canciones, Be Mine, en el autobús, mientras conducían deDallas a St.Louis, a primera hora de la mañana. Peter lo recuerda: "al menos dos de las personas que estaban metidos en las grabaciones no recordaban que eso pudiera hacerse. Pero el milagro de las nuevas tecnologías lo permitió. Lo que pasa es que sonaba estéril, así que grabamos el tema en directo en Seattle en una sola toma". Finalmente, esa versión en el autobús fue incluida en el single deHow The West Was Won ...

Seattle es la ciudad donde se encuentran los estudios Bad Animals, donde las restantes cuatro canciones fueron grabadas. Una de ellas, la extraordinaria E-bow The Letter, fue grabada el 19 de agosto. Una lenta y melancólica canción con Patti Smith en las segundas voces y Peter Buck utilizando un artilugio llamado E-bow. Sería escogido el primer single del disco. Decisión controvertida, como reconoce Peter: "nunca la consideraría una canción comercial. No tiene una melodía, excepto en el estribillo cuando nadie del grupo canta. De todas maneras, entonces no teníamos ningún gran hit. Hay dos maneras de hacerlo. La primera es ir a lo seguro y hacer el video apropiado, cosa que nunca habíamos hecho. La otra es coger algo que represente el disco, sabiendo que, aunque no habíamos sacado un disco en dos años, iba a ser emitido de todas maneras. Estaba seguro de que iba a dejar perplejo al público. Quería ver que hacían las emisoras alternativas con ella".

Uno de los puntos fuertes del disco es que, fuera de las referencias en las notas internas, es difícil saber que canciones habían sido grabadas de conciertos y pruebas de sonido, y cuales grabadas en el estudio. R.E.M.y Scott Litt habían hecho un trabajo de autopsia con los cortes grabados en directo, exorcizando los chillidos, las exclamaciones y los gritos del estilo "¡Haz Everybody Hurts!". Una característica del material sacado de la gira y del material de estudio es que en las diez canciones grabadas en directo se contaba con el apoyo de dos músicos auxiliares, Scott McCaughey (teclados y autoharp, una especie de cítara de caja) y Nathan December (guitarra). Las canciones de estudio fueron grabadas por completo por el grupo (exceptuando la colaboración de Patti). Buck comenta: "Somos una tienda cerrada en lo que se refiere a componer: nosotros escribimos las canciones. Pero como guitarrista, me encanta que haya alguien que toque conmigo, así no tengo que tratar todos los asuntos. Cuando escribo una canción, sé que debo mantener la guitarra rítmica (...) Es una liberación cuando voy a Nathan y le digo, "OK, Nathan, toca el estribillo, haz un feedback al final y no hagas nada más". Es magnífico. Tiene que estar con los brazos cruzados la mitad de la canción".

Durante todo el Monster tour, tocaron todas sus nuevas canciones en las pruebas de sonido cada tarde, aunque luego tenían que hacer un show de dos horas con 25 canciones. Buck comenta, "no era malo, porque no habíamos salido de gira en los últimos cinco años. Todo el material de Automatic no lo habíamos tocado en directo. Además, añadimos un par de versiones y entonces, mientras el tour continuaba, empezamos a escribir nuevas canciones. Para mi, los shows siempre mejoran el día que añadimos una nueva canción. Cuando fuimos a EE.UU. hacíamos cinco de ellas y, ocasionalmente, hacíamos Zither. E-bow casi estaba hecha".
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Yo creo que New Adventures in Hi-Fi es uno de los trabajos mas maduros que hizo R.E.M. durante los 90's. A diferencia del Monster, posee un sonido mas refinado y sus temas son de diversos estilos. Un inicio nada convencional con 'How the West Was Won and Where It Got Us', es de lo mas pausado y hasta cierto punto oscuro, con variedad de instrumentos como el piano, la mandolina o el bozouki. En la estridente y pegadiza 'The Wake-Up Bomb' tenemos a un Stipe satirizando la vida glamorosa de los artistas, con bastante ironia o la acustica 'New Test Lepper' con claras alusiones religiosas. En la guitarrera 'Undertow', segun palabras del propio Stipe es "Metafóricamente o no, sobre alguien que se está ahogando".

Una joya dentro de la discografia sin dudas es E-Bow the Letter, con Patti Smith. La técnica de Buck con la guitarra es espléndida, acompañado de la letra casi hablada por Stipe y los coros de Smith hacen grande esta canción. Pero inmediatamente de esta continua Leave, de las tranquilas notas acusticas se convierte en un tema jodidamente rockero que va acompañado de un estruendoso ruido simulando una sirena (hecho con un sintetizador como señala Buck), llegando hasta los 7 min de duración. Si hay un tema que grafique la portada del disco, de hecho seria Departure, una cancion que "Michael escribió en un vuelo de Singapur a San Sebastián. Se inspiró viendo una tormenta mientras todos dormían. En cuanto llegó al hotel, escribió la letra definitiva". Stipe dijo alguna vez que era una canción sobre la vida y la muerte.

Otro de los clásicos es 'Be Mine', una cancion bastante emotiva con sucias guitarras distorsionadas, donde la letra en si va de una declaración de amor, sin dudas una de las mas directas de la banda. El road song de 'Low Desert' en realidad fue un descarte de Monster, de ahi su ligero parecido, musicalmente hablando, con 'You'. El final con 'Electrolite', uno de los mejores temas donde Mills esta en el piano, acompañado de una seccion de cuerdas y Stipe con Hollywood encima de él, despidiendo el siglo XX y nombrando a personajes de la cultura pop norteamericana como James Dean o Martin Sheen. En resumen, yo creo que es un excelente disco de los que grabaron en esa década, bastante recomendable
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=GLhZN6dwnEY"]YouTube - ‪REM - Wake Up Bomb MTV Video Awards '95‬&rlm;[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=-R2hvKDFLHE"]YouTube - ‪R.E.M. - Bittersweet Me (Video)‬&rlm;[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=xgyfIZ82YmM"]YouTube - ‪REM Binky The Doormat Live Road Movie‬&rlm;[/ame]

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01. Airportman
02. Lotus
03. Suspicion
04. Hope
05. At My Most Beutiful
06. The Apologist
07. Sad Professor
08. You're In The Air
09. Walk Unafraid
10. Why Not Smile
11. Daysleeper
12. Diminished
13. Parakeet
14. Falls To Climb

http://www./?d=CP9OD47B

Up es un disco complicado. Complicado para el propio grupo, que durante su gestación sufrió una experiencia tan traumática que les llevó incluso a decidir que había llegado el momento de terminar con todo. Complicado por su concepto, es el trabajo mas largo de la carrera del grupo, posiblemente el mas triste y oscuro e indudablemente el mas impenetrable. Complicado para aquellos que consideran que unos R.E.M. sin Berry ya no son R.E.M. y que ya no podrán hacer nada a la altura de los viejos tiempos. Y muy complicado para los fans, para aquellos que se enamoraron del grupo por todo aquello que siempre identificó a R.E.M. y que en Up ya no estaba. O al menos, ya no estaba como antes.

La primera escucha de Up es desoladora. En aquel otoño de 1998 se hablaba de un regreso al sonido de Automatic for the People, lo que unido a la elección de Daysleeper como primer single parecía no dejar dudas sobre el camino que habían tomado en esta ocasión. Así que a la hora de introducir el CD en el equipo de música y escuchar los primeros segundos de Airportman la hostia era absolutamente demoledora. Recuerdo albergar esperanzas de que la cosa no pasase de una excentricidad con la que comenzar el album, pero después de 60 minutos, y con Falls to Climb terminada, la sensación de decepción de quien esto escribe solo era comparable a la de cuando alguien te deja justo cuando menos te lo esperas.

Pero insistí, insistí como insiste alguien cuando cree que no todo puede haber acabado, y pronto comprendí que debía reordenar mi forma de entender al grupo. Up no es un cambio de estilo, es un cambio de sonido. En realidad, todo lo que ha sido R.E.M. seguía estando ahí solo que de otra forma, y esa aparente frialdad que transmitía Up en sus primeras escuchas escondía algunos de los momentos mas bellos de toda su discografía.

Curiosamente las primeras canciones que logré disfrutar son las tres últimas del album: Diminished, Parakeet y Falls to Climb. Tres cortes bellísimos, solo que no como antaño. Nightswimming y Find the River, por ejemplo, son también canciones bellísimas, pero que también podríamos definir como bonitas, y esto último es un adjetivo dificilmente aplicable a la mayoría de cortes del disco. Sin llegar a alcanzar el feísmo del que han hecho gala Radiohead en muchas ocasiones, pero rozándolo, la belleza de las canciones de Up son de una naturaleza mucho mas cortante que en los viejos tiempos, mucho mas seca y sobrecogedora. Aquí hay pocas guitarras acústicas, enardecidos coros, mandolinas o arreglos de cuerda como los de antes, sino toneladas de capas de sonidos electrónicos y sintéticos que crean una serie de atmósferas y envuelven la apasionada voz de Stipe, que canta como nunca algunas de las letras mas tristes y duras de su carrera.

No estoy muy seguro de como R.E.M. llegaron a esto, aunque a veces tengo la sensación de que todo fué un poco fruto de la casualidad. De acuerdo, la banda se había marcado esa dirección después del abandono de Bill y del hecho de sustituir a este por cajas de ritmos y loops de batería, pero las díficiles relaciones entre los miembros del grupo, que les llevó a prácticamente no hablarse durante meses e ir por libre, convirtieron los muchos estudios de grabación por los que pasaron en un continuo desfiles de músicos e ingenieros de sonido que iban aportando su granito de arena. Echen un vistazo a los créditos del disco y vean el documental que grabaron durante la gestación de Up y comprenderán lo que digo. ¡Si incluso llamaron a Nigel Godrich para que mezclase media docena de canciones y el propio Peter llegó a ejercer como ingeniero! Paradójicamente, en alguna ocasión he leído a Peter comentando que Up es un disco sin terminar al tener un plazo de entrega estipulado por Warner, algo sorprendente si tenemos en cuenta lo compacto y cohesionado de su sonido y la riqueza de arreglos y matices que siguen sorprendiendo después de cada escucha. Supongo que ya aquello era el germen de lo que ocurriría en Reveal y Around the Sun, discos en los que se tomaron todo el tiempo del mundo y que estropearon con una producción exagerada e inadecuada.

Un caso aparte es el inspirado lirismo del que goza el album. Nunca he querido creer cierta esa leyenda que dice que las mejores obras surgen de los momentos mas jodidos, pero Stipe termina los 90 con uno de sus mejores trabajos como letrista, y probablemente el mas oscuro y triste de toda su carrera. Una vez mas el lider de R.E.M. acepta interpretar en primera persona a una serie de personajes que relatan sus pequeñas historias, solo que en este disco hay poco lugar a la esperanza y el romanticismo es casi siempre doloroso. El denominador común: el cambio, las encrucijadas, el momento en el que los individuos deben tomar una decisión para salir de una situación dificil o complicada. Solo que los protagonistas de Up se muestran tremendamente desorientados, sin saber qué camino escoger o escogiendo el equivocado.

Airportman es la excelente metáfora que resume todo esto y que da comienzo al disco. El aeropuerto como representación de una gigantesca sala de espera, en la que el individuo, el airportman, minúsculo y desorientado, espera pacientemente el momento de coger el avión que le llevará hasta otro lugar. Musicalmente es también todo un shock para el oyente habitual de R.E.M., que es introducido en el ambiente onírico del disco, dominado por melodías electrónicas, extrañas y lejanas distorsiones de guitarra, y acordes de piano que juguetean con otros teclados. Recuerda un poco a algunos experimentos de Yo la Tengo y es la mejor carta de presentación posible para un album como este.

Y Lotus es el mejor ejemplo de que en Up las cosas nunca son lo que parecen. Considerada por algunos como el tema mas rockero del disco lo cierto es que el rotundo punteo de Peter solo aparece en el comienzo de la canción y en el puente. Aquí lo que hay es un ambiente viciado y enrarecido, saturado por los teclados y órganos, donde la voz de Michael suena extraña y distorsionada y que termina con unos arreglos de cuerda que suenan tan frios y cortantes como el sonido de una máquina de cortar embutido. Casi como una metáfora del infierno en el que está sumergido el protagonista de la canción, y del que pretende escapar comiéndose una flor de loto, como símbolo de algún extraño ritual religioso que acaba de descubrir y que anuncia y pregona como fin de todos sus males.

Como curiosidades destacar que alguien del grupo descubrió que Ocean Flower Aquarium es una tienda de San Francisco que se encontraba en el camino que hacía Michael hasta el estudio de grabación, y que este último hace una auto-referencia a End of the World ("dot dot dot and I Feel Fine") que volvería a repetir en Sing for the Submarine.

En Suspicion nos adentramos en momentos mas románticos, con un personaje enamorado pero envenenado por el demonio de los celos. Michael es especialmente sutil en lineas como "You're So Funny, You're So Fine / You're So Perfect, You're So Mine", es decir, tres adulaciones seguidas de un peligroso sentimiento de posesión, precedidas de otra línea donde el protagonista escucha los susurros del diablo en sus oídos. En lo musical es una de mis debilidades, absolutamente hipnótica y delicada, conducida por teclados y metalófono, y arropada por unos bonitos y sutiles arreglos de cuerda. Es una de esas canciones en las que merece la pena descubrir y paladear matices, ¿han escuchado la susurrante y sugerente voz de Mills en la tercera estrofa?

Momento para esa especie de reinterpretación del 'Suzanne' de Leonard Cohen que es Hope. De hecho, cuando Michael escribió la letra se dieron cuenta de que la cosa se parecía tanto que decidieron coacreditar a Cohen como autor del tema. La letra es confusa como confuso está el personaje que retrata, un enfermo abatido por sueños e imágenes de la infancia, que se debate entre abrazar la fé y la religión como salvación o confiar en la ciencia, en unos doctores que están haciendo todo lo posible pero que están fracasando en el empeño. La desesperación por la salvación se ve reflejada también en lo musical, en una canción que avanza increscendo enterrando una tímida guitarra acústica bajo las cajas de ritmos y programaciones que convierten a Hope en uno de los momentos mas electrónicos y alejados de su sonido habitual. Súmale a esto algunos arreglos de piano, algún sample de Suzanne y los coros casi celestiales de Mills casi al final del estruendosísimo final de la canción y tienes uno de los temas mas reivindicables de toda su discografía.

Después de esto, At my most Beautiful es casi una concesión, quizás la única canción realmente positiva de Up y la más acústica y tradicional de todo el disco. Planteada como una especie de homenaje a los momentos mas intimistas de Brian Wilson es uno de esos temas en los que Mills se sienta al piano y hace equilibrios sobre esa fina línea que separa la clase y la elegancia de la horterada y el almibar. El piano de Mike se ve acompañado de unos inspirados coros a lo Beach Boys y unas panderetas casi navideñas. Stipe, además, escribe una de las canciones de amor mas bonitas de su carrera junto a Be Mine, donde un personaje profundamente enamorado graba mala poesía en el contestador de la persona a la que ama y cuenta en secreto las pestañas de su pareja mientras duerme en la cama. Casi al final, escuchamos un cello que parece querer decirnos "llevo aquí presente todo el rato pero seguro que no te habías dado cuenta".

En The Apologist el protagonista de la canción ya casi nos resulta familiar. Un pobre desgraciado que pide perdón a todos aquellos a los que hizo daño en el pasado pero que en realidad parece estar diciendo única y exclusivamente lo que le han dicho que diga una serie de personas que le han lavado la cabeza. Falsa redención, pues. Musicalmente es uno de los momentos mas rockeros de Up (¿el único?), con guitarras distorsionadas y ardientes, riffs que suenan casi como orientales y un atronador punteo que no tiene nada que envidiar al de Drive. Por supuesto, también hay teclados, acordes de piano que parecen perderse entre el ruido de las guitarras y una percusión que suena primitiva, casi tribal. Me apetece prestar atención al final de la canción, que me sirve como ejemplo del buen gusto que hay en Up para rematar las canciones, optando por soluciones sorprendentes, originales e inesperadas.

Sad Professor habría sido una aburrida balada acústica en algunos de los discos posteriores de R.E.M., pero aquí saben sacarle todo el partido elevando la intensidad de la canción con otra guitarra atronadora en el estribillo, algunos arreglos de piano y un Stipe que alcanza algunas de las notas mas altas de toda su carrera como cantante. El último estribillo llega a estremecer.
En cuanto al triste profesor que da título a la canción nos lo encontramos en una de esas encrucijadas de las que hablaba antes. Nada menos que en el suelo, boca abajo en su habitación, en un momento de lucidez de una monumental borrachera en la que se lamenta de sus fracasos en el amor y en lo profesional. Sus reflexiones son la única lección que puede ofrecer a sus alumnos: una terrible advertencia de en lo que se podrían convertir de seguir su camino. Y esta es la única y retorcida forma de ver un poco de esperanza en el trabajo de un Stipe que, al contrario de lo que ocurría en el pasado, parece no tener compasión alguna con sus personajes.

Y seguimos con pocas bromas. En You're in the Air regresamos al romanticismo y el amor de temas como Suspicion y At my most Beautiful. Pero si en aquellas Michael hablaba de los celos y del enamoramiento mas puro y atolondrado en esta nos situa ante un personaje que ha perdido de forma trágica a la persona a la que amaba, detalle sutil que comprendemos con ese "tu estás en el aire y te estoy respirando" del estribillo. Michael describe una dedicatoria de amor realmente bonita, pero una vez descubierta la naturaleza de la situación uno no puede dejar de sentirse compungido al escuchar ese alarido final sobre el inspirado punteo de Buck. Y es que, a pesar del concepto experimental y electrónico del album nos encontramos ante otra canción de guitarras y arreglos de cuerda (que adquieren mas protagonismo que en cualquier otro momento del disco), solo que regado de sucias distorsiones que subrayan el sentido trágico de la canción.

Walk Unafraid supone un momento de luminosidad y de respiro muy de agradecer después de lo sombrío de los temas anteriores. Probablemente pocos fuimos conscientes en su momento del clasicazo que teníamos delante, seguramente ni el propio grupo, que no llegó a editarla como single. Pero con los años se ha convertido en un número imprescindible de sus directos, y el único de Up que sigue presente en estos.

Al principio puede engañar, una intro ruidosa, sonidos de teclados y sintetizadores o el e-bow de Peter que había estrenado en NAIHF en experimentos como E-bow the Letter o Leave (quizás, los dos cortes de su anterior trabajo donde se reconoce el germen de lo que sería Up) pueden indicar que nos encontramos ante otro tema oscuro, pero pronto se revela como un tema enérgico, que se acelera con unas excelentes programaciones y que alcanza una de las cimas del disco en su inolvidable estribillo. La letra también es bastante clásica, un tema de superación personal muy típico de Michael, con un personaje valiente, pero que ha perdido el rumbo en algún momento por culpa de los estúpidos consejos de aquellos que le dijeron que se mantuviese dentro de las convenciones, y que ahora está decidido a superar los obstaculos que sean necesarios para seguir adelante.

Idea también presente en la canción que sigue: Why not Smile. En esta ocasión no es el protagonista el que está inmerso en problemas, sino algún amigo/conocido/familiar que ha intentado suicidarse (la primera línea no deja dudas: "El hormigón amortiguó tu caída para oírte hablar de ello" y cuyo intento ha revelado una serie de problemas que no había querido comentar con nadie. El protagonista lamenta que se haya tenido que llegar a esta situación para descubrir esto, y se muestra dispuesto a ayudar y consolar a esta persona para que, como el personaje de Walk Unafraid, pueda seguir hacia adelante.

Musicalmente es uno de los temas realmente bonitos del disco (en el sentido clásico del término), con una preciosa melodía sobre la que se van sumando capas de instrumentos, arreglos y ritmos hasta estallar en una segunda parte instrumental donde dominan las guitarras eléctricas y un solo de Peter. Quizás muchos no se hayan fijado en este detalle, pero nunca antes ni después el guitarrista de R.E.M. se ha permitido el lujo de lucirse durante 2 minutos con un punteo como este. ¿Quién dijo que no había guitarras en Up?

Daysleeper prolonga la calidez de los últimos minutos del disco con sus guitarras acústicas y su condición de balada clásica del grupo. Escuchando la emocionada voz de Michael y los elegantes arreglos no sorprende que fuese la elección de Warner como primer single en un disco con tan pocos singles claros, aunque líricamente no tenga mucho que ver con lo que uno está acostumbrado a oír en las radiofórmulas: la historia de un agente de la bolsa que trabaja de noche, en soledad, aislado del resto del mundo. Michael describe muy bien esa sensación así como las dificultades para dormir de una persona que lo hace cuando el resto del mundo se levanta, algo que el resto de la banda acentúa con esa especie de sirena y esos sonidos confusos que tan bien representan la desorientación que produce la somnolencia.

Nos adentramos en la recta final y en la parte mas dura del disco para el oyente habitual de R.E.M., donde solo quedan algunos retazos de guitarras y apenas hay baterías o ritmos. Diminished es uno de los temas mas lúgubres y tétricos que ha escrito Michael en toda su carrera, con un personaje que acaba de asesinar a la persona a la que ama y que podríamos situar entre Suspicion y You're in the Air si reordenásemos las canciones de amor del disco como una historia que empieza muy bien en At my most Beautiful y que acaba de la forma mas trágica posible: con el protagonista meditando como convencer a la justicia de que él quería a la persona a la que acaba de quitar la vida; convenciéndose de que nunca sería capaz de hacer daño a alguien y que por tanto tiene que ser inocente. La solemnidad tambien acompaña en lo musical, con el bajo de Mike como principal conductor de la canción, oscuras armonías vocales y un ambiente envenenado que encajaría muy bien en algunos discos de Radiohead. Al final del corte nos encontramos con I'm not Over You, un fragmento de una canción que no les llegaba a convencer pero que Michael decidió rescatar, tocando él mismo la guitarra acústica, para incluirlo en algún rincon del mismo. Interpretémoslo como una especie de epílogo de Diminished.

Con Parakeet y Falls to Climb Michael abandona en parte las historias de personajes que lleva relatando durante todo el disco y regresa a ideas mas metafóricas como en Airportman, con conceptos mas generales y mas abiertos a la interpretación de cada uno. En Parakeet desconocemos el pasado y el presente del protagonista, solo sabemos que el personaje se siente encerrado en su habitación, como el periquito en su jaula, y anhela escapar del mundo donde vive y alcanzar otros lugares, otras metas. Quizás nos lo encontramos en el paso inmediatamente anterior al de convertirse en un "Airportman". La solemnidad sigue presente con un desafinado piano que me recuerda lejanamente a aquel Perfect Circle de 18 años antes (y que por cierto, compuso el ahora ausente Berry) y que nos transporta hasta un sorprendente y conseguido estribillo psicodélico que termina por engalanar uno de los temas mas poéticos del disco.

Terminamos con Falls to Climb, posiblemente mi favorita del disco durante muchos años hasta que abandoné la pretensión de tener una favorita. Me resulta dificil comprender como algunos han acusado este trabajo de irregular o disperso, cuando seguramente se trata de una de las obras mas compactas y cohesionadas de la carrera de R.E.M. Sin apenas altibajos, incluso el hecho de carecer de un hit que pueda cohabitar junto a otros clásicos del grupo le beneficia. Lejos de Up, sus canciones están sacadas de contexto. Y esta canción es un excelente ejemplo.

Funciona como resumen de todo lo anterior, con un personaje decidido a asumir culpas, propias y ajenas que puede ser interpretado de mil maneras. Quizás como la consciencia colectiva de todos los personajes anteriores, quizás como el responsable que toda sociedad necesita para delegar sus culpas, o puede que como el propio Michael, inmerso en una de las situaciones mas extrañas y amargas que ha vivido la banda y que nunca tuvo un claro causante. En cualquier caso, las reflexiones del líder de R.E.M. se deslizan por uno de los momentos mas bellos del disco, con capas y capas de melodías que parecen suspendidas en el aire hasta llegar a la emocionante conclusión. Una batería anuncia el final y Stipe altera su voz, y con la decisión tomada el personaje reivindica su valentía, dignificando su carne y haciéndole libre.

Unas melodías parecen perderse en el aire y Up termina. El emotivo final solo es comparable al de Automatic for the People con Find the River, solo que en aquella ocasión, aún encontrándonos ante una balada triste y melancólica, se abría un camino para la esperanza que aquí es dificil de localizar. El enaltecimiento de Michael suena orgulloso y positivo, pero también suena a final, y el "Thank You" que uno lee en el CD al sacarlo del equipo de música parece no dejar dudas. R.E.M. habían decidido dejar de ser una banda y no sé si me atrevo a decir que hubiese sido el mejor final imaginable para el grupo.

Probablemente no para ellos mismos, que no guardan buenos recuerdos de este disco, ni para tantos y tantos críticos y aficionados que solo vieron un paso en falso y que decidieron olvidarse de este album después de un par de escuchas. Pero seguro que si has llegado hasta aquí, querido lector, es porque este disco te gusta casi tanto como a mi, y seguro que agradeces tanto como yo este pequeño secreto, este olvidado e infravalorado disco que algunos hemos disfrutado tanto, que demuestra que los R.E.M. post-Berry pueden seguir siendo grandes y que es absolutamente incomparable con cualquier otro trabajo de su discografía.
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Sin dudas el disco mas experimental de R.E.M. hasta ese entonces, fue todo un cambio de sonido, en parte motivado por la salida de Bill Berry. La sobrecargada producción de las canciones involucró sintetizadores, secuenciadores y loops que, mezclados con los diversos instrumentos que tocan Buck y Mills (intercambiando guitarra, piano, banjo y un largo etc) forman una consistente base sobre la cual Stipe, mas inspirado que en otros discos, logra uno de sus mejores trabajo a nivel lirico.

El inicio con Airportman es de lo menos esperado para un disco de R.E.M., quedé bastante sorprendido a la primera escucha. El funky-rock de Lotus resulta el tema mas movido del disco, motivo por el cual llego a ser el 2do single. El ambiente que recrea Suspicion es de lo mas enigmatico y hasta cierto punto sexual de lo que se pueda escuchar (algun dia lo pondré cuando folle en el telo xD). Hope muestra el tema mas electronico de Up, donde a penas se puede distinguir el piano de Mills, esa distorsion programada al final de la canción es espléndido. Seguida de esta llega At My Most Beautiful, uno de los mas emotivos temas del disco, fácilmente podria haber sido incluida en Automatic For The People.

Otro de los puntos mas altos de Up es You're In The Air, con una de las letras mas sugestivas y donde Buck se luce con esos geniales punteos con la guitarra acústica. Walk Unafraid es uno de los clásicos de este disco, y en vivo es mucho mas potente y acojonante. Why Not Smile es la joya oculta de Up, con una riqueza instrumental y la triste voz de Stipe hacen de este tema de lo mas conmovedor. Y de hecho, Falls To Climb es el final mas épico para un disco de R.E.M., el in crescendo en que va la cancion y la firmeza que cobra al aparecer la bateria llegan a ser el cierre mas emotivo de toda la discografia de la banda. En resumen, con esta producción, el trio de Athens nos demuestra que siguen siendo grandes

[ame="http://www.youtube.com/watch?v=dciDcRZovP4"]YouTube - ‪R.E.M. Daysleeper‬&rlm;[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=IFNgZr1Msjw"]YouTube - ‪R.E.M. - "Lotus"‬&rlm;[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=B6kJqz8CnzQ"]YouTube - ‪R.E.M. - Walk Unafraid live @ Glastonbury '99‬&rlm;[/ame]

p.l.u.c.k, 9 Jun 2011

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Lo que mas me enciende de R.E.M. es THE ONE I LOVE y la que mas suave para mi es SHINY HAPPY PEOPLE.
Thank you brother, Por los datos interesantes que no sabia de R.E.M. Seria bravazo si vuelven al Peru.

EfectoPlacebo, 10 Jun 2011

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Thank you brother, Por los datos interesantes que no sabia de R.E.M. Seria bravazo si vuelven al Peru.
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Asi es cofrade, esperemos que regresen, aunque me temo que será para el lanzamiento de otro disco porque para Collapse Into Now han decidido no salir de gira

p.l.u.c.k, 11 Jun 2011

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Este es el último video que R.E.M. acaba de estrenar en su canal de Youtube, Discoverer es el tema que abre el Collapse Into Now y es uno de los mejores inicios de los discos de la banda, al igual que 'Living Well...', 'Drive' o 'Begin The Begin'. Un tema con bastante potencia con el que reivindican su lado rockero, y de cierta similitud con 'Finest Worksong' o 'Turn You Inside Out'.

Hablando del video en sí, aparentemente es animacion pero en realidad es una grabacion de planos, figuras y demas trabajos que se diseñan en algun programa. Al verlo, por momentos me ha hecho venir a la mente cuando hacia piezas mecánicas ó sólidos en Mechanical Desktop y Autocad
[ame=http://www.youtube.com/watch?v=z7q5DLS1rAU]YouTube - ‪R.E.M. - Discoverer [Official]‬&rlm;[/ame]

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Este es un articulo de la época bastante interesante de "Vote for Change", en la cual estuvo involucrado R.E.M. alla por el 2004, año en que fueron las elecciones presidenciales en USA.

Tras el mundo del cine, la literatura y el teatro, que desde hace meses se han embarcado en una campaña electoral muy similar a la que se vivió en España, le ha llegado el turno a los músicos norteamericanos en el intento de que George Bush no gane las próximas elecciones a la presidencia de los Estados Unidos que se celebrará a principios de noviembre.
De momento, ya son más de veinte los grupos y cantantes de primera fila que se han unido a la gira reivindicativa "Vote for change" cuyo objetivo principal es convencer a sus compatriotas de la necesidad de que Bush y sus políticas de extrema derecha dejen la Casa Blanca, tras cuatro años de políticas interiores que han aumentado las desigualdades sociales y han desarrollado políticas exteriores que han desestabilizado el planeta, especialmente en Oriente Medio con la invasión de Irak, tras intentar engañar a todo el planeta con las ya famosas armas de destrucción masivas que supuestamente poseía el dictador Sadam Hussein.
Artistas de máxima audiencia como Bruce Springsteen and E Street Band, James Taylor, Pearl Jam, Dixie Chicks, Jackson Browne, Babyface, Dave Matthews Band, REM, Bonnie Raitt, Jurassic Five o Ben Harper, entre otros, han anunciado su participación en los conciertos que se llevaran a cabo por toda Norteamérica, especialmente en aquellos estados en los que el voto de los indecisos puede hacer cambiar el signo de las elecciones. "Apostamos por unos ideales progresistas e intentamos cambiar la Administración de la Casa Blanca. Se trata de triunfar o fracasar, muy claro y muy sencillo", ha dicho Bruce Springsteen en un comunicado en el que añadía: "Sentí que no podía haber escrito la música que he escrito y cantar las cosas sobre las que he cantado durante los pasados 25 años y no implicarme en estas elecciones". Springsteen ya había mostrado su apoyo al grupo de country Dixie Chicks tras la censura que estaban sufriendo en las emisoras de radio norteamericanas cuando su cantante, Natalie Maines, declaró en un concierto que se sentía avergonzada de pertenecer al mismo estado que Bush. Dave Matthews, otro de los músicos comprometidos, afirmaba por su parte en otro comunicado que"un voto por el cambio es un voto por una América más fuerte, más sana, más segura. Un voto por Bush es un voto por una América inestable, dividida y paranoica".

Después del gran agitador norteamericano de conciencias, el director de cine Michael Moore que con documentales como el ganador del Oscar al Mejor Documental "Bowling for columbine" en el que señala a la sociedad norteamericana y a sus dirigentes como culpable de la creciente violencia que existe en los Estados Unidos, y el más reciente‘‘Fahrenheit 9/11’’ en el que desnuda las corruptelas de George Bush y de su gobierno, si había un artista musical que podía hacer realmente daño a Bush, ese es el "Jefe", Bruce Springsteen. La gran diferencia entre éste y otros esfuerzos es justamente Springsteen, un símbolo del mundo del espectáculo en Estados Unidos con un atractivo único para muchos estadounidenses, incluso para aquellos firmemente vinculados a las ideas republicanas. No en vano fue él quien lideró los conmovedores homenajes a las víctimas de los atentados del 11 de septiembre y fue su canción ‘‘Born in the USA’’ la que fue adoptada para la campaña de Ronald Reagan, a pesar de sus textos críticos con el papel dominante del país en el mundo.

Gran parte del respeto que Springsteen cosechó entonces fue resultado de su decisión de mantenerse al margen de las políticas partidistas, a pesar de que su punto de vista es claramente liberal en los textos de sus canciones sobre la vida en Estados Unidos. Bruce Springsteen, además, ha escrito un artículo en el New York Times, titulado "Let´s change America´s government", denunciando que el actual Gobierno de EE.UU. se ha apartado demasiado de losvalores americanos. "América ha encabezado una guerra innecesaria en Irak, ofreciendo la vida de jóvenes bajo circunstancias que ahora se revelan falsas. Tenemos un déficit record, mientras se recortan servicios sociales y programas post-escolares. Se ha reducido los impuestos para el 1 % de la población más rica, aumentando las diferencias y poniendo en peligro nuestro contrato social, bajo la promesa de una nación indivisible...", y nos recuerda que lleva 25 años intentado con su música dar respuesta a cuestiones espinosas: -"¿Cómo siendo la nación más rica nos es tan difícil atender a los ciudadanos más débiles? ¿Por qué en tiempos difíciles matamos los valores que más apreciamos?..."
La gira realizará una semana de conciertos justo un mes antes de las elecciones en los que Springsteen, Pearl Jam, R.E.M. y otros veinte grupos ofrecerán 34 actuaciones en nueve estados en los que los votantes están indecisos entre Bush y el candidato demócrata John Kerry. Las recaudaciones de estos conciertos ‘‘antiBush’’ en 28 ciudades estadounidenses, que se iniciarán el 1 de octubre en Pensylvania, serán donados a la fase final de la campaña electoral de Kerry. Las organizaciones MoveOn.Org y America Coming Together quieren financiar así sobre todo campañas para la movilización de potenciales votantes de Kerry en estados donde los resultados no están claros ni definidos. Además, servirán para captar el voto joven que tradicionalmente suele pasar de acudir a las urnas. Actualmente, las encuestas demuestran una abrumadora preferencia entre los jóvenes por Kerry, por lo que incluso un pequeño incremento podría ser decisivo en el resultado final.
Aunque haya algunas voces en contra, como la de la republicana Britney Spears, se van sumando los artistas a favor de Kerry, como los músicos de soul o hip hop Mary J. Blige, Missy Elliot y Eve, que incluso han anunciado un disco que recuerda las épocas a favor del presidente Jimmy Carter en los 70, o los conciertos contra la guerra de Vietnam en los 60, liderados por artistas como Bob Dylan.

La elección del Presidente de los Estados Unidos tendrá mucho que ver, una vez más, con el índice de participación ciudadana. Manifestaciones como la reciente de Nueva York, en donde vimos una réplica de los mil féretros correspondientes a soldados muertos en la injusta guerra del Irak, parece demostrar que algo se mueve en la desinformada sociedad norteamericana, que sólo recibe noticias parciales y desenfocadas de la situación que se vive en Irak, Afganistán (otra guerra silenciada) y otros puntos conflictivos del planeta.
El compromiso de estos músicos, actores e intelectuales, una intelligentisiacontrolada y asediada por la maquinaria social del mayor país capitalista del mundo, vuelve a estar en primer primer plano al triste calor de una guerra. Como sucedió con la guerra del Viet-Nam, parece que la política norteamericana sólo puede cambiar por la visión del terrible paisaje de cientos de muertos sobre la mesa.

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En esta, como otras importantes ocasiones, se juntaron dos sobrevivientes de los 80's y 90's, como lo son Stipe y Eddie Veder:
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01. The Lifting
02. I've Been High
03. All the Way to Reno (You're Gonna be a Star)
04. She Just Wants to Be
05. Disappear
06. Saturn Return
07. Beat a Drum
08. Imitation of Life
09. Summer Turns to High
10. Chorus & The Ring
11. I'll Take the Rain
12. Beachball

http://www.mediafire.com/?mkuwtygjmzy

Entramos al nuevo milenio, R.E.M. nos trajo un nuevo disco bajo brazos en una época en la cual el pop dominaba fuertemente el mercado de USA, aqui dos reseñas pueden explicar muy bien lo que fue Reveal:

Lo de R.E.M. es definitivamente un caso aparte. Que un grupo con una trayectoria tan intachable, coherente y de tantos años como la suya (sus dos obras menores ,"Monster" y "New Avetures in Hi-fi", serían el gran disco de muchos, ¿alguien lo duda?) nos sorprendan ahora con un disco así, es digno de todo tipo de alabanzas. Particularmente no había sentido algo así desde el soberbio "Automatic for the people" y eso que "Up", su disco predecesor, había dejado el listón lo suficientemente alto como para temer por un nuevo bajón de sus compositores. Sin embargo, lo que ha hecho Stipe and co. es pulir y mejorar las bases sentadas en aquel. Si "Up" era un disco en el que se combinaba de manera soberbia el pasado de la banda con las nuevas influencias y su inmersión en la tecnología, ahora lo han sintetizado sin los radicales contrastes entre su ayer y su hoy, fundiendo todo en un disco espectacular.

Prometían un disco de verano y el fabuloso single Imitation of life parecía ir por esa dirección. Sin embargo una voz tan melancólica como la de Michael Stipe no casa mucho con las estampas soleadas y, al menos a mi, trasmite mas bien todo lo contrario. Ninguna queja desde aquí, máxime cuando esa tristeza nos parece una de las notas que ha hecho de R.E.M. un fetiche de nuestras adolescencias cuando la habitación cerrada con pestillo era el mejor de los mundos imaginables. Sensaciones particulares aparte, lo que si queda claro es que Reveal tiene trazos de obra grande y aspira ser uno de los discos del año. Ya desde su inicio con la solemnidad de The lifting (increíble el resultado obtenido si tenemos en cuenta la versión demo publicada previamente en el single de Imitation of life) llena de ambientes vaporosos y esfervescencia épica nos ponen en alerta. Siguen teniendo mucho que decir y muchas lecciones que enseñar.

Dentro del disco se van destapando canciones enormes como I been high o I´ll take the rain, en mi opinion los dos cortes mas sobresalientes de Reveal. La primera, un burbujeante medio tiempo de una delicadeza exquisita, juega en su letra con los dobles sentidos ("He estado en lo más alto/ he escalado tan alto / que la luz a veces/ me ha chorreado / me ha bañado / cierro mis ojos / así, yo puedo verlo / déjame creer / creer en mi") ¿Busqueda del bienestar interior, un benigno colocón narcótico o quizá una mezcla de ambos?. (Stipe sigue siendo fascinantemente inescrutable). I´ll take the Rain" apela directamente a la fibra sensible del oyente mediante versos como " Solía pensar cómo volaban los pájaros / ellos cantan a través de la vida así que ¿por qué no podemos nosotros? / Tu te acomodas a esto y luego clamas por algo mejor / Si esto es lo que ofreces / yo cogeré la lluvia". Se trata de otra de esas canciones de R.E.M. de toda la vida: un inicio con la voz de Stipe en mate hasta que llega ese arranque que ejemplifica mejor que cualquier palabra la fascinación que muchos sentimos, aun pasados los años, por este grupo.

No existe en Reveal ninguna canción mala, ni tan siquiera mediocre. El pulso se mantiene durante todo el disco a través de una deliciosa suavidad sonora que hace pensar que Mike Mills ha impuesto su visión pop frente al fluir eléctrico de Peter Buck. Así se deja ver en All the way to Reno - el segundo single ,con una sorprendente versión de "Yellow river" en la cara B- e Imitation of life, ambas tocando el tema del estrellato y la fama con ternura e ironía, o también en Beat a drum, Summer turns to high o Beachball, esta última con una hamond fantástico. Solamente los ambientes tensos y axfisiantes de Dissapear (" Existe una calma, en la que aún no he entrado / me paso la mitad de la vida preguntándome qué vendrá después") que remiten al Green, rompen un poco la tónica de un trabajo que quizá, y eso duele, se valoraría mucho más si fuese el debut de cualquier grupo anónimo que el de unos "dinosaurios" como R.E.M.. Ya se sabe lo que es estar a la última: a veces ignorar, por vagancia y pereza, obras tan soberbias como esta.

R.E.M. fueron grandes en los 80's. También en los 90's. Reveal nos demuestra que en esta década los vamos a volver a ver sobrevolando las alturas del pop...

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Podriamos hablar de Reveal como el reverso luminoso del oscuro e introspectivo Up, del mismo modo que en su día pudimos hablar de Automatic for the People como el reverso oscuro de Out of Time. Y curiosamente en ambos casos ocurre algo parecido. Los R.E.M. mas oscuros y melancólicos salen siempre triunfantes sobre los mas luminosos o mal llamados optimistas. Pero sería injusto despreciar Out of Time o Reveal por este motivo, ambos son discos francamente estimables con un puñado de canciones, como poco, notables. Y de hecho, Reveal se planteó con unas intenciones similares a las de la grabación de Out of Time a principios de los 90. Según comentaba Peter Buck posteriormente la idea era la de grabar un disco acústico y mas luminoso que Up con preciosistas arreglos de cuerda e incluso viento.

De igual modo, la grabación del nuevo album distaría mucho de lo que ocurrió durante la producción de Up. R.E.M. se tomaría todo el tiempo necesario para gestar su nuevo disco y, además, disfrutarían de la grabación como no lo hacían prácticamente desde la época de Automatic for the People, en un ambiente de ilusión y ánimo radicalmente opuesto a la traumática grabación de Up, aunque volverían a contar con Pat McCarthy en la producción. Es quizás por esto que durante la larguísima gestación de Reveal la banda aprovechó para experimentar, quizás demasiado, con sus nuevas composiciones. El grupo, como afirmó posteriormente Buck, llegó a tener la posibilidad de publicar dos Reveal completamente distintos. Uno de corte acústico, como era su pretensión inicial, y otro donde aprovechaban lo aprendido durante la grabación de Up, utilizando arreglos de corte electrónico con teclados, sintetizadores y demás cacharritos. Es esencialmente esta última versión la que finalmente se publicó y conocemos todos. Pero algo queda de aquel Reveal acústico. Solo hace falta escuchar aquella versión de The Lifting publicada en In Time, esa 32 Chord Song, reverso acústico de Summer Turns to High, o escuchar el brillante Unplugged de 2001 para la MTV, donde muchos de los temas de Reveal brillan por encima de los resultados obtenidos en el disco.

Y es es este quizás el mayor lastre (quizás el único) que arrastra Reveal. Una producción excesiva y exagerada, donde capas y capas de arreglos electrónicos contaminan una serie de canciones que, mas desnudas, hubieran ofrecido unos resultados mas cálidos y pulidos. Solo en los dos primeros temas del disco, The Lifting y I've Been High, que curiosamente son los dos que mejor hubiesen encajado en Up, funciona a la perfección esta producción, que hace que estas canciones ofrezcan una sensación refrescante donde sus melodías parecen estar flotando delicadamente en el aire. El resto del disco ganaría muchos enteros con un sonido mas próximo al ya mencionado Unplugged de 2001. Pero no me malinterpreten, Reveal es un album notable y muy digno, con unos cuantos temas que, a día de hoy, ya son clásicos de la banda y que muchos fans incluirían en su Top 10 de temas R.E.M. sin dudarlo. Así pués, pasemos a revisarlos uno a uno.

The Lifting

"Good morning, and how are you? the weather's fine, the sky is blue"

Los R.E.M. no podrían haber tenido un comienzo mas claro para iniciar el disco. Reveal comienza en el amanecer de un cálido día de verano, con Michael Stipe hablando de un personaje que quiere ver mas allá de los límites racionales. Y es que en Reveal, y al contrario de lo que ocurre en Around the Sun, Stipe tiene claro de qué quiere hablar. De aspiraciones, metas y fines. Sobre personas que desean trascender y encontrar un sitio en el mundo y un sentido a sus vidas.
En lo músical nos encontramos con un auténtico temazo que recuerda poderosamente a Walk Unafraid, donde usan sintetizadores, programaciones y un E-bow para los solos de guitarra y que alcanza su punto álgido cuando Michael pregunta: "Did you hear these voices calling?".
Si The Lifting no es un tema tan recordado como aquel de Up se debe única y exclusivamente a que, incomprensiblemente, apenas la han tocado en directo, pero es dificil imaginar un comienzo mas espectacular para un disco como Reveal.

I've Been High

"What I want, what I really want is
just to live my life on high"

Crónica de un personaje que, después de haber llegado a lo mas alto, se ha hundido y perdido. Nuevamente otro tema sobre aspiraciones, donde alguien busca la confianza de los demás para recupar la propia. Stipe no podría haberlo descrito de forma mas sutil y acertada. Unas pocas palabras son mas que suficientes.
En cuanto a la canción en sí, R.E.M. vuelven a apostar por la electrónica en lugar de optar por un planteamiento mas acústico, logrando un tema que a pesar de la supuesta frialdad de los sintetizadores y programaciones (aquí prácticamente todo es digital) logra emocionar sin necesidad de usar trucos.

All The Way To Reno (You're Gonna Be A Star)

"but you've know that from the beginning,

you didn't have to go so far, you didn't have to go"

El largo camino hasta Reno como metáfora de un camino equivocado. El que alguien recorre para convertirse en una estrella en esa Las Vegas de segunda división que es la ciudad de Reno.
Nos encontramos ante un delicioso tema pop que recuerda al ambiente de Try not to Breathe y que si no ha llegado a cuajar entre los fans se debe probablemente a que de haber optado por un plantamiento similar al del Unplugged 2001, donde sonó realmente bonita y delicada,los resultados hubiesen siendo mucho mas notables. Aún así, engancha, y el final brilla a gran altura.

She just wants to Be

"And now is greater than the whole of the past
is greater, and now she knows that. Now she knows"

En esta ocasión Michael nos presenta a un melancólico personaje femenino, rememorando su pasado, pero abrazando un presente aparentemente satisfactorio. Nuevamente volvemos a encajar otro tema en la temática de Reveal, pero no así musicalmente. She just wants to Be es uno de los pocos temas que parece que los R.E.M. decidieron dejar tal y como plantearon originalmente el disco, es decir, esencialmente acústico. Y esto permite a Buck lucirse con el que es, quizás, su mejor trabajo con las guitarras en la era post-Bil Berry, con un estribillo notable y pegadizo y un par de solos de guitarra que en directo sonaban infinitamente mas ardientes y rockeros.
Desde hace ya unos años uno de los clásicos de la banda.

Disappear

"The 0nly thing worth looking for is what you find inside.
But that had not yet appeared. Lost, invisible, here"

Es una verdadera lástima, pero pese a tratarse de una buena composición con una buena letra nos encontramos ante una canción que fracasa estrepitosamente por culpa de una torpísima y absurda sobreproducción. ¿Os imaginais que a She Just Wants to Be le hubieran añadido todos estos arreglos y efectos absurdos y sin sentido?. Disappear es la canción perfecta para explicar donde fracasa Reveal.
En fin, lo mejor en este caso es volver a ese Unplugged de 2001 que tanto menciono y donde podemos descubrir una canción acústica de un parecido notable a Swan Swan H (aunque sin su magia y misterio), cálida y triste, donde el protagonista anda perdido en un viaje a ninguna parte, confuso y desorientado. Metáfora perfecta de la dificil búsqueda de uno mismo e, irónicamente, de los resultados de la canción..

Saturn Return

"Easy to poke yourself square in the eye.
Harder to like yourself, harder to try"

En las dos primeras lineas Michael nos habla de lo dificil que es gustarse a si mismos, pero la verdad, mas allá de eso, no tengo la menor idea de qué nos quiere contar en esta ocasión, y probablemente sea este, junto a Chorus & the Ring, el tema mas dificil de descifrar de Reveal.
Musicalmente es una composición de piano francamente elegante, con unos acordes acertadísimos y envuelta en una fascinante atmosfera de lo mas onírica. También reconozco que es una de esas canciones "malditas" y extrañas que R.E.M. suelen colar en sus discos, que pueden hipnotizar a algunos y horrorizar a otros, pero creo que el resultado es bastante meritorio y solo se ve empañado por algunos arreglos, ruiditos mas bien, que no se sabe muy bien a que vienen (¿qué pinta ahí ese silbato?).

Beat a Drum

"This is all I want, it's all I need.
This is all I am, it's everything"

Es curioso, pero cuando escucho esta canción no puedo evitar que vengan a mi cabeza las fotografías que Michael incluyó en el artwork del disco. Stipe describé un paisaje y un ambiente típicamente veraniego, y es facil imaginar al protagonista del tema en un momento contemplativo, disfrutando de su entorno, y afirmando que eso es todo lo que necesita. ¿Un pequeño homenaje a Bill Berry?. Desde luego, el título es de lo mas revelador...
Musicalmente se podría decir que es la hermana pequeña de At my Most Beautiful, pero no alcanza la brillantez de esta, probablemente porque si aquella jugaba peligrosamente en la linea que separa lo romántico de lo ñoño, esta acaba decantandose ligeramente por lo segundo.
De todos modos, después de la oscuridad de Saturn Return se agradece este otro tema de piano, 100% Mike Mills, mas luminoso, cálido, tierno y bastante bonito. Pero ay, hay que tener mas cuidado con el azucar...

Imitation of Life

"Thats who you are, thats what you could.
C'mon, c'mon, no one can see you cry"

Esto es lo que eres, esto es lo que podrías ser. Y desde luego, si R.E.M. hubiesen decidido basar su carrera en hacer deliciosas y magistrales canciones pop como esta no me cabe la menor duda de que hubiesen sido uno de los mas grandes grupos POP, así, en mayúsculas, de la historia de la música. Y es que Imitation of Life es el tema POP por excelencia, magnífico, perfecto, inmaculado.
Y es que el paso del tiempo ha puesto a esta canción en su sitio. Puede ir en gustos, pero si Imitation of Life no es la mejor canción pop de la carrera de R.E.M. y la mejor que han grabado en esta década muy muy poco le falta.
R.E.M. en estado de gracia. No hay mucho mas que decir.

Summer Turns to High

"I won't pine for what could have been"

El verano otra vez. Michael vuelve a describir ese verano que tanto adora (y que persiguieron durante la grabación del disco) y cuela alguna pequeña referencia al ya comentado tema de las aspiraciones. Liricamente no anda muy lejos de Beat a Drum, cerrando entre ambas esa joya que es Imitation of Life.
Lamentablemente, me parece la canción mas floja del disco. R.E.M. vuelven a intentar sonar como los Beach Boys (ya lo hicieron con At my most Beautiful), pero fracasan en semejante pretensión, grabando un tema que suena mas bien a New Age descafeinado.
La cosa mejora si escuchamos 32 Chord Song, la versión acústica de este tema que publicaron como cara B, pero sigue sin ser una gran composición.

Chorus & The Ring

"Just defy it, just deny it, was it fun? Your time has come"

Ummmm, esto se oscurece. Tema acústico de lo mas extraño e intencionadamente repetitivo, construido sobre un riff de guitarra y salpicado de diversos sonidos (una especie de gaita en el estribillo, una especie de aterrador trueno..). No me sorprendería nada que esto fuese lo que inspiró a Michael a la hora de escribir la letra, indescifrable pero cargada de multitud de referencias a todo tipo de sonidos.
La verdad es que suena bastante otoñal y meláncolica, casi como introductoria de I'll Take the Rain y cuenta con un final bastante épico y atronador. Merece la pena volver a escucharla, pues debe ser uno de los temas mas olvidados del disco...

I'll Take the Rain

"The wind blew strong and summer's song, it fades to memory"

La canción del verano (¿Summer Turns to High?) se desdibuja en la memoría. Ha llegado el otoño y pronto el crudo invierno, y para el protagonista de esta canción, el final de un amor veraniego, que ahora solo queda como un recuerdo. Una asociación de ideas un tanto tópica de Stipe que funciona perfectamente en este impecable tema de corte acústico y final épico donde Peter Buck vuelve a tener la oportunidad de lucirse (ojo al arrebatador punteo en la recta final de la canción).
Probablemente una de las cimas del album, y una de las favoritas de los fans que, inexplicablemente, el grupo no ha aprovechado en directo.

BeachBall

"Tonight's alive. The beachball's set to fly"

Y si el disco se abría con un amanecer Beach Ball lo cierra con una cálida noche de verano. ¿Quizás es esto un recuerdo del personaje de I'll Take the Rain?.
Nunca ha dejado de sorprenderme lo mucho que aborrecen los fans esta canción cuando, curiosamente, es justo donde consiguen lo que pretendían en varios momentos del disco, hacer una canción 100% veraniega. Pocas veces se ha descrito y recogido tan bien, tanto lírica como musicalmente, ese ambiente playero y despreocupado del paraiso vacacional. Aquí ya no hay aspiraciones, ni dudas, ni caminos equivocados, ni desastres amorosos, simplemente goce y disfrute, y es así como R.E.M. querían terminar un album tan cálido y soleado como este.

Pocos peros se le pueden poner también en lo musical, sin los Beach Boys como referencia, toman su propio camino y adornan el tema deliciosamente con un toque exótico y juguetón adornado con preciosos arreglos de viento y cuerda.
Sí, no es lo que esperamos de R.E.M., pero en un disco como este, donde el grupo no aporta especialmente nada nuevo a su carrera, se agradece un final tan atrevido, logrado, y distinto a lo que en ellos es habitual.

Y con este final tan agradable y optimista termina Reveal. No sé si realmente R.E.M. consiguieron ese disco veraniego que perseguían, pero de lo que estoy seguro es de que Reveal es un trabajo bastante digno y aprovechable pese a sus errores en la producción, que dejó en muy buen lugar a una banda que en aquel momento arrastraba 21 años de carrera y una baja tan traumática como la de Bill Berry. Y en cualquier caso, y en estos días que aprieta el calor, reescuchar este disco puede ser una opción tan recomendable y disfrutable como comerse un helado. Mejor aún, puedes hacer ambas cosas. ¿A qué estás esperando?.
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Yo tambien consideraria a Reveal como una secuela de Up, en la cual R.E.M. va puliendo en gran parte el uso de sintetizadores y programaciones de sonido, sin embargo no logran sacudirse del todo de la sobreproduccion, llegando a sobrecargar de arreglos a algunas canciones.
Pero sin dudas, y al igual que en Up, el trabajo de Stipe a nivel de composición es notable, con letras cargadas de lirismo y cada vez mas maduras, recorriendo introspectivamente las emociones y sentimientos, narrando historias ajenas pero no lejanas a cualquiera.

The Lifting es el inicio perfecto para Reveal, el esplendor que irradia gracias a las capas electronicas y el piano de Mills a mi parecer reflejan la foto de la contraportada del disco. I've Been High logra recrear una delicada atmósfera en la cual aparecen algunos otros sonidos intermitentes que combinados con la voz de Stipe dejan una canción. La elegancia de All The Way To Reno muestra una letra que podria llegar a ser ambigüamente optimista y pesimista a la vez, con una ligera sobreproduccion, pero que no llega a mayores.

She Just Wants To Be, el inicio es de lo mas acústico, a la que van sumandose notablemente Mills en el bajo, Waronker en la bateria y Stringfellow en el hammond, el final de la canción es de lo mas rockero hasta regresar al punteo acústico del inicio, sin dudas una de mis favoritas de este disco. Este tema gana mas incluso en directo, que dicho sea de paso me sorprendió cuando la tocaron casi al final del concierto en Lima, en aquella ocasión full guitarra eléctrica... rock en estado puro, sumado a eso el bailecito de Stipe en el escenario
Disappear es un medio tiempo intenso pero por la sobreproduccion que tuvo, termina siendo una de las mas discretas del disco, aunque para nada despreciable. Saturn Return es una de las canciones mas extrañas y que recuerda a lo ya visto en Up, la mezcla de sintetizadores y el piano de Mills forman como una sombrio clima de esos que se presentan extraña e inesperadamente en el verano . Beat a Drum es otro de los magnificos temas de la colección de 'canciones de piano' con los que cuenta la banda en su discografía, el título yo creo que refleja mas la melancolía aun existente por la partida de Bill Berry.

Imitation Of Life, uno de los singles mas significativos de R.E.M. en esta última etapa, los llevó de nuevo a los charts en casi todos los paises e incluso llegó a ser conocida aqui, a mi parecer una de las mejores canciones pop que hayan podido hacer, pero musicalmente mas moderno que las de antes, fue la cancion que me engancho a R.E.M. desde hace ya 10 años (por ahi debe estar botado y rayado mi Reveal pirata con bonus tracks ). Summer Turns To High lo noto bastante inspirado en los Beach Boys, con tematica veraniega, bien logrado en los arreglos. Chorus And The Ring, si lo podria definir, es una especie de folk electronico, en la cual tambien entra una guitarra distorsionada y un Stipe inspirado, que va arrastrando la cancion hasta un punto alto, vocalmente hablando, otra de mis favoritas desde luego.

I'll Take The Rain, es la perfecta combinacion del sonido Automatic For The People con la última etapa musical de ese entonces, el inicio acústico y los arreglos logran un tema intenso y épico, donde Buck se luce en varios pasajes de la canción, que fácilmente podria haber cerrado este disco. El final con Beachball es de lo mas inusual y novedoso, incluyendo trompeta y hammond... el lado playero fluye una vez mas, con una letra bastante positiva.
En resumen, yo diria que es un buen disco, de fácil escucha y de hecho con el que cualquiera se podría enganchar a la extensa discografía de la banda.
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=5qnxYeyWCL0"]YouTube - ‪2001-04-27 - R.E.M. - Imitation of Life (Live @ TOTP)‬&rlm;[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=zHlpWokiduk"]YouTube - ‪All The Way To Reno (You're Gonna Be A Star) (Video)‬&rlm;[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=xOUbBCC5MQU"]YouTube - ‪R.E.M. @ 99X I'll Take The Rain‬&rlm;[/ame]

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1. Man on the Moon
2. The Great Beyond
3. Bad Day
4. What's the Frequency, Kenneth?
5. All the Way to Reno (You're Gonna Be a Star)
6. Losing My Religion
7. E-Bow the Letter
8. Orange Crush
9. Imitation of Life
10. Daysleeper
11. Animal
12. The Sidewinder Sleeps Tonite
13. Stand
14. Electrolite
15. All the Right Friends
16. Everybody Hurts
17. At My Most Beautiful
18. Nightswimming

http://freakshare.com/files/bmiko0ts/R.E.M.---The-Best-Of-R.E.M.-192-Kbps.rar.html

En Octubre de 2003, Warner lanzó lo que seguramente pase a ser el recopilatorio más famoso de R.E.M., In Time (a tiempo) título que venía a ser el contrapunto a Out Of Time (fuera de tiempo). Está avalado por el grupo que se encargó de escoger sus temas del catálogo que tenían con Warner. Fue lanzado de manera mundial en formato simple y doble con un disco extra de rarezas, presentado en un estuche especial con un libro de anotaciones de Peter Buck sobre cada tema. El disco contiene dos temas nuevos que fueron lanzados como single, Bad Day que se regrabó a partir de la maqueta que había de las sesiones de grabación del Lifes Rich Pageant de 1986 y Animal. El disco principal de la recopilación tiene 18 temas con prácticamente todos sus grandes éxitos y el disco de rarezas contiene 16, donde se mezclan caras B, directos, bandas sonoras y demos. Un recopilatorio casi definitivo a expensas del que se lance el día que REM decidan separarse y dejar de sacar discos. Seguramente ese futuro recopilatorio no contenga algunos temas del In Time como pueden ser All The Way To Reno o All The Right Friends, canciones un tanto extrañas que el grupo incluyó así como The Sidewinder Sleeps Tonite, una composición que, a pesar de no dejar de ser un gan éxito, nunca han tocado en directo y que sigue la linea de Shinny Happy People que no fue incluida en el disco.
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Previo al lanzamiento de este recopilatorio, IRS (la anterior casa discografica de R.E.M.) habia lanzado otros compilados como Dead Letter Office(1987), Eponymus(1988) y The Best Of R.E.M.(1991), los cuales solamente incluyen los mejores temas hasta Document, mientras que In Time abarca de Green hasta Reveal. Luego de unos años IRS lanzo su recopilatorio definitivo, del cual hare mención luego.

Ahora hablando de In Time, los temas The Great Beyond y All The Right Friends no aparecen en ninguno de los discos, sino mas bien son parte de la banda sonora de las peliculas 'Man On The Moon' y 'Vanilla Sky', respectivamente. Aparte del disco doble, la edicion deluxe incluye un DVD (que de seguro lo han visto pirateado en El Hueco xD) con gran parte de los videoclips grabados durante el periodo 1988-2003, mas un extracto de la actuacion que realizaron en Trafalgar Square por el South African Freedom Concert (2001). Ademas, cada video tiene una pequeña introduccion con fragmentos de entrevistas a los miembros de la banda. Lo bueno del DVD, a comparacion de otros que han publicado, es que cuenta con subtitulos.

Acerca del CD, en lineas generales me parece un aceptable compilado, aunque si vemos la lista de temas creo que habian algunos que fácilmente podrían no haber sido incluidos para dar cavida a otros. Si me centro solo en los singles, este podria haber sido mi tracklist del disco:

1. Man on the Moon
2. The Great Beyond
3. Bad Day
4. What's the Frequency, Kenneth?
5. I'll Take The Rain
6. Losing My Religion
7. E-Bow the Letter
8. Orange Crush
9. Imitation of Life
10. Daysleeper
11. Animal
12. Drive
13. Crush With Eyeliner
14. Electrolite
15. Near Wild Heaven
16. Everybody Hurts
17. At My Most Beautiful
18. Find The River

De todas formas, yo creo que In Time es un gran medio como para poder captar nuevos seguidores, de tal forma que van conociendo las canciones que en su momento fueron todo un boom en la historia de R.E.M.
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=Hyk-Vdd_Qrk"]YouTube - ‪R.E.M. - Bad Day (Video)‬&rlm;[/ame]
[ame="http://www.youtube.com/watch?v=rBYd--pPFT4"]YouTube - ‪R.E.M. - Animal (Video) (Revised)‬&rlm;[/ame]
p.l.u.c.k, 21 Jun 2011

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