Datos curiosos de películas

IT

Stephen King ha publicado más de 50 libros. Sus títulos en total han vendido más de 350 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en un best seller por excelencia. It, una de sus novelas más populares (la número 22), se lanzó en septiembre de 1986 y es su segundo libro más vendido. Ese mismo año, se mantuvo durante 14 semanas en el primer lugar de ventas de la lista del New York Times.

2.- Pennywise nació en una dimensión desconocida llamada Macrocosmos dentro del universo de King. No se sabe cómo surgió, pero sí que existe desde antes que se produjera el universo, y es una entidad milenaria cuya forma original es desconocida; sin embargo, las teorías apuntan a que su materia y de lo que está compuesto, no se encuentra en la Tierra.

3.- La dualidad está presente en el universo de King con la tortuga llamada Maturin, una entidad que también forma parte del Macrocosmos, pero representa la bondad. Por tanto, es enemiga de Pennywise. ¿Recuerdan la escena en que los Perdedores están en el lago y ven una tortuga…?

4.-It llegó a nuestro planeta en un asteroide que colapsó en el área descrita como Derry en Maine. Por eso Pennywise suele aparecer en este pueblo, pues aquí se encuentra su fuerza, por decirlo de alguna manera.

5.- Esta entidad tiene varios poderes como provocar alucinaciones en sus víctimas al grado de volverlas locas. Pero su característica más importante es que adopta la forma de lo que su víctima teme más. Es decir, es capaz de leer los miedos de su víctima y tomar la forma. Y no sólo eso. También adquiere las cualidades de ese objeto, lo que lo hace vulnerable a algunos ataques.

6.- It tiene otros nombres como Pennywise y The Dancing Clown. Durante la novela de King, se refiere a sí mismo como Robert Gray y a veces sólo como Bob.

7.- Stephen King creó a Pennywise con un objetivo: tener en un mismo lugar a todos los monstruos conocidos. Al poderse transformar en cualquier cosa, It puede ser un hombre lobo, una momia, un vampiro, un enorme insecto, una criatura desagradable, un fantasma. “¿Qué asusta a los niños más que nada en el mundo?” Para King son los payasos.

8.- La figura de Pennywise está inspirada en un asesino en serie de la década de los 70 llamado John Wayne Gacy, conocido como “El payaso asesino”. En el estado de Illinois, se dedicaba a atacar sexualmente y asesinar a adolescentes. Fue sentenciado a muerte en 1980.
John Wayne Gacy, conocido como ‘Killer Clown’. " data-medium-file="https://www.sopitas.com/wp-content/uploads/2019/08/john-wayne-gacy-it.jpg?w=300" data-large-file="https://www.sopitas.com/wp-content/uploads/2019/08/john-wayne-gacy-it.jpg?w=780" class="size-full wp-image-1069832" src="https://www.sopitas.com/wp-content/uploads/2019/08/john-wayne-gacy-it.jpg" alt="" style="-x-ignore: 1" width="1200" height="1200">
John Wayne Gacy, conocido como ‘Killer Clown’.
9.- Tim Curry dio vida a Pennywise y su trabajo ha trascendido en el tiempo. Muchos aplauden la interpretación de Bill Skarsgård, pero aseguran que no supera a Curry. Sin embargo, la historia pudo haber sido diferente, pues el papel también fue pensado para Alice Cooper en la miniserie de los 90. El músico ha participado en varias producciones de terror como Prince of Darkness de Carpenter en 1987 y Monster Dog del 84.

10.- ¿Por qué la película nos muestra a los Perdedores con 27 años encima? De acuerdo con el libro, It regresa en un ciclo de 27 años para alimentarse de los niños y sus peores miedos. Deicide atacar niños porque son más susceptibles al miedo y porque sus temores son fáciles de materializar. Por eso toma forma de araña, tiburón y hasta un payaso.

11.-It es capaz de controlar la mente de los adultos en Derry. En la película de 2017, los adultos parecen ser indiferentes a lo que ocurre en el pueblo como las desapariciones de distintos niños y las conductas que los Perdedores adoptan ante la presencia de Pennywise.

12.- Curiosamente, el remake salió a 27 años del lanzamiento de la miniserie, la adaptación más conocida de It protagonizada por Tim Curry. La primera entrega salió en 1990 y la película de Muschietti se estrenó en 2017.

13.- Una más. El actor que interpretó a Bill en la producción para televisión, murió a los 27 años. Jonathan Brandis fue elegido para interpretar a Bill Denbrough en It de 1990 y con varios proyectos, se convirtió en un actor juvenil popular. Sin embargo, la presión de la fama y el fin de su popularidad, aparentemente lo llevaron a cometer suicidio en 2003.

14.-It es una personaje recurrente de las historias de Stephen King. De acuerdo con algunas interpretaciones, aparece en las novelas de The Tommyknockers de 1987, Insomnia de 1994, Dreamcatcher de 2001 y el cuento de Gray Matter, 11/22/63 y más. No aparece como It, o al menos no se hace mención, sino que se describe a una entidad similar a la de It. La Tortuga, por ejemplo, también aparece en otras obras de King com The Dark Tower.

15.- Bill Skarsgård fue elegido para dar vida a Pennywise, pero no sin antes haber considerado a varios artistas para el papel. Una de las primeras opciones fue Tilda Swinton y Will Poulter. ¿Cuál de los dos te habría gustado?

16.- Bill es capaz de fijar la mirada de cada uno de sus ojos en distintas direcciones. Por petición del Andy Muschietti, el personaje de It mantiene un ojo mirando hacia su víctima y otro hacia la cámara, es decir, hacia la audiencia.

17.- El actor decidió nunca conocer a los actores infantiles para evitar que existiera una relación entre él (Bill Skarsgård) y el personaje de It. Fue tanta su entrega, que incluso tuvo problemas para dormir y conciliar el sueño, pues también estudió la psicología del payaso con base en casos clínicos.

18.- En una entrevista le preguntaron al elenco infantil de It qué actor y actriz les gustaría que los interpretara en su versión adulta. Sophia Lillis pidió a Jessica Chastain mientras Finn Wolfhard pidió a Bill Hader. En It: Chapter 2, estos dos actores interpretarán a Bev y Richie. Los demás mencionaron a Chris Pratt, Chadwick Boseman, Christian Bale y más.

19.- Cary Fukunaga había sido elegido para escribir y dirigir el remake de It, pero se anunció que se retiraba del proyecto por diferencias creativas. El guión de Fukunaga era casi 100 por ciento fiel a la novela de King, incluso propuso la parte en que Beverly mantiene relaciones sexuales con el resto de los Perdedores con el objetivo de unirse nuevamente y poder derrotar a It. El guión fue rechazado, reescrito y Fukunaga apareció como colaborador en los créditos finales.

20.- Fukunaga también le daba un giro de 180 grados al personaje de Beverly. Es la única niña del Club de los Perdedores, y con la escena de la orgía en que todos perdían su virginidad, se planteaba que llegaban a la adultez (eran menos vulnerables a It). Fukunaga buscaba que su personaje no fuera un medio sexual, un objeto de deseo de Bill (la besa para desencantarla) y existiera por sí misma.

21.- ¿Hay alguna forma de vencer a Pennywise? En realidad, sí, y tiene que ver con el Macrocosmos y la famosa tortuga Maturin. Los Perdedores deben realizar el Ritual de Chüd en el que intervienen los beams, es decir, 12 guardianes en forma de animales que sostienen la torre oscura, otro “personaje” de King en su universo literario.

22.- ¿Qué es el Ritual de Chüd y por qué es importante? En la novela, los niños realizan un ritual sin tener éxito, y ya de adultos, lo repiten. En la película de 2017 no aparece ese primer intento, y lo más probable es que aparezca en It: Chapter 2. El Ritual es una lucha de ingenio en el que los personajes creen en cosas imposibles que toman forma y/o se materializan. Los beams (león, murciélago, oso, caballo, rata, lobo, águila, perro, pez, elefante, liebre y tortuga), ayudan a quien quiera derrotar a It.

23.- La novela de King está ambientada en dos épocas. La primera de los niños en 1957 y 1958 que da paso a los eventos de 1985. En It de 2017, la película arranca en 1989, y considerando que Pennywise regresa cada 27 años, entonces estará ambientada en nuestra época.

24.- ¿Por qué los niños flotan? Nunca ha sido revelada la razón por la cual los cuerpos de los niños flotan en las alcantarillas, pero hay varias teorías que apoyan alguna idea. La primera tiene que ver con el lugar en que It se esconde: las cloacas, las cuales están llenas de agua… ¿y qué sucede cuando alguien muere en el agua? Flota. Otra aún más interesante tiene que ver con el libro, y es una especie de zona que no se define ni entre el cielo ni el infierno. It mantiene a sus víctimas en ese espacio, flotando, esperando.
25.- It: Chapter 2 tendrá una duración de dos horas con 45 minutos, una de las películas más largas del año, sin duda (Avengers: Endgame dura poco más de tres horas). Muschietti decidió hacerla tan larga para no dejar pasar ningún detalle importante como la presencia de Maturin.

26.- Mike Hanlon, interpretado por Chosen Jacobs e Isaiah Mustafa, es el único del Club que se queda en Derry. Los otros salen del pueblo y van olvidando lo que sucedió con Pennywise, repitiendo patrones. Al quedarse, Mike mantiene vivo el recuerdo del payaso, y cuando se da cuenta que It regresa, convoca a una reunión. Sin embargo, a diferencia del libro, como señaló el mismo Muschietti, Mike será un drogadicto que no sólo quiere dejar de lado sus traumas, sino explorar las posibilidades para derrotar a It: visiones que le dan la respuesta, y que provienen de un ritual nativo americano.
Mike Hanlon " data-medium-file="https://www.sopitas.com/wp-content/uploads/2019/08/mike.jpg?w=300" data-large-file="https://www.sopitas.com/wp-content/uploads/2019/08/mike.jpg?w=780" class="size-full wp-image-1069828" src="https://www.sopitas.com/wp-content/uploads/2019/08/mike.jpg" alt="" style="-x-ignore: 1" width="2700" height="1800">
Mike Hanlon
27.- It de 2017 supera 80 por ciento de aprobación en Rotten Tomatoes con 86 y 84 para los críticos y las audiencias, respectivamente. Esta cinta se convirtió en la película de terror más taquillera de todos los tiempos.


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EVIL DEAD

La franquicia de Evil Dead es la saga más complicada en la historia del horror, y ha liberado un sin fin de frases repetibles y cientos de galones de sangre ssobre fans dedicados a lo largo de 40 años. Protagonizada por Bruce Campbell como la bolsa de arena perenial Ash Williams -- un vendedor de supermercado con el hábito de enredarse en batallas apocalípticas con demonios astutos -- Evil Dead comenzó como una película independiente de nulo presupuesto y ascendió al alocado mundo de secuelas, reboots, shows de TV, comics, y videojuegos.
Con Evil Dead: The Game en camino, un juego de horror exagerado, con Bruce Campbell dándole voz a Ash, pensamos que sería un buen momento de repasar algunas de las sangrientas páginas del Necronomicon y encontrar algunos datos divertidos de la franquicia que podrías no conocer. Aquí están algunos de los pedacitos babosos y asquerosos del carnaval de sangre creado por Sam Raimi, el cual comenzó en una solitaria cabaña en el bosque.
La primera película se filmó en una sola cabaña... y todos dormían ahí

The Evil Dead de 1981 fue un proyecto de pasión entre los amigos de la infancia Sam Raimi y Bruce Campbell, quien creció haciendo películas en Super 8 en Michigan. Esta primera entrega, inspirada por H.P. Lovecraft, acerca de un mundo de demonios siendo abierto accidentalmente, se filmó al más puro estilo renegado, con un equipo de 13 personas en un lugar remoto en Tennessee.
Aunque la secuela tendría el presupuesto de construir una cabaña exterior y un set para el interior, la primera película tuvo que usar algo real, con todo el equipo también usando la cabaña para dormir, algo que sólo añadió a la dificultad de una filmación pesada.
La cabaña, la cual era usada más que nada como una estación de cacería cuando no estaba, tu sabes, siendo rentada como un agujero infernal Lovecraftiano, se incendió un año después cuando algunos jovenes intrusos se volvieron jovenes fiesteros, finalmente alcanzando su ultima transformación a jóvenes quemando a cenizas una cabaña.
Stephen King fue clave para su popularidad

Tras usar sangre, sudor y lagrimas para hacer The Evil Dead, el director Sam Raimi y compañía mostraron la película a cualquiera que quisiera verla. Eventualmente cayó en manos del distribuidor Irvin Shapiro, que ayudó a renombrarla (se iba a titular Book of the Dead), y la metió al Festival de Cannes. Ahí es donde el legendario autor de terror Stephen King la vio, se enamoró de ella, y la defendió tanto que escribiría una asombrosa reseña, nombrándola su novena película de terror favorita de todos los tiempos. El apoyo sorpresa de King ayudó a la minúscula película a obtener atención con la prensa, prestigio, y un lanzamiento nacional por medio de New Line Cinema.
La longevidad de Ash no estaba planeada

El ahora icónico Ash de Bruce Campbell no iba a durar tanto tiempo como un mata-Deadites. El personaje tuvo nueva vida en la secuela reboot Evil Dead 2: Dead By Dawn -- en donde una infusión de comedia y líneas ochenteras lo transformaron en una especie de superhéroe -- pero originalmente Ash iba a sufrir un destino tradicional de sobreviviente de horror: ser eliminado en un último susto sorpresa al final de la película.
Sam Raimi, en ese punto no imaginando un mundo en donde este personaje regresaría para una secuela o una serie de TV 30 años después, sólo quería que Ash tuviera un doloroso final al terminar la primera película.

 

21 cosas que (probablemente) no sabías de 'Pulp Fiction'


28 años ya. Y muy bien aprovechados, por lo que parece: desde aquel día de octubre de 1994 en el que Pulp Fiction llegó a los cines, son cientos los filmes que han tratado de emular al que, aún ahora, sigue siendo el título mejor valorado de la filmografía de Quentin Tarantino.
Un clásico indiscutible que escandalizó en su día, que recaudó millonadas, que le deparó su primer Oscar (compartido con Roger Avary) al director, y que ahora sigue metiéndose en el saco (o en el maletín, más bien) a las nuevas generaciones de cinéfilos dados su atrevimiento formal, su humor ultraviolento y esos pies de Uma Thurman que cualquiera querría masajear aun a riesgo de su vida.
Como aquí queremos a Butch, Jules, Vincent, Fabienne, Mia, Marsellus y otras piltrafas del hampa como si fueran de nuestra familia, les rendimos tributo con este informe de curiosidades sobre Pulp Fiction.
Del corto a la ¿trilogía?


Quentin Tarantino y Roger Avary
Cinemanía
Como tenemos entre manos una película complicada, atengámonos a los hechos básicos: Pulp Fiction nació de una historia breve que el canadiense Roger Avary, futuro coguionista del filme, quería convertir en cortometraje. Su título era Pandemonium Reigns, y su correspondencia en el producto final hubiese sido la historia del boxeador Butch y su reloj de oro.
Viendo que la cosa tenía posibilidades, Quentin decidió expandir la idea hasta convertirla en una trilogía de películas: Avary dirigiría la primera, él la segunda y el último capítulo recaería en un tercer director cuyo nombre nunca sabremos. Pero la realidad se impuso, y un Tarantino enfrascado en la postproducción de Reservoir Dogs acabó cayendo en la cuenta de que lo de las tres entregas era a lo mejor un poco megalómano...
¿Qué pasa con la pulpa?


Como todos sabemos a estas alturas, el título Pulp Fiction designaba a las novelas y revistas impresas en papel barato (el llamado "pulp" por los impresores), dedicadas a narrar historias de crimen y misterio. Lo que en español llamaríamos "novelas de quiosco", vamos. ¿Por qué optó Tarantino por bautizar así a su criatura? Pues porque quería que el filme evocara la sensación de leer esas publicaciones.
"Quería usar los tópicos más gastados del género, y después sacarlos de quicio", explicó el director. "Se trataba de coger situaciones y personajes que todos conocemos (como el matón que se enamora de la mujer de su jefe), aplicarles las normas del mundo real, y ver cómo se desarrollaban".
Cuentas pendientes en el videoclub


Tarantino en el videoclub
A la hora de escribir el guión de Pulp Fiction, Tarantino optó por mudarse a Ámsterdam: sus días en la capital holandesa, que inspiraron cierto memorable diálogo entre Vincent Vega y Jules Winfield, le permitieron ponerse morado de cannabinoides en un coffee shop llamado Betty Boop... y dejar una considerable cuenta sin pagar en un videoclub local.
Por lo visto, Quentin tenía la mala costumbre de alquilar películas en este establecimiento, de nombre Cult Clash, para después 'olvidarse' de los plazos de devolución. Al final, la suma de sus multas ascendió a la friolera de 180 euros. Teniendo en cuenta que Tarantino trabajó en el negocio videográfico antes de dedicarse a la dirección de cine, este detalle nos parece muy feo. Además, seguro que el muy aprovechado las devolvía sin rebobinar.
¿Quién me financia una obra maestra?


Tarantino con Harvey Weinstein
Según los libros de historia, Pulp Fiction fue una de las películas que consolidaron el dominio de Miramax sobre el cine indie (y también sobre el no indie) en los años 90. Pero, antes de contactar con, glups, los mefistotélicos hermanos Bob y Harvey Weinstein, Tarantino y el productor Lawrence Bender firmaron un acuerdo con Jersey Films, la compañía de Danny DeVito.
¿Cuál fue el problema? Pues que esta empresa dependía a su vez de TriStar, productora que se negó a darle luz verde a Pulp Fiction por "demasiado rara y demasiado violenta". Cabe preguntarse qué caras pusieron los ejecutivos de turno tras del estreno del filme.
Los mil y un repartos posibles


Tarantino con el reparto de 'Pulp Fiction'
Cinemanía
Reunir un reparto para Pulp Fiction fue una tarea complicada por tres razones. La primera, que Tarantino estaba empeñado en que todos los actores principales cobrasen lo mismo, sin importar su caché. La segunda, que el guion estaba pobladísimo de individuos en busca de un rostro. Y, la tercera, que le director no se aclaraba acerca de qué interpretes quería en la película.
El caso más famoso es el de Vincent Vega: aunque Tarantino quiso desde el principio a John Travolta, Harvey Weinstein se empeñó en fichar para el papel a un Daniel Day Lewis entusiasmado por la posibilidad. Como sabemos, Quentin se salió con la suya, resucitando la carrera del actor, condenado (o eso parecía) a vivir bajo la sombra de Danny Zucco y Tony Manero para los restos.
Por su parte, Mickey Rourke (que dijo 'no' sin siquiera leerse el guión, algo que después lamentaría) y Matt Dillon recibieron ofertas para interpretar a Butch el boxeador antes de que el papel recayese en Bruce Willis: el cachas aún no tan calvo, a quien los grandes estudios consideraban una estrella en decadencia, no perdió la ocasión de tarantinizarse. Pero podíamos decir que la decisión de casting más complicada fue la correspondiente a la protagonista femenina...
"¡Dime que sí, Uma!"


Tarantino con Uma Thurman en el rodaje de 'Pulp Fiction'
Cinemanía
Conscientes de que el personaje de Mia Wallace iba a resultar muy popular entre el público, los mandamases de Miramax se empeñaron en que lo interpretase una gran estrella: entre las candidatas de más tronío se hallaron Michelle Pfeiffer (la preferida de Tarantino), Meg Ryan, Daryl Hannah, Joan Cusack e Isabella Rosellini, además de una Halle Berry jovencísima y de la comediante Julia Louis Dreyfuss (Seinfield, Veep). Pero, por más actrices que pasaran por su despacho, Quentin tenía claro que "ella" era Uma Thurman.
Según la leyenda, el director consiguió que la actriz le diera el sí mediante el expeditivo método de llamar por teléfono a su casa y leerle el guión completo de la película. Una de dos: o Thurman cayó entonces en la cuenta de que la película iba a ser un clásico instantáneo, o símplemente accedió para que aquel tipo tan pesado con acento de Illinois se callara de una maldita vez.
¿Cómo van las propinas, Steve?

Entre tanto marasmo en los despachos, Tarantino fue a tiro hecho a la hora de adjudicar dos roles breves, pero memorables: Harvey Keitel fue su única opción para interpretar al Señor Lobo, en parte porque el actor le había echado una mano al sacar adelante Reservoir Dogs, y en parte porque sabía que bordaría el papel.
En cuanto a la aparición de Steve Buscemi como 'Camarero Buddy Holly' en el restaurante Jackrabbit Slim's, ésta se debió a una refinada mala leche: como recordarás, el personaje de Buscemi en Reservoir Dogs se niega a dar propina a la camarera durante la escena inicial, así que a Quentin le pareció muy divertido adjudicarle al actor un rol que se gana la vida sirviendo mesas. Y con un disfraz bastante feo, además.
El ídolo del grunge y el inyectable de adrenalina


Tan mítica como impactante (según se dice, una espectadora del Festival de Nueva York se desmayó al verla), la escena del inyectable de adrenalina sirvió a Tarantino para lograr uno de los momentos cumbre de la película, amén de para exhibir su enorme colección de juegos de mesa. Pero también le creó algún quebradero de cabeza que otro: en principio, Quentin pensaba reservarse el papel del camello Lance (Eric Stoltz), pero prefirió renunciar a él para así poder centrarse en sus cometidos detrás de la cámara.
Por otra parte, según ha afirmado Courtney Love, el cineasta le ofreció el rol del traficante a Kurt Cobain: de acuerdo con esta versión de la historia, el líder de Nirvana se habría negado a aparecer en la película, pero aun así habría agradecido la oferta mencionando a Tarantino en los créditos de In Utero, el que habría de ser su último álbum de estudio.
Sobredosis inversa

La escena de la adrenalina merece otro comentario aparte: a fin de evitar que el sensible esternón de Uma Thurman sufriese daños, Tarantino optó por filmarla al revés. Es decir, que en el plató John Travolta presionó la jeringa contra el pecho de su partenaire, para después levantarla rápidamente. El movimiento fue invertido en postproducción, con los resultados que todos conocemos. Sabiendo esto, la cara que pone Rosanna Arquette nos extraña un poco menos.
Una canción de amor griego (y egipcio)

Además de a ese diálogo tan tierno entre Tim Roth y Amanda Plummer, el comienzo de Pulp Fiction está asociado indefectiblemente a la canción Misirlou interpretada por Dick Dale. Un tema con mucha historia, porque fue compuesto en Anatolia (Turquía) en 1927, y muy trágico en el fondo, puesto que su letra habla del amor imposible de un chico griego por una joven egipcia.
Dale, cuya familia procedía de Líbano, se había acostumbrado a oír la canción en casa, y en sus conciertos solía marcarse el punto de interpretarla usando una sola cuerda de su hiperveloz guitarra surfera. Según Tarantino, la canción apareció en el filme porque su estilo le recordaba a las composiciones de Ennio Morricone.
Entre Chuck Berry, Godard y Fellini

Por supuesto, teníamos que reservarle un hueco en este informe al famoso baile entre Vincent Vega (Travolta) y esa Thurman descalza y sibilina. En sí misma, la escena supone un recordatorio de que, bajo sus modos de gañán, Tarantino esconde a un auténtico erudito del cine: está inspirada por un momento bailongo en Bande á part (la película de Jean-Luc Godard en cuyo honor bautizó a su productora) y su coreografía viene de Ocho y medio, el clásico surrealista-autobiográfico de Federico Fellini.
Señalemos que Uma Thurman no las tenía todas consigo durante el rodaje: cansada de la insistencia de Quentin, quien se empeñó en que ella y John replicasen al original movimiento por movimiento, la actriz hizo notar que You Never Can Tell (la canción de Chuck Berry que suena durante la escena) no le gustaba nada. La respuesta de Tarantino: "Tú hazlo y confía en mí: va a ser perfecto". Y lo fue, qué duda cabe.
Ben Stiller, los comanches y la sodomía

Nuestro tercer repaso al trasfondo musical de Pulp Fiction tiene implicaciones de lo más sórdidas. Taradas, incluso. Porque, para la escena en la que Marsellus Wallace (Ving Rhames) se ve objeto de las atenciones anales de dos palurdos psicópatas, Tarantino quería emplear My Sharona, el éxito New Wave publicado por el grupo The Knack en 1979.
¿Dónde estuvo el problema? Pues en que Ben Stiller se había reservado ya los derechos del tema para Bocados de realidad. Inasequible al desaliento, nuestro hombre buscó en la colección de discos de sus amigos Chuck Kelley y Ada Lovelace hasta dar con el sustituto ideal: Comanche, otro instrumental surfero, en este caso grabado por The Revels. "Después de ver la película, nadie podrá escuchar esta canción sin pensar en la sodomía", declaró un orgulloso Tarantino cuando se estrenó el filme.
¿Seguro que esto está en la Biblia?

Decididamente, no tenemos perdón de Dios: llevamos ya medio reportaje, y aún no hemos hecho mención a la parrafada bíblica que Jules Winnfield suelta antes de matar a una de sus víctimas. Una parrafada que, todo sea dicho, no se encuentra en el libro sagrado: si buscas el versículo 17 del capítulo 25 del Libro de Ezequiel, verás que el texto se limita a señalar: "Y haré en ellos grandes venganzas con reprensiones de ira; y sabrán que yo soy Jehová, cuando diere mi venganza en ellos".
Lo del camino del hombre recto y la tiranía de los hombres malos fue extraído por Tarantino del guion de Karate Kiba, un filme de artes marciales fechado en 1976 y protagonizado por su admirado Sonny Chiba (el futuro Hattori Hanzo de Kill Bill). Según reconoce el cineasta, muy chulo él, ni siquiera se molestó en comprobar si el original bíblico se correspondía con el texto de la cita.
La tirita en la nuca del gángster

El hecho de que el imponente Marsellus Wallace luzca una tirita en la nuca ha sido objeto de especulaciones de todo tipo: según algunos, esa cicatriz indicaría que el personaje ha vendido su alma, la cual habría sido extraída por Satán a través de una abertura en el cráneo.
La realidad, nos tememos, es mucho más prosaica: Ving Rhames se había cortado al afeitarse la cabeza. Al ver la tirita, Tarantino consideró que ese detalle atraería el ojo del espectador, y optó por rodar su famoso discurso a Bruce Willis ("Es el orgullo, que intenta joderte") desde un único ángulo, en lugar de mediante el rutinario recurso al plano y contraplano.
La maldita maleta

Efectivamente: ahora nos toca abordar el elemento de Pulp Ficton más discutido, rebatido y especulado a lo largo de las décadas: el contenido de esa maleta que brilla por dentro, y cuyos cierres tienen la combinación "666". ¿Qué se halla en su interior? ¿Será el alma de Marsellus Wallace? ¿Serán los diamantes robados por los protagonistas de Reservoir Dogs, como aseguraba el primer borrador del guión? ¿Será el traje dorado de Elvis Presley?
Pues, si nos atenemos a las palabras de Tarantino, nada de eso: el recipiente sólo contiene "un par de bombillas pintadas de naranja". En 2007, durante una entrevista con el amiguete Robert Rodriguez para promocionar Grindhouse, Quentin se decidió a hacer público el misterio de una vez por todas, pero debió pasar algo raro porque, justo en ese momento, la película se cortó... A juzgar por la cara de Rodriguez, no obstante, la revelación debió ser de aúpa.
Un arsenal de culto

Enumerar todos los guiños que contiene Pulp Fiction nos llevaría un reportaje entero, y tampoco es plan. Solo dejemos constancia de que el cineasta aprovechó para colar referencias a sus películas favoritas prácticamente en cada escena, y que dicha tendencia llega a su máxima expresión cuando Bruce Willis busca un arma adecuada en la casa de empeños de Zed.
El martillo corresponde a The Toolbox Murders (1978), el bate de béisbol a Los intocables de Eliot Ness, la sierra eléctrica a La matanza de Texas y, finalmente, la katana a una larguísima lista de filmes japoneses de artes marciales, en la que (siendo Quentin como es) seguramente figurarán Los siete samuráis y Shogun Assassin.
El 'tarantinoverso' desencadenado

Escribiendo Pulp Fiction, Tarantino dio los primeros pasos en esa continuidad subterránea que recorre casi todas sus películas: además de la (finalmente abortada) referencia a los diamantes robados por el Señor Blanco y compañía, la película tiene otro vínculo con Reservoir Dogs en el hecho de que Vincent Vega es el hermano de Vic Vega, ese Señor Rubio aficionado al corte de orejas.
Por otra parte, basta con ver las dos partes de Kill Bill para saber que los cigarrillos Red Apple y la cadena de hamburgueserías Gran Kahuna ("La piedra angular de todo nutritivo desayuno", como diría Jules) son presencias habituales en el planeta privado de Quentin. Para que ahora digan que los universos compartidos son la última novedad de Hollywood...
Pulpa de Palma (de Oro)

Pese a los numerosos detractores con los que Tarantino contaba en los 90 (que si Reservoir Dogs había supuesto un peldaño más en la degeneración moral del cine, que si su violencia era injustificable y tal) Pulp Fiction gozó de un considerable éxito crítico tras su estreno. Algo ratificado cuando, para sorpresa de muchos, el filme se llevó la Palma de Oro en Cannes 1994.
El jurado presidido por Clint Eastwood optó por concederle el premio gordo a la cinta, que se alzaba así sobre filmes firmados por Kieslowski (Tres colores: Rojo), Abbas Kiarostami (A través de los olivos) y otros cineastas de mucho relumbrón intelectual. Dicho fallo, huelga decirlo, despertó cierta polémica: para la historia quedan los gritos de esa espectadora que llamó "¡Fascista!" al director cuando éste recogía su trofeo, así como la rotunda higa con el que Quentin respondió desde la tribuna.
Haneke no le ve la gracia

Entre los más ilustres detractores de Pulp Fiction brilla con luz propia Michael Haneke: el director austríaco (La pianista, La cinta blanca) reconoció haber sufrido un considerable shock durante un pase de la película "en una sesión matinal llena de chavales". "La escena en la que le pegan un tiro en la cabeza a un chico negro me horrorizó, pero el público pensó que era genial y se partió de risa", comentó el espantado cineasta, quien acto seguido concibió Funny Games (1997) como una protesta ante tamaña banalización de la violencia.
Es decir, que una de las películas más extremas de todos los tiempos nació como homenaje al bueno de Marvin. Con esto, Haneke erró el tiro aún más que Vincent Vega: Funny Games fue acogida por entusiasmo por los fans del terror y el gore. Diez años después, tropezó en la misma piedra con un remake en inglés fotocopiado plano a plano.
La precuela que nunca veremos


Los hermanos Vega
Como es sabido, Tarantino gusta de coleccionar proyectos inacabados como otros atesoran canguros de porcelana. En esa lista tan larga, figura un filme que debería haberse titulado The Vega Brothers o Double V Vega, y que debería haber funcionado a la vez como precuela de Reservoir Dogs y de Pulp Fiction, mostrándonos el pasado del sádico Señor Rubio y del desastroso Vincent.
Tarantino se pasó años insistiendo en que quería rodar la película, incluso durante las ruedas de prensa para presentar Kill Bill, y al constatar que Travolta y Michael Madsen no estaban por la labor barajó la idea de cambiar la premisa, usando como protagonistas a otros miembros del clan Vega de los que no hemos oído hablar aún. No obstante, en 2007 admitió que todos los actores se habían puesto “demasiado gordos”. “Es poco probable que llegue a rodarla”, concluyó.
Poniendo orden en el asunto

Uno de los aspectos más celebrados de Pulp Fiction es su montaje acronológico, que juega con los flashbacks, los flashforwards y otros flashes para volver aún más mareante las historias cruzadas del guión. Por ello, no han faltado los aficionados al fan edit que han querido plantarle un órdago a Tarantino reorganizando la película a la usanza clásica, empezando por el principio (el monólogo de Christopher Walken, contando la historia del reloj de oro custodiado por vía rectal) y acabando por el último momento del relato, que debería ser ese "Zed está muerto, nena".
Las iniciativas a este respecto han llegado hasta el punto de volver a montar el metraje entero, pero (una vez que los ángeles del copyright han hecho de las suyas) actualmente son más habituales las ediciones resumidas como la que te mostramos arriba.


https://www.20minutos.es/cinemania/noticias/21-cosas-que-probablemente-sabias-de-pulp-fiction-25676/

 

¡curiosidades sobre Saw!
1.- El origen de la archiconocida serie de películas de terror viene de un cortometraje de 9 minutos estrenado un año antes del primer largometraje.

2.- Su director y co-guionista, James Wan, estaba tan seguro del éxito que tendría el primer largometraje de Saw que decidió renunciar a su sueldo para optar a más beneficios una vez la película se estrenase. ¡Vaya acierto! Los ingresos del film fueron millonarios.

3.- La actriz Shawnee Smith tuvo que grabar todas sus escenas de la primera entrega en un solo día… ¡con casi 40 grados de fiebre!

4.- Y es que la película al completo tan solo contó con 18 días de rodaje. Todo un logro.

5.- En un principio, la película iba a estrenarse directamente en videoclubs, pero tuvo tan buena acogida en los Festivales de Sundance (donde se estrenó) y Toronto que finalmente se decidió llevar a las salas de cine.

6.- Algunas de las espeluznantes trampas que se utilizan en las películas están basadas en pesadillas que Whannell y Wan tuvieron de niños.

7.- Al inicio de la preproducción, el terrorífico ventrílocuo Billy iba a llevar sombrero (en el cortometraje podemos verlo con él), pero en último momento se decidió que no lo usase en las películas.

8.- Todas las escenas del baño se rodaron en orden cronológico para que los actores (entre los que se encuentra su propio creador, Leigh Whannell).

9.- La película cuenta con numerosos guiños al gran genio del «giallo» Dario Argento, como el hecho de que de Zep (Michael Emerson) use guantes negros, clara referencia directa a este recurso utilizado asiduamente por el cineasta italiano.

10.- Los creadores de Saw han afirmado haber basado su guión en otras grandes obras del cine de terror como Se7en (1995) y Cube (1997).

https://actualidad.tuamc.tv/archivo-canalxtrm/10-curiosidades-sobre-saw/

 

7 cosas sobre La Naranja Mecánica que quizá no sabes

Si de clásicos del cine y la literatura se trata, La Naranja Mecánica es uno de los que debería estar en la lista. Como película ha marcado la diferencia, y también ha dejado a muchos espectadores desconcertados, porque tenemos que reconocer que es bastante extravagante, y mucho más para la época en la que se estrenó.
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Pero si hay algo que debemos reconocerle a esta película es que su atemporalidad la ha convertido en toda una joya de la industria, y sus mensajes generan el mismo impacto que hace 40 años. A continuación, repasamos algunas curiosidades de la cinta basada en la novela de Anthony Burgess.

1. Se inspira en un hecho real
La escena de la violación es una de las más impactantes de la película, sobre todo para aquel momento en el que no se acostumbraba a mostrar escenas tan fuertes. Por lo tanto, que ese momento haya llamado la atención no es novedad, pero el dato curioso es que esa escena en particular, y su correspondiente en el libro, son inspiradas en un hecho real vivido por Burgess, el escritor de la novela.
Trágicamente su esposa fue violada por un grupo de hombres durante su embarazo, y acabó perdiendo a su hijo. Un hecho tan duro llevó al escritor a plasmar una escena de ese tipo en su obra.
2. El protagonista se lastimó de verdad
A pesar de que el protagonista, Malcolm McDowell, estaba bajo anestesia al momento de rodar las escenas de tortura, acabó sintiendo dolor de todas formas. Y es que las pinzas que colocan en sus ojos son utilizadas en pacientes que están acostados, pero el director insistió en que la escena se hiciera con el personaje sentado.
Por esa razón, McDowell acabó con lesiones en la córnea, y la escena tuvo que ser mucho más breve de lo que se pretendía. Incluso, un médico de verdad aparece en la escena, y era quien se encargaba de humedecer sus ojos mientras tenía los ganchos en los párpados, para que no se secasen.

3. «Singing in the Rain» improvisado
Mientras transcurren las escenas más violentas de la película (la golpiza y la violación), el protagonista canta «Singing in the Rain», y lo curioso es que ese momento fue improvisado por el propio actor. A pedido del director, debía bailar, y acabó cantando esa canción que era la única que se le venía a la mente. Así fue como terminaron adquiriendo los derechos de la canción para poder utilizarla.
4. Darth Vader aparece en la película
¡Así es! El actor David Prowse, quien estuvo detrás del traje de Darth Vader en la trilogía original de Star Wars, formó parte del reparto.
5. La escena final fue grabada 74 veces
El director Stanley Kubrick se caracterizaba por ser todo un perfeccionista, y por eso pensaba cada una de las escenas meticulosamente, y acabó haciendo la escena final de la cinta en la que los periodistas visitan a Alex en el hospital, nada más ni nada menos que 74 veces.
6. Casi actúan los Rollings Stones

Curiosamente, Burgess le vendió los derechos de la historia a nadie menos que Mick Jagger, a tan solo 500 dólares porque necesitaba dinero rápido. El líder de los Rolling Stones quería que todos los integrantes de la banda fuera los «droogs» en la película, pero finalmente, por problemas de censura y asuntos legales, tuvo que volver a vender los derechos, y todo quedó en la nada.
7. El protagonista estuvo en peligro
Como si lastimarse rodando una escena fuera poco, McDowell puso en riesgo su vida durante otra de las escenas de la cinta. En ella, unos policías sumergen a Alex bajo el agua, quien estuvo a punto de ahogarse ya que el aparato que le permitía respirar sin problemas tuvo algunas fallas.

https://www.univision.com/entreteni...-sobre-la-naranja-mecanica-que-quiza-no-sabes

 

100 curiosidades que quizás no conozcas sobre nuestros 100 clásicos de Metro-

1. TORO SALVAJE
La película que salvó a Martin Scorsese. Tras caer en una adicción a las drogas, concretamente a la cocaina, la carrera de Scorsese parecía acabada, hasta que llegó Robert de Niro, actor con el que ya había trabajado en "Taxi Driver", para convencerle de que debía rodar "Toro Salvaje", sin excusas. Tal fue su insistencia, que el director neoyorkino acabó por hacerle caso, rehabilitándose por completo de las drogas y consagrándose como uno de los genios de su generación. Y es que más allá de suponer el mejor trabajo de Scorsese, "Toro Salvaje" es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos.


2. COWBOY DE MEDIANOCHE
En su estreno original, la película fue clasificada como X en Estados Unidos, una calificación que solía asociarse a las películas porno y que provocaba rechazos entre algunos distribuidores. Más tarde, en 1971, se otorgó una nueva calificación a la película, R, que avisa de que los menores de 17 años deben ir acompañados de sus padres. Aún así, "Cowboy de Medianoche" ha quedado como la única película clasificada como X en ganar un Oscar a la Mejor Película.


3. WEST SIDE STORY
Elvis Presley sonó para el papel protagonista de Tony pero, disuadido por su agente, acabó por rechazarlo. Más tarde se arrepentiría de ello. Natalie Wood por su parte no era la candidata inicial para el papel de Maria. Este debía ser interpretado por Audrey Hepburn pero la actriz, embarazada de su esposo, el también actor Mel Ferrer, se vio obligada a rechazar la oferta. La censura vetaría la proyección de la película en las pantallas españolas hasta 1962, los españoles debían cruzar los Pirineos para visionar sus escenas tal y como hacían con el cine erótico o con las producciones experimentales de Bergman. En Barcelona "West Side Story" fue la primera película representada en la sala Aribau coincidiendo con su inauguración, encabezando su cartelera durante más de año y medio.


4. PLATOON
Todos los actores se vieron inmersos en un duro entrenamiento militar de trece días antes de comenzar el rodaje. Fue diseñado por Oliver Stone para que los actores se vieran inmersos y se hicieran una idea de las condiciones en que estaban aquellos soldados. Para ello hacían maniobras con rifles m-16 y equipos de más de 40 kilos en plena jungla. La comida consistía en unos paquetes de comida fría especialmente preparada para los soldados. Al anochecer, se debían de atrincherar en hoyos para dos personas y se turnaban para hacer guardias. Cuando finalizó el entrenamiento, sin tiempo para descansar, comenzó el rodaje. Con él, Stone consiguió plasmar el cansancio de los soldados en los rostros de los actores. En las academias de oficiales del Ejército de Estados Unidos se utiliza el papel del Teniente Wolfe como ejemplo de como no debe ser un joven oficial.


5. HECHIZO DE LUNA
Cher ya había hecho cosas en el mundo de la interpretación, y de hecho había sido nominada a un Oscar anteriormente por "Silkwood". Sin embargo, todavía tenía las dudas de si el público la tomaría en serio como actriz. El papel de Loretta la hacía sentir incómoda porque era más complejo comparado con lo que había hecho. Esto la hacía creer que había más riesgos de que saliera mal. Aun con todas estas inseguridades, decidió probar. Está claro que hizo muy bien, ya que suyo fue el Oscar.


6. LA AVENTURAS DE PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO
Como muestra de orgullo de la cultura popular australiana, el Priscilla, el autobús turístico de la película, participó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de Sídney 2000. El autobús estuvo en el desfile luciendo en su techo un tacón de aguja gigante y estuvo acompañado de drag queens con pelucas grandes en homenaje a la cinta y también a la comunidad LGBT de la ciudad.


7. EL SILENCIO DE LOS CORDEROS
Al personaje de Anthony Hopkins le pirran los sesos humanos pero la inspiración para este psicópata no viene de un caníbal, sino de un dentista. No uno en concreto, más bien todos los dentistas del mundo. El actor convenció al director Jonathan Demme y el diseñador de vestuario Colleen Atwood de vestir a Lecter de blanco en vez de naranja. La idea le llegó por su miedo a los dentistas. "El silencio de los corderos" es la única película de terror con Oscar a mejor película. Las otras pocas nominadas en la categoría han sido "El exorcista", "Tiburón", "El sexto sentido", "Cisne negro" y "Déjame salir".


8. TERCIOPELO AZUL
"Terciopelo Azul" tiene varias referencias a Abraham Lincoln y su posterior asesinato. Los apartamentos del filme se sitúan en la calle Lincoln y el apellido de Frank Booth está basado en el del asesino de Lincoln, John W. Booth. "Vértigo", "La noche del cazador" y "Un perro Andaluz" están entre sus principales influencias. Woody Allen dijo de ella que era la mejor película que había visto con diferencia en mucho tiempo.


9. TERMINATOR
James Cameron que tuvo la idea inicial en un hotel de Roma en el que se encontraba durante el rodaje de un spot televisivo. En concreto, la inspiración le llegó al director durante una noche de fiebres y mareos en la que despertó con la imagen de un Terminator surgiendo de una bola de fuego. Consciente de estar ante un punto de partida más que interesante para comenzar a escribir un guión, Cameron se levantó de inmediato y corrió a dibujar lo que serían los primeros bocetos de uno de sus personajes más memorables.


10. MALAS INFLUENCIAS
Fue concebida por su guionista David Koepp como una especie de variación 'High Tech' del clásico ''Extraños en un tren'' de Hitchcock con toques de ''Mujer, blanca, soltera, busca'". Además de suponer uno de los mejores papeles que Rob Lowe ha interpretado en su carrera (el primero como villano) también supuso la obra que puso en el punto de mira a Curtis Hanson, maestro del neo-noir que a continuación crearía "La mano que mece la cuna", "Río Salvaje" y la oscarizada y mundialmente aclamada "L.A. Confidential".


11. CUANDO HARRY ENCONTRÓ A SALLY
El orgasmo más icónico de la historia del cine ni siquiera estaba en el primer borrador de su guión. Por no estar, ni siquiera estuvo en la versión que algunas aerolíneas ofrecían a bordo de sus aviones. La idea de fingir el orgasmo, por obra y gracia de su protagonista, llevó a Meg Ryan y Billy Crystal a una de las mesas del restaurante Katz's Delicatessen de Nueva York, donde sus famosos sándwich de pastrami vieron emerger el negocio a partir de la instalación de una placa que animaba a vivir la misma experiencia sensorial que erotizó aquel símbolo femenino.


12. EL MISTERIO VON BÜLOW
Jeremy Irons consiguió su primera y única nominación al Oscar hasta la fecha por su interpretación, que acabaría ganando. Y lo hizo dando vida al personaje real Claus von Bulow, quien fue declarado culpable pero luego absuelto de intentar asesinar a su esposa adinerada en dos juicios que atrajeron una intensa atención internacional en la década de 1980. Murió este mismo 2019, el 31 de mayo concretamente, a los 92 años de edad.


13. RAIN MAN
En el guion original de "Rain Man" se decía que Raymond era una persona amigable y feliz, pero después de una lectura inicial, el actor Dustin Hoffman sugirió que el personaje fuese un autista recluso. Sugerencia que terminó siendo aceptada.


14. UN PEZ LLAMADO WANDA
Michael Palin pasó a fundar el Centro de Londres para niños de la tartamudez después de que un grupo de tartamudos se enfrentó a él con respecto a la sensibilidad con la que se ocupó de la discapacidad del personaje Ken en esta película. Asimismo, la escena en la que Otto se sienta en el fondo detrás de Wanda (Jamie Lee Curtis) es una reminiscencia de una escena en "Halloween", en la que el personaje de Michael Myers se sentó detrás de Curtis. John Cleese siempre ha considerado "Un pez llamado Wanda" su película favorita.


15. EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS
La idea de la película surgió gracias a una fantasía sexual del director, Bernardo Bertolucci, quién afirmó que "una vez soñó con mantener relaciones sexuales con una completa desconocida". Una fantasía que finalmente se convirtió en un polémico clásico cinematográfico.


16. ROBOCOP
En determinado momento de "Robocop", un boletín de noticias anuncia la destrucción que ha provocado un láser sobre una zona residencial de Santa Bárbara, causando la muerte de dos ex presidentes de los Estados Unidos. En el momento en que se estrenó la película, Richard Nixon y Ronald Reagan vivían en Santa Bárbara. Blanco y en botella. Paul Verhoeven incluyó toda una serie de críticas a la sociedad a través de los anuncios televisivos y la forma sensacionalista en la que se expresan los medios en sus películas. Además, pone en evidencia al sistema policial, siendo todo un panfleto anticapitalista y misógino con el que poder denunciar la corrupción política.


17. LA PUERTA DEL CIELO
Es señalada como el ocaso de lo que supuso el Nuevo cine americano o Nuevo Hollywood. Su fracaso de público y crítica también marcó la caída de los grandes estudios de la época dorada (lo pasó realmente mal y fue crítica la situación en que se quedó United Artists). Por otra parte, tiñó de director maldito a Michael Cimino que había sido encumbrado con "El Cazador" y hundido con "La puerta del cielo"… y nunca volvió a levantar totalmente la cabeza. La cantidad de celuloide filmado y una obra final de cinco horas hizo que ante el terror de la hecatombe el propio director cortara y cortara, así exhibió en los cines una versión de 148 minutos. Sin embargo, el paso del tiempo le ha hecho justicia y tras restaurarse la versión del director con el metraje original de 216 minutos ha sido encumbrada como una de las obras magnas mas relevantes de la historia del cine.


18. EL TREN DE BERTHA
El segundo largometraje de Martin Scorsese, y uno de los menos conocidos, nació tras el éxito de "Mamá sangrienta", de Roger Corman y otras películas de gángsters con protagonista femenina. Corman, impresionado por "Who’s That Knocking", le ofreció su primer trabajo como director comercial. Scorsese aceptó. "El tren de Bertha" fue concebida como una nueva versión de "Bonnie y Clyde", sin embargo, su principal objetivo no era otro que presentar a una mujer criminal como protagonista para tratar de repetir el éxito que "Mama Sangrienta" tuvo en taquilla. No llegó a tanto, por mas que bien lo mereciera.


19. LENNY
Lenny es todo un personaje, un icono absoluto del stand-up comedy. En los años 60 encandiló a la sociedad americana con sus discursos mordaces y su original charlatanería. El ganador de dos Oscar, Dustin Hoffman, da vida a este controvertido cómico americano. Una película extraordinaria que en 1974 consiguió seis nominaciones a los Oscar, incluyendo el Oscar a la mejor fotografía.


20. ANNIE HALL
Aunque todos la hayamos conocido con el título que tiene su personaje protagonista, durante mucho tiempo "Annie Hall" no se llamó así, sino "Anhedonia", un término griego que significa ‘imposibilidad de sentir placer’. Un título confuso elegido por el propio Woody Allen que no gustó a los productores y que finalmente se cambió por uno más conciso y fácilmente recordable. Un acierto.


21. MANHATTAN
Aunque parezca increíble, Woody Allen considera "Manhattan" una de las grandes decepciones de su carrera, señalando que se trata de uno de sus trabajos menos conseguidos. Tanto es así que el cineasta llegó al punto de proponer a los responsables de United Artist dirigir una película gratis a cambio de que "Manhattan" nunca llegara a estrenarse. En la actualidad, Allen no ha cambiado de opinión y asegura que en aquel momento "lo que pensé fue: si, en este punto de mi vida, esto es lo mejor que puedo hacer, no deberían pagarme por hacer películas". Escuchar para creer.


22. HANNAH Y SUS HERMANAS
Aunque bastantes escenas se rodaran en el apartamento de Mia Farrow, esta y sus hijos realizaban las rutinas de vida diaria mientras el equipo de rodaje trabajaba. Procuraban no molestar ni interferir en el proceso de preparación. Aunque no careciera de cierto frenesí tanto para la familia como para los integrantes del equipo del rodaje. A Michael Caine le gustaba observar a Mia en sus tareas domésticas. Cómo podía pasar de una labor a otra sin complicación alguna. Podía estar alimentado a uno de sus hijos, y ser interrumpida por un ayudante de dirección que le requería para rodar una escena. Ella colocaba los cubiertos en el plato, caminaba tranquilamente hacia el lugar de rodaje y se preparaba para actuar.


23. LA ROSA PÚRPURA DEL CAIRO
La nostalgia es terriblemente caprichosa: algunos se suicidan; otros se alcoholizan. Woody Allen fue capaz de canalizar toda su tristeza en una película: La rosa púrpura del Cairo, su filme más querido. Ante su incapacidad para entender por qué el público rechazaba ese placer celestial de ir al cine, de confundir fantasía y realidad, surgió un argumento. “Me dije: ‘oye, pues sería divertido que un personaje saliera de la pantalla para entrar en la vida de una espectadora que no tiene nada. Y sería muy romántico que la hiciera entrar en la película”. Escribió la mitad de la película del tirón antes de que le llegara el bloqueo creativo. Cuatro meses sin añadir una línea. De repente, se le abrieron los cielos: “Solo regresé al guión cuando comprendí que el actor real también tenía que aparecer en escena”.


24. ALICE
Woody Allen encontró la inspiración para "Alice" tras salirle un orzuelo en el ojo, lo cual le llevó al acupunturista. A partir de aquí el incidente comenzó a crecer en su imaginación, floreciendo y plegándose sobre sí mismo, y finalmente se convirtió en una historia sobre Mia Farrow en la que da vida a una rica esposa florero de Nueva York que se ve obligada a evaluar cada aspecto de su vida después de que un extraño anciano de Chinatown le de una serie de hierbas mágicas de sorprendentes efectos.


25. SEPTIEMBRE
De acuerdo con un reportaje de 2011 publicado en Movieline Magazine, "Septiembre" es la menos taquillera de todas las películas de Woody Allen con una recaudación de sólo 486.484 dólares. La trama en la que Mia Farrow mata al hombre que maltrató a su madre (Elaine Stritch) está inspirada en la vida de Lana Turner, cuya hija de 14 años, Cheryl Crane, mató al gangster Johnny Stompanato en 1958.


26. DÍAS DE RADIO
El conocimiento enciclopédico de Woody Allen sobre el pop y el jazz anteriores a 1950, evidente en la mayoría de las bandas sonoras de sus películas, fue la inspiración para "Días de Radio": "Se originó a partir de una idea de que quería elegir un grupo de canciones que fueran significativas para mí, y cada una de esas canciones sugirió un recuerdo", recordó el cineasta en el libro Woody Allen on Woody Allen. "Entonces esta idea comenzó a evolucionar: lo importante que era para mí la radio cuando era niño y lo importante y glamoroso que parecía para todos".


27. INTERIORES
Supone la primera película no cómica, intrínsecamente dramática, de Woody Allen. Inspirado nuevamente por el cine de Bergman, "Interiores" se revela en un vehículo de lucimiento para su director de fotografía, Gordon Willis, que venía de encumbrarse por todo lo alto con "El Padrino: parte I y II". El reto era mayúsculo, y este no era otro que rodar en oscuridad natural sin empleo alguno de luz, sobre todo en sus escenas finales.Tampoco tiene empleo de música extradiegética y a pesar de estar su historia ubicada en el corazón de Nueva York, imperan en todo momento los interiores de una casa que estaba realmente ubicada en Southampton, Long Island, lejos de la Gran Manzana.


28. SOMBRAS Y NIEBLA
Rodada en blanco y negro en un enorme escenario sonoro en Nueva York, supuestamente el más grande jamás construido en la ciudad, al menos en ese momento, "Sombras y Niebla" evoca y homenajea el expresionismo alemán de maestros como Fritz Lang y FW Murnau a través de un abundante empleo de, en efecto, sombras y niebla. Las sombras del "M" de Fritz Lang en la escena de apertura son su inapelable carta de presentación.


29. OTRA MUJER
Woody Allen filmó su propia versión de "Fresas salvajes", de Bergman, contando con una excelente Gena Rowlands en el papel de una mujer que afronta un punto de inflexión en su vida. El concepto central de "Otra Mujer" se basa en una mujer que escucha las sesiones de terapia de otra. La idea se le ocurrió a Allen como una comedia, pero años más tarde la convirtió en la base de un drama. Volvería a convertir la idea en una comedia en una de las historias de "Todos dicen I Love You" (1996).


30. BROADWAY DANNY ROSE
Una carta de amor a sus raíces cómicas, "Broadway Danny Rose" marca el momento en que Allen logró sintetizar su influencia europea y su humor estadounidense en algo propio. Es una historia pequeña, y corta, pero la historia de Allen está llena de corazón y crea dos de sus mejores personajes en Danny y Tina. También marca la primera actuación estelar de Mia Farrow en una película de Woody Allen.


31. RECUERDOS DE UNA ESTRELLA
"Recuerdos de una estrella" destaca por el particularísimo homenaje que Woody Allen rinde a Fellini, concretamente a "Ocho y Medio". También por resultar la película que marca el debut en el cine de Sharon Stone. A pesar de ser señalada por muchos como su primer patinazo, la película guarda secuencias, momentos, verdaderamente memorables.


32. BANANAS
Es la tercera película de Woody Allen, una de las primeras en las que el director neoyorquino consiguió un control casi total sobre las decisiones creativas, de ahí a que una gran parte esté improvisada. Una situación que dio hilarantes escenas, como la de los músicos silenciosos, que improvisaron su mímica porque la compañía de alquiler de instrumentos les falló ese día. Como nota final, esta es también una de las primeras películas donde Sylvester Stallone aparece acreditado, pero le tuvo que rogar a Woody Allen que le escogiera ya que el director no le consideraba lo suficientemente “duro” para su papel.


33. TODO LO QUE SIEMPRE QUISO SABER SOBRE EL SEXO Y NUNCA SE ATREVIÓ A PREGUNTAR
La enemistad entre Woody Allen y el autor original de la novela, el Dr. David Reuben, se remonta a cuando el director neoyorquino le vio en un late show norteamericano apropiándose de uno de sus primeros chistes en “Toma el dinero y corre”. Como venganza, decidió adaptar, muy a su manera, las enseñanzas del buen doctor, quien tampoco acabó muy contento con el resultado. Tras verla espetó del trabajo de Allen: “No he disfrutado de la película porque me ha parecido una tragedia sexual. Cada episodio era la crónica de un fracaso sexual, lo cual es todo lo contrario a lo que intenta expresar el libro”.


34. LA COMEDIA SEXUAL DE UNA NOCHE DE VERANO
La primera colaboración entre Woody Allen y Mia Farrow, quien se acabaría convirtiendo en una de sus musas más destacadas junto con Diane Keaton. Además, fue la primera película que marcaría todos los títulos de créditos de las posteriores películas de Allen hasta la fecha, con su clásico “Cast (in Alphabethical Order)”.


35. FARGO
El título de la película se refiere a la localidad del mismo nombre situada en Dakota del Norte. Sin embargo, y salvo un par de planos en exteriores,ni una sola escena se filmó en "Fargo" : el rodaje se realizó durante el invierno más caluroso de los últimos cien años, por lo que el equipo tuvo que trasladarse a diferentes localidades de Minessotta y Canadá. Aunque la película abre con el clásico rótulo de "basada en hechos reales", dicha afirmación era en realidad una estrategia comercial de los Coen, convencidos de que la supuesta veracidad de una historia tan truculenta atraería a más espectadores. Pero no deja de ser una una verdad a medias: para su historia, los cineastas bien pudieron inspirarse en sendos crímenes cometidos en Minnesota en 1962 y 1972, y que guardan bastante similitud con los secuestros y asesinatos que se describen en su película. Sea como fuere, la táctica funcionó a la perfección: "Fargo" se convirtió en una de sus obras más populares y en la más rentable económicamente, ya que, a partir de un presupuesto de 7 millones de dólares, lograron una recaudación mundial superior a los noventa y seis.


36. PENA DE MUERTE
Primer Oscar para la legendaria Susan Sarandon, que ya había enamorado al mundo con su interpretación en “Thelma & Louise”. Tanto, que cuando a la hermana Helen Prejean, persona en la que está inspirada “Pena de Muerte”, le presentaron a la actriz encargada de interpretarla exclamó: “Gracias a Dios que es Louise”. Como colofón final, es la primera película con la que Tim Robbins y Sean Penn recibieron su primera nominación de la Academia, repitiendo ocho años después con “Mystic River”.


37. NETWORK
Entre las muchas curiosidades que rodean a la película “Network”, una de ellas es que ostenta el récord al Oscar a la Mejor Actriz Secundaria más breve de la historia. Cinco minutos y dos segundos necesitó la actriz Beatrice Straight para convencer a la Academia que merecía la estatuilla. Tristemente, también es la primera película para la que se concedió el primer Oscar póstumo, en este caso para Peter Finch, Mejor Actor, que falleció en enero de 1977, poco antes de la ceremonia de los Oscar.


38. YENTL
La primera película de la historia en ser dirigida, escrita, producida e interpretada por una mujer, la imparable Barbra Streisand, que después también sería pionera de Internet convirtiéndose en uno de los primeros memes de la red con el conocido como “Efecto Streisand”. Entre sus otros muchos logros, también se convirtió en la primera cineasta en ganar el Globo de Oro a la Mejor Dirección, y Spielberg se deshizo en elogios calificándola como "el mejor debut de la historia del cine tras Ciudadano Kane".


39. NO HAY SALIDA
Kevin Costner llevó de cabeza a la aseguradora de la película porque decidió hacer todas las escenas más peligrosas y que requerían un especialista para ello. Quizá no en vano, se considera como uno de los primeros grandes papeles del actor norteamericano, que entró en el proyecto tras la negativa de Mel Gibson o Patrick Swayze para interpretar a Tom Farrell.


40. UN PUENTE LEJANO
Una película con un reparto trufado de grandes actores pronto puede convertirse en una lucha de egos. Pues algo así le pasó a Sean Connery cuando se enteró que Robert Redford ganaba más dinero que él con un papel considerablemente más pequeño. Tal fue el enfado que se puso en huelga hasta que la productora satisfizo su petición de una subida salarial.


41. TIRA A MAMÁ DEL TREN
Orion Pictures, por aquel entonces la productora de la película, necesitaba permiso de Warner Bros para poder usar referencias de “Extraños en un tren” de Hitchcock, de la cual era una parodia cómica. Pero Warner no estaba muy dispuesta a colaborar, hasta que se dieron cuenta de que Orion tenía los derechos de “Arthur, el soltero de oro”, por lo que decidieron hacer un intercambio. La secuela de Arthur fue uno de los mayores desastres en taquilla de aquel año para Warner, mientras que “Tira a mamá del tren” se convirtió en una de las 13 películas más exitosas de 1987.


42. ALGO SALVAJE
El guión de “Algo Salvaje” era tan atractivo que el propio Jonathan Demme acabó leyéndolo en menos de un día. No es para menos, y es que venía firmado por E. Max Frye cuando este aún estaba en la escuela de cine, que más tarde sería nominado al Oscar por su libreto de “Foxcatcher”. Toda una joven promesa. Orion también quedó rendida ante ella, y decidieron que iban a producirla en menos de una semana, algo poco común en los mecanismos de Hollywood.


43. EL SICILIANO
A pesar de que la novela es una secuela de “El Padrino”, por un motivo de derechos de autor todas las referencias a la familia Corleone están omitidas en la película. Y, como no podía ser de otra manera, el bueno de Michael Cimino tuvo problemas para entregar una versión final de la película a los productores. Y es que este, por contrato, tenía control creativo sobre el montaje si la duración no sobrepasaba los 120 minutos, cosa que acabó pasando. Cimino, desesperado, les dijo que si querían una versión de esa duración, la tendrían, y decidió cortar todas las escenas de acción. En Filmin estará disponible la versión con el montaje del director de 150 minutos.


44. 37 HORAS DESESPERADAS
Una vez más, Michael Cimino y su eterna pelea con los productores por hacerse con el montaje final de la película. En esta ocasión sí fue injustamente masacrado y Cimino no tuvo opción a una versión alternativa, lo que acabó derivando en agujeros inexplicables en el guión que provocaron un gran rechazo por parte de la crítica y su hundimiento en taquilla, superando así el fracaso de “La puerta del cielo”. Con los años, y como con gran parte de la filmografía de Cimino, se ha acabado reivindicando, aunque tristemente, fue también una de las últimas películas que dirigió. Quizá podemos hablar de él como el mayor ejemplo de director que debió sufrir las tijeras de producción más que nadie en el mundo del cine.


45. SALVADOR
Un rodaje accidentado desde sus primeros compases. Como no encontraba financiación para la película, el director, Oliver Stone, tuvo que hipotecar su casa por segunda vez hasta que convenció a una productora externa para financiarla. También encontrar al actor que encarnaría al fotoperiodista Richard Boyle no fue tarea fácil, y es que se barajaron grandes nombres como Lee Marvin, Marlon Brando o Paul Newman, pero todos acabaron rechazándolo por un motivo u otro. Finalmente, James Woods se hizo con el papel protagonista con Joe Belusci como su secundario. Se cuenta que ambos actores lidiaron con una rivalidad, incitada por el propio Stone, durante todo el rodaje de la película.


46. SEIS GRADOS DE SEPARACIÓN
Will Smith se negó a besar a Anthoy Michael Hall justo antes de rodar la escena del beso entre sus personajes, que tuvo que ser manipulada a través del montaje para que lo pareciera. Smith alegó en una entrevista años más tarde que Denzel Washington le había aconsejado no besar a un hombre en pantalla, porque podría perjudicar su carrera. Smith, arrepentido, dijo que había sido muy inmaduro por su parte.


47. 1984
Segunda versión cinematográfica de la novela de George Orwell, rodada 28 años después de la primera y en el mismo año en el que Orwell imaginó que ocurrirían los eventos de la novela. El apunte trágico lo puso la leyenda del cine británico Richard Burton, ya muy afectado por problemas de salud que acabaron derivando en su muerte poco después del rodaje de la película, haciendo de ella su última aparición en pantalla. El actor inglés estaba tan perjudicado por su enfermedad que muchas tomas tuvieron que repetirse decenas de veces. Como homenaje, toda la película está dedicada a su memoria.


48. LA MUJER DEL TENIENTE FRANCÉS
La gran estrella de la película, Meryl Streep, era por aquel entonces una joven promesa en Hollywood que ya había ganado un Oscar a Mejor Actriz Secundaria por “Kramer vs. Kramer”, pero jamás había sido nominada al Oscar a Mejor Actriz. Hasta entonces. Para prepararse el papel y conseguir un acento victoriano a la altura de las exigencias que requería el personaje, viajó a Reino Unido tres meses antes del rodaje para modular su acento americano, con lecciones diarias con un entrenador vocal. A pesar del esfuerzo y de contar como contrapunto masculino a Jeremy Irons en su debut en el cine, la actriz ha llegado a declarar en alguna entrevista que no quedó satisfecha con su trabajo, considerándolo como uno de los más flojos de su carrera.


49. ARDE MISSISSIPPI
Una película tremendamente controvertida en el momento de su estreno, pues retrataba un caso real que aún estaba en las retinas de muchos norteamericanos, dando pie a que muchos críticos le reprocharan que muchos hechos relacionados con el caso habían sido distorsionados o directamente eliminados de la historia. Como dos datos curiosos, Samuel L. Jackson fue rechazado en el cásting pues según el director, no tenía suficiente acento sureño, a pesar de haber nacido en Tennessee, y, por sorprendente que parezca, muchos de los extras que aparecen como miembros del KKK lo eran realmente, y se presentaron con sus respectivos carnés al rodaje.


50. VESTIDA PARA MATAR
Antes de dirigir “Vestida para Matar”, Brian De Palma quiso llevar a la gran pantalla el caso del asesino de cruising de Nueva York pero no pudo hacerse con los derechos del artículo original del New York Times, que finalmente acabaron en manos de William Friedkin en la que fue “A la caza”. Es por ello que ambas películas guardan cierta similitud, pues muchos elementos del primer borrador de De Palma sobre el asesino del Cruising acabaron por aparecer en “Vestida para Matar”. Curiosamente, ambas películas se estrenaron el mismo año, en 1980.


51. IMPACTO
Quentin Tarantino siempre la ha considerado como su película favorita de Brian De Palma, uno de sus directores predilectos. Tanto, que fue por este motivo por el que John Travolta acabó siendo Vincent Vega en su inolvidable papel para “Pulp Fiction”. Travolta también fue el causante de que a algún iluminado productor se le ocurriera la idea de incluir a Olivia Newton-John como Sally, interpretada finalmente por Nancy Allen debido a la negativa de De Palma para que “Impacto” se convirtiera en una especie de reencuentro de “Grease”.


52. CARRINGTON
Transgresor biopic de la pintora Dora Carrington, interpretada por la siempre genial Emma Thompson, quien declaró haber disfrutado mucho de las escenas en las que su personaje debía aparecer desnudo, ya que consideraba que su cuerpo, que en este caso representa una figura andrógina situada en las antípodas de la feminidad que entonces representaba a Hollywood, no era precisamente el arquetipo por el que se regía. El gender-fluid llegaba a la meca del cine con una película adelantada a su tiempo (aunque no debería serlo).


53. CASADA CON TODOS
La primera opción de Jonathan Demme para los papeles principales al final acabó por no resultar del todo. Por ejemplo, reescribieron el guión seis veces para que Tom Cruise aceptara ser el protagonista, pero este acabó decidiéndose por “Cocktail”. Lo mismo pasó con Jessica Lange que al final fue sustituida por una magnífica Michelle Pffeifer.


54. CASA DE JUEGOS
Debut del dramaturgo David Mamet en la dirección, que entró a la adaptación de la película de su propia obra teatral tras el abandono de Peter Yates. Fue considerada por Roger Ebert como una de las grandes películas del s. XX y se recibió entre aplausos por la crítica, a pesar de que Orion decidió limitar el estreno en Estados Unidos a un número muy limitado de copias.


55. UN PAR DE SEDUCTORES
Originalmente, el proyecto se pensó como una película para Mick Jagger y David Bowie, ya que ambos estaban disfrutando del éxito compartido del videoclip, Dancing in the Street y los productores de Hollywood andaban frotándose las manos con lo que podría ser la reunión en pantalla grande de estas dos estrellas musicales. Pero al poco de empezar a andar, Jagger y Bowie marchan por discrepancias con el guión y saltan al proyecto los eternos Steve Martin y Sir Michael Cane. Además, fue la primera película en la que Frank Oz, conocido titiritero de cine, director de “Cristal Oscuro” o “La Tienda de los Horrores”, no utilizaba marionetas en una de sus películas.


56. LOS AMIGOS DE PETER
Una auténtica película de colegas. Gran parte del reparto, como Stephen Fry, Emma Thompson, Hugh Laurie o Tony Slattery fueron juntos a la Universidad de Cambridge, donde formaban parte del mismo grupo de Artes Dramáticas, tal y como les ocurre a los protagonistas de la película. Esta amistad ha continuado con los años, y el director, Kenneth Branagh y Stephen Fry han llegado a colaborar hasta en dos guiones cinematográficos, “La flauta mágica de Kenneth Branagh” y “Wolfgang Amadeus Mozart”.


57. MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES
Una de las grandes apuestas de la Metro-Goldwyn-Mayer para los Oscars de su año, que llegó a gastar 10 millones de dólares para que los académicos la tuvieran en su consideración. Pero a pesar de que fue un auténtico éxito de taquilla, no tuvo tanta suerte en la temporada de premios ya que no fue nominada a ningún Oscar y tampoco recibió ningún premio, algo que nos demuestra que el reconocimiento de los académicos no siempre es sinónimo de calidad cinematográfica.


58. LA NOCHE DEL CAZADOR
Primera y única película del actor Charles Laughton como director. Quedó tan deprimido con las malas críticas que recibió en su día que perdió todo ánimo de volver a dirigir. Aún así, el gran director de fotografía Stanley Cortez llegó a afirmar que solo dos directores con los que había trabajado habían entendido cómo captar la luz: Welles y el propio Laughton. Por su parte, Robert Mitchum deseaba como nadie interpretar al diabólico cura protagonista de la película, y durante su audición, sorprendió profundamente a Laughton gracias a su gran intelecto y comprensión de la verdadera naturaleza malvada del personaje.


59. EL APARTAMENTO
La última película en blanco y negro en ganar un Oscar a la Mejor Película, sin contar con las honrosas excepciones de “La Lista de Schindler” y “The Artist”. Una de las grandes comedias de Billy Wilder y su eterno colaborador, I.A.L Diamond, que no permitían a los actores desviarse ni una sola palabra del guión, algo que trajo bastante de cabeza a Shirley McLaine, muy dada a improvisar parte de sus escenas. Además, Wilder se convirtió en la primera persona en ganar un Oscar a la Mejor Película, Mejor Guión y Mejor Director en una única edición.


60. IRMA LA DULCE
Otra película cuyo cásting acabó siendo muy diferente a cómo lo había imaginado en un principio Billy Wilder. Primero, consideró para Irma a Elizabeth Taylor, pero no quiso lidiar con las turbulencias de su romance con el actor Richard Burton en aquel momento. Después y tras el éxito de “Con faldas y a lo loco”, pensó en Marilyn Monroe, pero tristemente falleció antes de empezar el rodaje, y finalmente, fue ofrecido a la actriz Shirley McLaine, con quien Wilder ya había trabajado en “El Apartamento”. La actriz aceptó sin tan siquiera leerse el guión, afirmando que confiaba ciegamente en el talento de Wilder y Jack Lemmon, el que sería su compañero de reparto. A pesar de ello, McLaine nunca quedó del todo satisfecha con su actuación, y se sorprendió terriblemente cuando la nominaron al Oscar a la Mejor Actriz.


61. CON FALDAS Y A LO LOCO
“Con faldas y a lo loco” está trufada de buenas anécdotas, muchas de ellas relacionadas con Marilyn Monroe y el infierno que fue la experiencia de rodar con ella. Desde retrasos en el rodaje a la repetición hasta la náusea de muchísimas escenas porque la actriz era incapaz de aprenderse su texto. Billy Wilder acabó tan enfadado con ella que no la invitó a la fiesta de final de rodaje, ya que había costado a la producción más de medio millón de dólares adicionales debido a su comportamiento. Aún así, más tarde acabaron reconciliados. Tony Curtis y Jack Lemmon también hicieron de la suyas en el rodaje, como salir vestidos de mujer a ver si la gente podía reconocerles. Además, la directora de vestuario llegó a afirmar que Curtis tenía mejor culo que Monroe, a lo que ella espetó: “Pero no tiene estas tetas”. Con ellos, a lo loco.


62. 12 HOMBRES SIN PIEDAD
Uno de los requisitos de Sidney Lumet para sus actores era que, aunque ese día no tuvieran toma, tenían que estar en la sala con todos los demás para sentir que era sentirse atrapado con un grupo de desconocidos durante tantas horas. Algo que acabó por permear en la desesperación de los personajes. Henry Fonda fue uno de los grandes padrinos de la película, a pesar de que tras la experiencia, decidió que jamás volvería a ejercer nunca de productor.


63. LA CONDESA DESCALZA
Las asperezas entre grandes estrellas de Hollywood no eran ninguna sorpresa, y “La condesa descalza” tampoco fue la excepción. Es bien conocido que Ava Gardner y Humphrey Bogart no tuvieron la misma química delante que detrás de la pantalla, entre las rencillas varias, Bogart le guardaba rencor a Gardner por haber dejado a su amigo Frank Sinatra y Gardner decía que no se podía trabajar con él porque discutía por todo.


64. HAIR
Milos Forman volvía a la dirección tras cuatro años de silencio tras su gran clásico “Alguien voló sobre el nido del cuco”. “Hair” fue toda una experiencia vital para él, no solo siendo una de sus películas más ambiciosas a nivel profesional, si no también una en la que tuvo grandes cambios en su vida, como por ejemplo, conseguir la nacionalidad estadounidense. Como puntilla final de las cosas que tiene la vida, cuando se estrenó el musical en Broadway que inspiró la película, el movimiento hippie era algo muy tangible, en cambio, diez años después, con el estreno, acabó por ser considerada casi como una película de época.


65. LOS CREYENTES
Durante los 70, hubo un gran furor con las películas de temática satánica y posesiones, como bien demuestran la fiebre por “El exorcista” o “The Omen”. En cambio, los 80, tiraron por unos derroteros bien distintos, siendo “Los creyentes” una de las pocas películas donde Satán y su poder eran el sujeto del miedo.


66. EL BESO DEL ASESINO
Stanley Kubrick fue siempre su peor crítico. A pesar de considerar esta verdaderamente su primera película, antes que “Fear and Desire”, siempre pensó de ella que aún estaba a un nivel de un estudiante de cine. Además, fue su última película basada en un guión original suyo, pues después recurrió a las adaptaciones durante el resto de su carrera.


67. ATRACO PERFECTO
Stanley Kubrick tuvo sus primeras desavenencias con un estudio en “Atraco Perfecto”. La primera, con el montaje. Al ser no lineal los primeros test con público la tildaban de película confusa. Kubrick, obligado, montó una versión lineal que aún se entendía menos, por lo que no tuvieron más remedio que continuar con el montaje original. Además, fue la primera en la que Stanley Kubrick tuvo que utilizar a un director de fotografía que no fuera él, ya que estaba trabajando por primera vez para un sindicato de producción. Lucien Ballard, director de fotografía de “Grupo salvaje” entre otras, fue el elegido para dicha tarea. Las peleas con Kubrick por la luz o las tomas fueron tales que Ballard dejó de ir a los dailies.


68. SENDEROS DE GLORIA
“Senderos de Gloria” fue una película sobre la que algunas de las figuras políticas más destacadas de la época se pronunciaron. Para Winston Churchill era un retrato certero de la desesperación de las trincheras y de como, a veces, los errores militares podían pagarse muy caros. En España, en cambio, la dictadura franquista la prohibió por su marcado carácter antibelicista. Francia, a pesar de no estar bajo ningún régimen, también censuró la película porque dejaba en muy mal lugar a las tropas francesas. No se levantó el veto hasta 1978, más de 20 años después del estreno.


69. EL FUEGO Y LA PALABRA
El único Oscar de Burt Lancaster es por su magnífica interpretación del predicador estafador Elmer Gantry. Adaptación de una novela profundamente controvertida en su época, cuando Richard Brooks se decidió a dirigirla tras una larga lucha porque algún estudio la financiara, el autor original de la novela, Sinclair Lewis, le aconsejó que leyera también las críticas que se escribieron en su día, para así poder mejorar el material original en su incursión cinematográfica.


70. EUREKA
Algunos críticos y periodistas, cuando se estrenó la película, se refirieron al personaje que encarna Gene Hackman, Jack McCann, como “Ciudadano McCann”. Querían así trazar un paralelismo evidente entre el protagonista de “Eureka” y el “Ciudadano Kane” de Orson Welles. Ambas películas hablan de hombres ricos y poderosos que en el final de sus días descubren que han vivido una existencia incompleta. Pero sin duda el elemento que une a McCann con Kane es la esfera de cristal con nieve que ambos guardan como un tesoro.


71. TESTIGO DE CARGO
Billy Wilder era mundialmente conocido por sus comedias, así que cuando se lanzó a hacer un thriller judicial como “Testigo de cargo” a la gente le descolocó un poco; tanto, que durante mucho tiempo la gente se dirigía a Alfred Hitchock para decirle lo mucho que les había gustado la peícula, aunque no fuera suya. Por su parte, Billy Wilder siguió cosechando su fama de director con el que era una delicia trabajar: Charles Laughton, normalmente muy quisquilloso, fue un encanto y Marlene Dietrich nombró a Wilder como uno de los tres mejores directores con los que había trabajado, entre Orson Welles y Josef von Stenberg.


72. BÉSAME, TONTO
Inicialmente, el personaje de Orville, al que da vida Ray Walston, iba a ser interpretado por Peter Sellers. Pero unas semanas antes del inicio del rodaje, Sellers sufrió un infarto y tuvo que ser sustituido. Cuenta la leyenda que Billy Wilder, al enterarse de que Sellers había sufrido este percance, exclamó: “¿Ataque al corazón? ¡Hay que tener corazón para sufrir un ataque al corazón!”. Curiosamente, en su siguiente película, “En bandeja de plata”, Wilder vio de nuevo como uno de sus actores sufría un infarto; en aquella ocasión la víctima fue Walter Matthau.


73. EN BANDEJA DE PLATA
Billy Wilder decidió reclutar a un montón de extras para llenar el estadio de los Cleveland Browns de la NFL estadounidense y filmar unas cuantas escenas. Los asistentes, a los que no se les iba a pagar nada, entraban en un gran sorteo con un montón de regalos que iban desde transistores de radio hasta un coche. Curiosamente, la ganadora del vehículo fue Audrey Young, la esposa de Wilder.


74. ¿QUÉ OCURRIÓ ENTRE TU PADRE Y MI MADRE?
Juliet Mills tuvo que aumentar cerca de 12 kilos en seis semanas para dar vida al personaje de Pamela Piggott. Pero en principio este papel no era para ella. Wilder se lo ofreció en primer lugar a Lynn Redgrave, nominada unos años antes al Oscar a la Mejor Actriz por su papel en “Georgy Girl” (1966), donde se la veía con un evidente sobrepeso. El caso es que desde aquel film Redgrave había logrado adelgazar considerablemente, y no estaba dispuesta a volver a engordar para hacer la película.


75. MUERTE EN EL INVIERNO
Malcolm McDowell, el mítico protagonista de “La Naranja Mecánica”, “aparece” en la película, aunque es lógico y normal que no seas capaz de encontrarle: solo le vemos de manera muy efímera en una fotografía. En el momento del rodaje, McDowell estaba casado con la protagonista de la película, Mary Steenburgen, lo que explica este fugaz cameo.


76. EL GRUPO
El productor Charles Feldman apostó muy fuerte por la novela de Mary McCarthy en la que se basa la película. Pagó 500.000 dólares de la época para adquirir los derechos de la adaptación antes incluso de que esta se publicara. Cuando salió al mercado, Feldman, que necesitaba que el libro fuera un éxito de ventas, envió a muchos de sus empleados a comprar en distintas librerías de todo el país varios ejemplares. Logró su objetivo: “El Grupo” encabezó la lista de los libros más vendidos del New York Times durante dos años, lo que permitió que él y Lumet pudieran sacar adelante la producción del film sin contar con ninguna estrella en el reparto.


77. HARRY E HIJO
Paul Newman, que dirige, protagoniza, escribe y produce la película, interpreta en la misma a un personaje que se llama Harry. No era la primera vez, ni sería la última. El de Harry es el nombre que más se repite en su filmografía, pues ese había sido el nombre de pila de sus personajes en “Un marido en apuros” (1958) y en “Comando secreto” (1968), y lo sería también años más tarde en “Al caer el sol” (1998).


78. EL MENSAJERO DEL MIEDO
El jefe de United Artists, Arthur Krim, estaba realmente asustado con la controversia política que podía generar, en plena Guerra Fría, la historia de un agente infiltrado comunista que llega a ser candidato a la presidencia de los Estados Unidos. Pero Frank Sinatra estaba como loco por protagonizar la adaptación al cine de la novela de Richard Condon. Tanto es así que utilizó sus influencias y logró que el mismísimo presidente John F. Kennedy telefoneara a Krim para asegurarle que la Casa Blanca no tenía ningún problema con que la película saliese adelante. Que Sinatra hubiese aportado en su día 2 millones de dólares de su bolsillo para la campaña electoral de Kennedy probablemente ayudó a que el presidente se implicara de este modo en el film. Tras la llamada de Kennedy, a Krim se le pasaron todas las dudas.


79. EN EL CALOR DE LA NOCHE
No parece a priori muy razonable que una película que se ambienta en el caluroso verano de Mississippi se rodara en otoño en Illinois. De hecho, algunos de los actores tuvieron que rodar con trozos de hielo en la boca para evitar que, por la noche, su aliento apareciese en cámara. Fue Sidney Poitier quien insistió en que la película se rodara en el norte del país, después de que él y Harry Belafonte estuviesen a punto de ser asesinados por el Ku Klux Klan durante una visita a Mississippi. Por exigencias de la producción (una de las escenas tenía que rodarse en un campo de algodón, y no hay muchos campos de algodón en Illinois), el rodaje se trasladó fugazmente a Tennessee. Después de que Poitier volviese a ser amenazado por los supremacistas blancos, la filmación se interrumpió y el equipo tuvo que regresar a Illinois.


80. LA LOCURA DEL REY JORGE
Nigel Hawthorne, nominado al Oscar al Mejor Actor Protagonista por dar vida al rey Jorge III, fue el primer actor abiertamente homosexual nominado a un Oscar. Aunque muchos actores gays habían sido anteriormente nominados, Hawthorne fue el primero que ya había salido del armario antes de recibir la candidatura. Al actor le molestó bastante, por cierto, que todos los periodistas le preguntasen mucho más por este hecho que por su trabajo en la película.


81. VIDAS REBELDES
El último día de rodaje, Clark Gable, en referencia a Marilyn Monroe, exclamó: “Gracias a Dios que se ha acabado el rodaje. ¡Casi me provoca un ataque al corazón!”. Al día siguiente, el actor sufrió una trombosis coronaria y murió diez días después, a los 59 años. Un año y medio más tarde, fallecía Marilyn. “Vidas rebeldes” fue la última película para ambos.


82. PASAJE A LA INDIA
Sir David Lean se las tuvo con prácticamente todo el equipo técnico y artístico en uno de los rodajes más conflictivos que se recuerdan en Hollywood. Con Alec Guiness no volvió a dirigirse la palabra después de que el director eliminara varias de sus escenas del montaje final, entre ellas una en la que ejecutaba una compleja danza hindú que había estado semanas aprendiendo. Acusó a Judy Davis de estar asustada respecto a su propia sexualidad, y esta replicó que Lean no sabía dirigir y no entendía a las mujeres. La relación con los distintos departamentos fue tan tensa que el productor John Brabourne tuvo que personarse en el rodaje para pedirle al equipo de cámara que al menos le diesen los buenos días a Lean cada mañana.


83. EL TREN DEL INFIERNO
El icónico Danny Trejo debutó en el cine con esta película, y la historia de cómo llegó al film tiene miga. Trejo visitó un día el rodaje porque era el consejero de Narcóticos Anónimos de un miembro del equipo de producción. El guionista del film, Edward Bunker, le reconoció porque ambos habían sido compañeros en la cárcel estatal de San Quintín, y recomendó que se le contratara como entrenador de boxeo del actor Eric Roberts. El director Andrey Konchalovsky quedó tan sorprendido con la brutalidad de su aspecto físico que decidió ofrecerle un pequeño papel en la película.


84. OLEANNA
La voz que escuchamos en la canción de los créditos finales es la de la esposa de David Mamet, Rebecca Pidgeon. Ella fue quien interpretó, en el montaje teatral en el que se basa la película, al personaje de Carol, compartiendo escenario con William H. Macy, que sí retoma su papel en la película. Además, Pidgeon aparece acreditada como compositora de la banda sonora del film.


85. LAS MIL Y UNA NOCHES
Las dos anteriores películas de la “Trilogía de la vida” de Pasolini habían tenido serios problemas con la censura italiana, y “Las mil y una noches” parecía que iba a correr una suerte similar. Sin embargo, y a pesar de ser denunciada desde su primera proyección, el fiscal adjunto de Milán consideró que la película no debía ser en este caso judicializada al considerarla “una buena obra cinematográfica”. Se dice que a Pasolini no le agradó demasiado este giro inesperado, pues creía que esta resolución restaba mordiente y capacidad de provocación a su obra.


86. LOS CUENTOS DE CANTERBURY
La película ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín con un montaje de 137 minutos que nunca más volvió a verse. Tras su paso por la Berlinale, Pasolini modificó el orden de los episodios, eliminó uno al completo y recortó el metraje del resto, entre otros cambios. El metraje final de la versión que se distribuyó comercialmente fue 30 minutos inferior al de la película vencedora en Berlín.


87. EL DECAMERÓN
Junto a sus actores habituales Franco Citti y Ninetto Davoli (que además fue su amante durante muchos años), Pasolini quiso reclutar para la película, que requería de un reparto muy amplio, a varios de sus amigos. Logró convencer al pintor neorrealista Giuseppe Zigaina para que diese vida a un piadoso confesor. Tras la muerte de Pasolini, Zigaina se convirtió en uno de los más prolíficos estudiosos de su obra, llegando a publicar una decena de libros dedicados al director, que también aparece en la película interpretando a un alumno del pintor Giotto.


88. EL PERRO DE BASKERVILLE
El perro que aparece en la película se llamaba Coronel y era de armas tomar. En la escena en la que tenía que atacar al personaje de Christopher Lee, el can se mostraba dócil y no obedecía órdenes, así que decidieron empujarle para que entrara en acción. Cuando Lee bajó la guardia, el perro se abalanzó sobre él y le mordió el brazo. Sabían de su imprevisibilidad, pues anteriormente ya había mordido a una camarera, por lo que en el rodaje había un segundo perro, propiedad de la célebre adiestradora de perros para el cine Barbara Woodhouse. Su coste por día de rodaje era cinco veces mayor que el de Coronel, y finalmente no apareció en ninguna escena.


89. LA VIDA PRIVADA DE SHERLOCK HOLMES
Se construyó una réplica a (supuesto) tamaño real del monstruo del Lago Ness para las escenas en las que debía verse a la criatura. Sin embargo, en uno de los ensayos el bicho se hundió y no pudo ser rescatado. Tal y como recuerda Geneviève Page en su biografía sobre Wilder, el director, a pesar de ser también productor del film, no pareció enfadarse por este percance: “Estaba mucho más preocupado por cómo se sentía el operario que hundió a Nessie. Se acercó a él y empezó a consolarle”. La réplica fue finalmente hallado en abril de 2016 en el fondo del lago durante el rastreo de un robot submarino.


90. EL GUATEQUE
Uno de los especialistas de la película, Dick Crockett, estuvo a punto de morir durante el rodaje. El productor del film Ken Wales lo empujó a la piscina llena de espuma que aparece en la última y larga secuencia del film para gastarle una broma. El problema es que la espuma que había en ese momento en la piscina estaba diseñada para ser utilizada por los bomberos, y es de un tipo que absorbe el oxígeno y se utiliza para apagar incendios. Wales no podía respirar ni dentro ni fuera del agua, y tuvo que ser rescatado por un par de actores.


91. LA PANTERA ROSA
Blake Edwards pensó que a los títulos de crédito iniciales de la película les sentaría bien contar con algún tipo de personaje animado. De entre más de 100 bocetos, eligió el de la Pantera Rosa que “personificaba” a la famosa joya que da título a la película. Su aceptación y popularidad tras el lanzamiento de la película fue tan grande que un año después un corto protagonizado por la simpática pantera creada por el animador Friz Freleng ganó el Oscar al Mejor Cortometraje de Animación.


92. EL NUEVO CASO DEL INSPECTOR CLOUSEAU
A una semana de iniciarse el rodaje, Peter Sellers desapareció del mapa. Cuando regresó contó que se había ido de vacaciones, despertando la furia de Blake Edwards. Una furia que Sellers supo aplacar explicándole que había conocido a una persona muy divertida, el gerente francés de un hotel que tenía un acento muy peculiar. Imitando su manera de hablar, Sellers creó en ese momento la inconfundible dicción del inspector Clouseau que convertiría al personaje en un icono eterno del cine. Suponemos que Edwards dio entonces por buena la escapadita de su actor.


93. EL REGRESO DE LA PANTERA ROSA
La actriz Catherine Schell, que en la película interpreta a Lady Claudine Litton, simplemente era incapaz de no reír a carcajada limpia cada vez que compartía escena con Peter Sellers. Tanto es así, que finalmente Blake Edwards declinó darle más indicaciones sobre cómo debía reaccionar su personaje en cada momento. Por ello, las risas de Schell en la película no estaban escritas en ningún guion y son 100 por cien genuinas.


94. LA PANTERA ROSA ATACA DE NUEVO
La actriz Lesley-Anne Down fue elegida “por error” para interpretar a Olga en la película. Tras el abandono de Maud Adams, que era la Olga seleccionada en primer lugar, Blake Edwards sugirió que le gustaría hacerle una prueba de casting a la actriz de la serie “Arriba y abajo” Nicola Pagett. Por algún extraño motivo, la intérprete a la que se le hizo la prueba fue Down, que trabajaba en la misma serie. Julie Andrews, esposa de Edwards, ya le comentó a su marido que aquella mujer no se parecía en nada a la que interpretaba a Elizabeth Bellamy en “Arriba y abajo”, pero Edwards no le prestó mucha atención y le dijo que eso se debía a que la iluminación y el maquillaje de la serie le ofrecía un aspecto distinto. Tan distinto que Edwards no descubrió que había contratado a una actriz diferente a la que pretendía hasta bien comenzado el rodaje.


95. LA MALDICIÓN DE LA PANTERA ROSA
Es de sobras sabido que, tras la prematura muerte de Peter Sellers, Blake Edwards no fue capaz de reflotar la saga de La Pantera Rosa. Pero la historia podría haber sido (quien sabe) muy distinta. El personaje que retomó el protagonismo del Inspector Clouseau fue el sargento Clifton Sleigh, interpretado por el debutante en el cine Ted Wass, que por aquel entonces gozaba de una gran popularidad gracias a su papel en la serie “Enredo”. Lo curioso del caso es que el papel fue ofrecido antes a Rowan Atkinson, descartado por los productores por no ser, en aquel momento, popular fuera del Reino Unido. Aquel mismo año Atkinson debutó en la serie “La víbora negra”, y años después llegaría “Mr. Bean”, que lo consagraría como uno de los grandes cómicos europeos de todos los tiempos.


96. LA JAULA DE LAS LOCAS
El actor Ugo Tognazzi se negó a hablar en la película en un idioma que no fuese su italiano natal, lo que generó no pocos dolores de cabeza para el director Édouard Molinaro. Tuvo que reescribir todos sus diálogos en francés para que concordaran con el movimiento de labios de Tognazzi hablando en italiano y, lógicamente, después tuvo que contratar a un actor de doblaje francés para doblar sus frases.


97. LA JAULA DE LAS LOCAS 2
La película se estrenó en España con el título de “La jaula de las locas” a secas. Y es que la primera entrega había sido bautizada en nuestro país con un título muy distinto al original: “Vicios pequeños”. Es por eso que, en 1980, el público conocía esta secuela indistintamente como “Vicios pequeños 2” y como “La jaula de las locas”. Uno de aquellos sinsentidos de la distribución de cine en nuestro país en los años 80.


98. EL VIOLINISTA EN EL TEJADO
El título de la película fue inspirado por el cuadro The Deceased, del pintor judío-francés de origen bielorruso Marc Chagall. La obra, también conocida con los títulos de The Death y The Dead Man, representa una escena funeraria y en ella podemos ver a un hombre sobre un tejado tocando el violín. Actualmente está expuesta en el Museo Pompidou de París.


99. EL ÚLTIMO VALS
Apenas 15 minutos antes de que empezara su actuación, Bob Dylan decidió que no quería aparecer en la película de Martin Scorsese. Razonó que no quería participar en un film que iba a competir en taquilla con “Renaldo and Clara”, la película escrita, dirigida y protagonizada por él sobre su gira The Rolling Thunder Revue de 1975. Finalmente accedió a participar en “El último vals” con la condición de que Scorsese filmara solo las dos últimas canciones de su actuación.


100. KOYAANISQATSI
La influencia de “Koyaanisqatsi” en la cultura popular de los últimos 30 años es mayor de lo que podríamos pensar. Por poner algunos ejemplos: el tráiler del videojuego Grand Theft Auto IV (2008) era un claro homenaje al film y además utilizaba uno de los temas de la banda sonora de Philipp Glass, Pruitt Igoe. Zack Snyder utilizó otro de los temas de la película en su adaptación al cine de “Watchmen” (2009); y en el videoclip de la canción Hard to Explain, de The Strokes, aparecen varias secuencias del film.


BONUS TRACK I: CANDYMAN: ADIÓS A LA CARNE
El primer póster promocional, en el que se veía a Candyman acechando a una víctima, generó mucha controversia en Estados Unidos. En aquel momento, el juicio de O.J. Simpson estaba en todas las televisiones, a todas horas, y la imagen de un hombre negro a punto de asesinar a una mujer blanca se consideró innecesaria y de mal gusto, por lo que los productores decidieron sustituir el cartel por otro menos polémico.


BONUS TRACK II: MARAT/SADE
La obra original de Broadway que adapta la película tenía un título muchísimo más largo: “La persecución y asesinato de Jean-Paul Marat interpretada por los internos del hospital psiquiátrico de Charenton bajo la dirección del marqués de Sade”. Su longitud, en comparación con la brevedad de otro clásico del cine como “M”, de Fritz Lang, fue protagonista en 2005 de una viñeta de la célebre y longeva tira cómica “Frank and Ernest”, de Bob Thaves.


https://www.filmin.es/blog/100-curi...-nuestros-100-clasicos-de-metro-goldwyn-mayer

 

Oscar 2022: 10 cosas que no sabías de 'CODA' ganadora a mejor película

Esto es lo que debes saber sobre 'CODA', la ganadora a mejor película en los Premios Oscar 2022.


Cuando se anunciaron por primera vez las nominaciones para los Oscar 2022, 'The Power of the Dog' se convirtió en el favorito inmediato gracias a su docena de nominaciones, la mayor cantidad de cualquier película en el repertorio de los Premios.
Lideró a lo largo de la temporada, obteniendo victorias clave en los Globos de Oro, los Premios DGA, los Premios Critics Choice y los BAFTA, y esperaba llevar ese impulso a la 94ª edición de los Premios de la Academia.
Sin embargo, a medida que se acercaba la ceremonia de entrega de premios, 'CODA' emergió como la principal candidata a Mejor Película, gracias a que ganó importantes premios en la WGA y, lo que es más importante, en los Premios PGA. Aquí hay 10 datos que no te puedes perder de la película.
10 datos de 'CODA' que debes saber

1. Se basó en otra película

'CODA' se basó en la cinta francesa 'La Famille Bélier' del director y escritor Sian Heder, aunque tuvo su propia escritura de guión y presenta diferentes personajes.
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2. El significado de 'CODA'

CODA es el acrónimo de Child of Deaf Adults, y como su mismo nombre lo dice, sigue la vida de Ruby que tiene a sus padres que son sordos mientras ella persigue el camino de la música.
3. Varios actores de la película son sordos

Apple reclutó a un equipo de actores sordos para llevar a la pantalla una historia que a menudo se pasa por alto sobre la cultura sorda, y no pudo elegir a un mejor elenco.

4. El contraste de realidades imposibles

Como ya se mencionó, Ruby quiere tener una carrera musical, pero sus padres no pueden entender el amor a la música que tiene porque no pueden escuchar su enorme talento.

5. Más Oscar para las personas sordas

En 1987, Marlee Matlin se convirtió en la primera artista sorda en ganar un Oscar por su actuación junto a William Hurt en 'Children of a Lesser God'. Más de 35 años después, varios actores sordos ganaron una estatuilla.

6. El significado del premio para la comunidad

"Estoy muy feliz porque, finalmente, esto valida que todos respetan nuestro trabajo como actores en todos los sentidos", dijo Matlin. "Han pasado 35 años y he estado esperando que otro actor sordo se una a mí". Este premio pondrá en los ojos de varios directores a los actores sordos y ciegos de la industria.

7. Lo que el premio significa para la Academia

Sabemos que los Oscar no premian mucho la acción o la cienfia ficción, en realidad buscan lo que 'CODA' demuestra: descifrar experiencias humanas identificables y reconstruirlas como momentos que se reproducen en la pantalla grande. Es un merecido premio.

8. 'CODA' no es apta para todos

Es posible que 'CODA' no funcione bien para todos los tipos de espectadores. Es bastante dulce: Ruby interpreta una canción para una multitud, y su familia sorda comienza a comprender su pasión a medida que las personas a su alrededor se emocionan la actuación. ¿Demasiada azúcar?

9. Calidad y emoción por encima de un gran presupuesto

Un testimonio de la calidad de la película, se ha ganado esta atención incluso sin dramatismo exagerado. No hay apuestas grandes con esta película ni presupuesto masivo. Se centra en una familia y la cámara sigue a los protagonistas durante toda la película.

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10. Solo puedes verla en un lugar

'CODA' está actualmente disponible para transmitir en Apple TV Plus y necesitas tener una suscripción de pago para poder disfrutar de la cinta.


https://ezpoiler.com/curiosidades/o...e-no-sabias-de-coda-ganadora-a-mejor-pelicula

 

60 datos demasiado curiosos de películas que has visto y que seguro no sabías

Las películas famosas de Hollywood tienen muchos datos interesantes que quizás pasaste por alto, por ello hoy te los revelamos todos.


Desde la bajada de peso de Joaquin Phoenix hasta la casi muerte de Isla Fisher.


60 datos demasiado curiosos de películas que has visto y que seguro no sabías

1. ‘Joker’


Existen cambios físicos que los actores deben hacer para poder interpretar un papel, pero lo que hizo Joaquin Phoenix fue de otro nivel. El actor no solo preparó la risa especial del Joker para la película, también bajo casi 24 kilos para aparecer en la cinta. Todo esto le valió el Oscar así que todo esfuerzo lleva una recompensa.
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2. ‘Rocky IV’


Todos los que hemos visto las películas de Rocky sabemos que son muy buena y extrañamente las escenas de peleas bastante reales. Bueno esto es porque el mismo Sylvester Stallone le pidió a Dolph Lundgren que las escenas de boxeo fueran reales: "Sal ahí y golpéame en serio", le dijo. Y Lundgren cumplió al pie de la letra, aunque en una de las escenas, uno de sus golpes al pecho dejaran a Stallone en cuidados intensivos durante 9 días. El golpe fue tan fuerte, que el corazón rebotó contra su caja toráxica.
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3. ‘La novicia rebelde’


Durante el rodaje de la Novicia Rebelde, la actriz Julie Andrews estuvo más tiempo en el lodo que grabando. Resulta que una de las escenas era grabada desde un helicóptero y cada vez que este pasaba arrojaba a la actriz al lodo.
4. ‘Nada es lo que parece’


Una de las escenas más conocidas por casi causar la muerte de la actriz Isla Fisher ocurrió durante el rodaje de ‘Nada es lo que Parece’, en donde trataba de escapar de un tanque de agua mientras estaba esposada y encadenada. Pero las cosas salieron mal y las cadenas magnéticas que se separaban fácilmente se atoraron. Fisher estuvo cerca de 3 minutos debajo del agua hasta que la rescataron, porque el equipo que grababa pensaba que la actriz estaba haciendo la interpretación de su vida. Para su suerte salió ilesa.
5. ‘Ratatouille’


Es increíble cómo el furor de una película puede disparar el interés o hasta las ventas de algún producto que aparezca dentro. Sin embargo, en Ratatouille las personas llevaron esta práctica a otro nivel. Debido al furor de la cinta, las ventas de ratas domésticas a nivel mundial se dispararon. ¿Acaso todos pensaron que podrían enseñarles a cocinar?
6. ‘Psicosis’


Psicosis es una de las películas de terror más recordadas de la historia por mostrarnos ese suspenso tan diferente al de la época. Sin embargo, también fue pionero en mostrar un wáter en una película de Hollywood.
7. ‘It: capítulo 2’


Esta es una curiosidad que ha batido un record. Durante el rodaje de las películas se suele usar sangre falsa para dar detalles, pero en IT 2 lo lelvaron a otro nivel. Esta película utilizó nada menos de 22,730 litros de sangre falsa para una sola escena.
8. ‘Titanic’


Una de las películas más galardonadas de la historia de Hollywood también posee un secreto que pocos saben. En la escena de desnudo de Rose, quien en verdad hizo el retrato fue el mismísimo director James Cameron.
9. ‘La La Land’


Una historia real de Ryan Gosling fue incluida en la cinta. Según el actor, en una de sus audiciones, una de las personas que lo estaba viendo atendió una llamada en plena escena, lo cual irritó lógicamente al actor. En La La Land, Emma Watson aprovechó lo sucedido y recreó la escena haciendo que Gosling mismo aplauda.
10.‘Enredados’


Sabemos que para la animación los profesionales deben basarse en un sujeto real (o varios) para definir sus detalles. Para el papel de Flynn Rider decidieron dejar a las mujeres de la producción elegir los atributos físicos que este personaje tendría, y ellas armaron al personaje sumando uno por uno los atributos favoritos de diferentes actores d Hollywood: "El cabello de Brad Pitt, el mentón de Tom Hardy...". De la verdad una buena forma de elegir a un galán.
11. ‘Spider-Man: Far from home’


Una de las líneas más recordadas de la película fue improvisada completamente. Esa línea fue cuando Spidey le dice a Fury que todo el desastre se veía como para un super héroe más grande, ya que el solo era el amistoso vecino hombre araña. Sin embargo, la respuesta de Samuel L. Jackson quedaría grabada: “No me jodas, cabrón. Has ido al espacio”. Esto lo dijo Samuel L. Jackson en una entrevista muy divertida, pero quien terminó por confirmar la veracidad de ella fue Jake Gyllenhaal.
12. ‘Shrek’


La voz de Shrek es bastante conocida, pero en un comienzo la voz de Mike Myers no fue la elegida. Resulta que el actor Chris Farley era el intérprete de la voz del ogro, pero debido a su muerte decidieron recurrir a quien conocemos como su actor de voz. Para esto el actor ya había grabado en 85% de todas sus lineas; sin embargo, al momento de cambiar a Mike Myer este puso como condición cambiar todo el guion por completo, en caso contrario no sería Shrek. ¿Te imaginas a Shrek como fue pensado con la voz de Chris Farley?
13. ‘Call me by your name’


Durante el rodaje de la escena de la chimenea el actor Timothée Chalamet decidió que era importante escuchar la música de fondo que tendría la escena. Esto hizo que se pusiera un audífono con la canción "Visions of Gideon" que posteriormente sería borrado con ayuda de CGI, realmente algunos actores necesitan meterese 100% en el personaje.
14. ‘Skippy’


Las películas antiguas tienen muchas cosas que no veriamos hoy en día y esta es una de ellas. Durante el rodaje de esta cinta se tenía que grabar una escena en la que Jackie Cooper tenía que llorar, pero el pequeño no podía. El director Norman Taurog no tuvo más remedio que amenazarlo con que mandaría a matar a su perro y en ese momento se le salieron las lágrimas al pequeño. Dentro de la autobiografia del actor comentó que recuerda que en ese momento se comenzó a imaginar a su perro lleno de sangre y con una herida de bala lo cual desató todas las lagrimas que se vieron en la película. Es increíble que las cosas en esa época se hayan manejado de esa forma.
15. ‘Candyman’


Esta escena icónica del cine de terror no fue hecha a computador. En la escena tenía que tener un montón de abejas, el actor Tony Todd, y esto fue grabado de manera completamente real. Obviamente la escena quedó espectacular, pero el actor con muchas picaduras que las tendría mucho tiempo. ¿Si hubieras sido tu, te hubieras arriesgado para una escena de película?
16. ‘Mamma Mia! Here we go Again'


En palabras de misma Cher es que ella “nunca ha decidido por su cuenta que hacer en su carrera”. Para la película Mamma Mia dice que el presidente de Universal, su amigo, decidió que ella aparecería en la película. Según palabras de la propia actriz : "Yo no pude elegir nunca en mi carrera, incluso no elegí hacer el álbum de Abba"
17. ‘Cleopatra’


Pese a que muchos creerán que las películas modernas son más caras que las antiguas, están equivocados. La película más cara de toda la historia fue Cleopatra. La película no paró de ingresar dinero a sus arcas para poder terminarla, lo que al final resultó en un gasto de casi 45 millones de dólares, monto que si trasladamos al día de hoy serían alrededor de 370 millones. Es bastante increíble pensar que ha costado más que películas tan caras y taquilleras como Avengers o Avatar.
18. ‘Batman regresa’


Los trajes de gatubela siempre han tenido un encanto especial, pero el de Michelle Pfeiffer fue bastante más complicado. Este brilloso traje tuvo que ser sellado al vacío para verse de esa manera tan espectacular, pero el mismo le complicaba mucho moverse, respirar y muchas otras cosas más a la bella actriz. Fuera de eso necesitó utilizar talco para que el apretado traje pueda entrar, pero que cosas pueden llegar a hacer los actores para interpretar a la perfección sus papeles.
19. ‘Sherlock Jr.’


No es extraño que durante la grabación de una película ocurra un accidente, lo que es raro que el mismo agraviado no lo note. Durante el rodaje de esta cinta el actor Buster Keaton se fractura el cuello cuando le cae un chorro de agua a presión, pero no se dio cuenta hasta años después. No sabemos si a alguien le ha pasado, pero una fractura debería sentirse o verse.
20. ‘Us’


La película de terror encierra un guiño muy importante para 3 figuras de la historia. El guante que usa Red dentro de la película es un homenaje a 3 personajes de la historia del cine, como son: O.J Simpson, Freddy Kruege y Michael Jackson. Esto lo hicieron para todos los fans de los personajes y si nos preguntas, claro que nos encantó.
21. ‘Thor: Ragnarok’


Los super héroes no solo existen detrás de la pantalla, ya que fuera de ella los actores hacen buenas obras. Para Ragnarok se añadió una línea que dijo un niño del programa Make-a-Wish, esa línea fue ¡Es un amigo del trabajo! Cuando Thor se encuentra con Hulk antes de su batalla.
22. ‘African Queen’


Algunas veces durante el rodaje de una película ocurren cosas que la producción no puede prever. Durante el rodaje de African Queen todo el elenco, incluidos productores y director se enfermaron de difteria. Esto fue a causa del agua contaminada en el lugar.
23. ‘El diario de la princesa’


El diario de la princesa es una película que muchos chicos vivieron como ninguna, pero lo que muy pocos saben es que la cantante Whitney Houstton fue quien produjo esta cinta. Sin embargo, esa no es la única curiosidad, ya que para la segunda entrega de esta graciosa cinta Shonda Rhimes, autora de Grey's Anatomy', fue parte de las escritoras.
24. ‘Mi pobre angelito’


Siempre dentro de las películas se suelen utilizar cosas que no tienen mucho que ver con la grabación. Este es el caso de la imagen de la novia de Buzz en ‘Mi pobre angelito’. Resulta que la imagen de la niña fea que ve en un cuadro Kevin era la hija del director, pero con una peluca. Esto se decidió porque hubiera sido de muy mal gusto poner a una niña de verdad y que el actor haga esa cara de asco.
25. ‘Moonlight’


Diversos motivos hacen que los actores tengan dificultades para grabar, pero la de Naomie Harris fue una más que complicada. En la palabras de la misma actriz en una entrevista dijo lo siguiente: "no podía obtener una visa para trabajar en Estados Unidos, así que eso era un problema. Ella solo tuvo 3 días para graban Moonlight antes de que se le venciera su visa, aun así, esa actuación a toda velocidad le valió una nominación al Oscar.
26. ‘Un lugar en silencio’


Muchos actores buscan la forma de llorar en pantalla y utilizan diversas prácticas para hacerlo. Sin embargo, nada igual que un “siempre te he amado” de parte de un hijo antes de terminar una escena. Esto le ocurrió a John Krasinski antes de que su personaje muera en la película y obviamente que logró lo que se necesitaba para coronar la escena, llorar.
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27. ‘Jurassic World: El reino caído’


Todo el mundo conoce a Chris Pratt, pero pocos saben que antes de su gran aventura en Hollywood él vivía en una Van en Hawái. Para la grabación de Jurassic Worls Pratt tuvo que regresar a donde pensó que nunca regresaría, esto sin duda le ayudó a cerrar uno de sus capítulos más difíciles.
28. ‘Locamente millonarios’


El actor que vemos protagonizar esta cinta estuvo cerca de no serlo. Henry Golding comenzaba su carrera como actor y se le dio la oportunidad de protagonizar esta película, pero como iba a ser su primera aparición por poco no asiste a las pruebas. Las propias palabras del actor fueron "Oh, Dios mio. He oído de esto, pero es para alguien más, que sea un actor real, en que el estudio va a apostar". Si te hubieras encontrado en esta posición ¿Que hubieras pensado?
29. ‘Una navidad con los Muppets’


En ciertas ocasiones los productores de películas se empecinan por tener un actor. En el caso de esta cinta fue con Michael Caine, quien dijo que solo interpretaría a Scrooge en la película de los muppets si en todo momento actuaba como si estuviera con otras personas y no muñecos. En palabras del mismo actor a los productores: "Voy a hacer esta película como si estuviera trabajando con la Royal Shakespeare Company. Nunca guiñaré el ojo. Nunca haré nada como los Muppets. Voy a interpretar a Scrooge como si fuera un papel muy dramático y como si no hubiera Muppets a mi alrededor".
30. ‘Los Indestructibles 3’


Hubiera sido un golpe muy duro para el género de acción si Jason Statham moría en la grabación de Los Indestructibles 3. En una de las escenas donde un camión choca con agua terminó 20 metros en el fondo del mar Negro, pero tuvo suerte de salir con vida. Esto no es una novedad en las producciones de acción, ya que incluso otros actores han tendio graves lesiones, como Jackie Chan, o muerto como el hijo de Bruce Lee.
31. ‘Hostal’


Hostal es una Buena cinta de terror sádico, pero muy pocos se preguntan como se la imagino el director. Se dice que navegando por internet encontró una página en la que gente tailandesa pagaba por ser torturada en un hotel, entonces esa es la respuesta. Esta es una de las películas más viscerales que existen, pero lo increible es que la idea llegó de una conversación de Roth sobre un sitio web tailandés en el que po 10.000$ dolares podías dispararle a alguien en la cabeza.
32. ‘Get Out’


Esta es la primera curiosidad que vamos a ver de esta increible pelicula de suspenso y terror. En este caso la actriz Tiffany Haddish había trabajado anteriormente con el director y guionista de ‘Get Out’ por lo cual fue la primera opción, pero ella le respondió con un rotundo no el cual fundamentaba con que no hacia películas de terror. Nos preguntamos si algunos otros actores han desisitido papeles sumamente famosos por algo así, estamos seguros que sí.
33. ‘Pantera Negra’


Esta curiosidad es bastante graciosa, improvisada y divertida, además de bastante necesaria al final de la grabación. M’Baku necesitaba reafirmar su papel como líder cuando alguien más habló y él no tuvo mejor idea que ladrar para asustarlos. Nos preguntamos si fueras un hombre con poder y en tu territorio ¿Tu hubieras ladrado para asustar a los invasores?
34. ‘Duro de matar’


¿Te imaginas ‘Duro de Matar’ sin Bruce Willis como protagonista? Bueno eso pudo ser una realidad. Frank Sinatra grabó la primera cinta de esta saga en 1968 y en su contrato se estipulo que si se hacia otra película de la saga tenía que sea llamado primero a él. Sin embargo, decidió no ser parte y Bruce Willis tomó la posta de una manera más que épica.
35. ‘El jorobado de Notre Dame y el fantasma de la ópera’


Este caso más de ser sobre una película es sobre un actor, Lon Chaney. Este actor también se realizó su propio maquillaje para las películas mencionada, ya que era uno de los mejores maquillistas de toda la industria en su época. Cómo han cambiado las épocas, hoy en día es imposible ver a un actor que haga algo como maquillarse a sí mismo.
36. ‘Saga de Star Wars’


Todos conocemos a Star Wars, una de las sagas más importantes de películas de toda la historia del cine. Sin embargo, lo que pocos conocen es que Chewbacca fue inspirado en el perro de George Lucas. Sin duda él amaba a su perro y quería que el personaje, compañero de Han Solo, tenga el mayor parecido posible a su amada mascota. El amor por las mascotas es tan increíble que incluso George Lucas quiso perdurar por siempre a su mascota en el gran Chewbacca.
37. ‘2001 Odisea en el espacio’


Esta película tuvo momentos increíbles, pero sin duda lo que más la marcó fue la decisión de Stanley Kubrick de destruir toda la utilería o gran parte de ella. Lo que quería el director era que ninguna pieza de la película sea utilizada en ninguna otra cinta. Sin embargo, ante esta terrible destrucción algunas partes si que se terminaron salvando y alguna ha terminado siendo subastada por casi $350,000 dólares. ¿Tú gastarías tanto dinero por una parte de la escenografía de tu película favorita?
38. ‘Buscando a Nemo’


Este caso es bastante extraño, ya que a Megan Mullaly le pidieron hacer cualquier voz para interpretar a Dory. Sin embargo, después el estudio cambio de decisión y preferían que haga la de Will & Grace a lo que ella se negó y decidieron despedirla para buscar a alguien más. Para los que han visto la película en ingles, creemos que sería muy diferente la voz de otra actriz que no sea la que conocemos y menos pareciendose a la voz de otro personaje.
39. ‘Nace una estrella’


Bradley Cooper es un tremendo actor y que tiene muy buenas decisiones. En esta película él decidió entrenar con un profesor de dialecto para imitar la voz de Sam Elliot sin saber que este iba a ser contratado. Para suerte de Cooper si lo terminaron contratando y todo su esfuerzo valió la pena. ¿Nos preguntamos qué hubiera pasado si no contrataban a Sam Elliot? nos imaginamos que hubiera sido una gran decepción o más para Cooper.
40. ‘Lilies of the Field’


Esta primera curiosidad de la película es bastante interesante y arriesgada. El productor y director de Lillie of the Field tuvo que poner su propia casa como garantía para recibir el préstamo para realizar la película y solo nos queda agradecer que lo hiciera. La cifra fue de 250,000 dólares y tuvo que grabar corriendo todo. Creemos que muy pocas personas se arriesgarían a tanto para cumplir su sueño, pero el que no se arriesga no gana.
41. ‘Lilies of the Field’


Esta curiosidad va de la mano de la otra. El protagonista Sidney Poitier decidió ayudar al productor quitándose el sueldo, pero en compensación recibiría parte de la taquilla que reúna la película. Solo podemos decir que muy buena decisión la que tomo Poitier, pero al igual que el director se la jugó.
42. ‘La Sirenita’


Los mejores actores tratan de entrar lo más que pueden en la vida de su personaje. Sin embargo, en este caso lo hizo la cantante de ‘Part of Your World’ Jodi Benson. Ella decidió encerrarse y grabar la canción dentro de una cabina oscura y aislada para que la voz se asemeja a la escena de sufrimiento de Ariel. Terminó siendo una gran decisión, ya que la tonada de la voz se escuchaba perfecta con lo que sucedía en escena.
43. ‘Get Out’


La escena de en la que se pelean por las llaves de la casa fue bastante improvisada. Ellos decidieron tomar ese camino minutos antes de grabar la escena, pero quedaba tan bien con el ambiente de la escena que decidieron dejarla por completo. En palabras del propio Daniel Kaluuya confirmó estó con las siguientes palabras: "No podía hacer la escena como aparecía en el guion, la verdad. Fue algo que de cierta forma inventamos. Cuando le pedía a Rose que me diera las llaves, todo eso se inventó ese día. Se sintió natural porque nos parecía que lo que figuraba en el guion no quedaba bien en ese momento y Jordan nos permitió hacer eso. Fue lo suficientemente abierto para notar eso"
44. ‘Judy Garland y Mickey Rooney’


Esta curiosidad no trata de una película, sino de una realidad del Hollywood antiguo. Hace muchos años no se tenía a los actores con los cuidados que se les da hoy, pero no dejarles dormir durante 72 horas y darles pastillas para dormir 4 horas y luego despertarlos para darles estimulantes es algo totalmente inhumano. Todo para abaratar costos de producción, pero así se hacían las cosas antes.
45. ‘Hocus Pocus’


¿Sería muy raro no ver a Omri Katz en el papel de Max? Bueno hubiera sido muy extraño, pero en un inicio el papel lo tenía Leonardo DiCaprio. Sin embargo, por tener otras producciones dejó la oportunidad de participar en esta película tan recordada. No nos imaginamos como lo hubiera hecho el buen DiCaprio.
46. ‘Virgen a los 40’


Una reacción muy dolorosa vale más que mil palabras, o no era el dicho así. Lo importante es que Steve Carell decidió que la depilación sea de verdad en la escena de Virgen a los 40, pero él nunca había pasado por esa experiencia. Todas sus reacciones y gritos son auténticos, definitivamente que dolor. No imaginamos que habrá pasado por la mente de Steve, pero sabemos que luego de hacerlo se arrepintió tremendamente.
47. ‘Pajaros’


Una de las escenas más recordadas del cine es en la que Tippi Hedren se enfrenta a muchos pájaros que la atacan. La escena se dio con aves de verdad y nada de computadora de por medio. Sabemos que hay muchas personas que le tienen miedo a las aves, pero Tippi parece que tenía inmunidad a estos ¿Nos preguntamos cuántos se hubieran arriesgado a realizar esta proeza?
48. ‘Avengers: Endgame’


Nos sigue doliendo hasta el día de hoy la muerte de Tony Stark, pero ¿sabías que la escena de la última conversación de Iron Man fue completamente improvisada? Lo que hicieron los hermanos Russo fue decirles de que iba la escena y que Gwyneth Paltrow y Robert Downey Jr. Improvisaran.
49. ‘Los 8 más odiados’


Algunos errores duelen mucho y más cuando son parte de la historia. Durante el rodaje de los 8 más odiado debido a una confusión Kurt Ruseel destruyó una guitarra de 140 años de antigüedad. Lo peor de todo era que esta guitarra fue prestada por un museo, el cual hizo un comunicado diciendo lo siguiente: "Como resultado del incidente, la empresa ya no prestará guitarras a las películas bajo ninguna circunstancia". La confusión con la pieza de utilería dolió demasiado.
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50. ‘La princesa y el sapo’


Es muy interesante como hacen los especialistas para poder imitar un rostro en formato digital para películas. En el caso de la princesa y el sapo la actriz de voz Anika Noni fue la base para realizarle el rostro y las características óseas a Tiana. No sabemos que hubiera pasado si la producción tomaba esta decisión, pero agradecemos que las características de Tiana sean las que fueron.
51. ‘The Conquerer’


Esta es una curiosidad bastante triste y que se pudo evitar. Decidieron grabar esta cinta en una zona donde se realizaban pruebas nucleares, pero el gobierno dijo que no existía ningún problema en el lugar. Sin embargo, años más tarde muchos de los actores desarrollaron diferentes tipos de cáncer.
52. ‘La Bella y la Bestia’


Algunas curiosidades son extremas e increíbles. Para la canción principal de La Bella y la Bestia la cantante Angela Lansbury grabó de una sola toma la canción. Sin embargo, lo más increíble de este hecho es que la noche anterior no durmió nada en su vuelo al estudio. Estamos seguros que muy pocos cantantes hubieran hecho lo que hizo Angela, por esta razón es que ella es tan grande.
53. ‘El extraño mundo de Jack’


Esta película es muy buena, pero asi como fue increíble verla fue igualmente de increíble grabarla. El equipo de más de 120 profesionales demoró en grabar una toma de 1 minuto durante una semana entera. Por esta razón, la película stop motion llevó más de 18 meses de rodaje. Este tipo de películas stop motion suelen tomar mucho tiempo en realizarse, pero hay una película que la supera por mucho en la cantidad de tiempo que estuvo en producción teniendo casi 30 años.
54. ‘El regalo prometido’


Una película que se suele pasar en navidad tiene unas escenas basadas en la vida real. Cuando los padres van en busca de Turboman y la gente se desespera por llevárselos a sus hijos está basada en la fiebre de los juguetes Cabbage Patch Kids de la temporada navideña de 1983. Aunque esta anecdota es bastante fuerte de contar y más que todo de retratar, nadie puede negar que todas las escenas en especial la del alce fueron increíbles.
55. ‘Move Over Darling’


Una curiosidad algo dolorosa se encuentra en Move Over Darling. Durante el rodaje de esta película James Garner debía cargar a Doris Day, pero al momento de hacerlo para apartarla le termino fisurando un par de costillas debido a la fuerza que tenía. En palabras de la propia Doris Day : "me levantó tomándome bajo su brazo con demasiada fuerza y me rompió un par de costillas. Hice esa película momificada con cinta adhesiva, lo que dificultó mi respiración e hizo que reírme fuera doloroso". Es increíble como alguien puede llegar a tener tanta fuerza como para de un abrazo romper las costillas de alguien joven, ¿o no?.
56. ‘La lista de Schindler’


Una de las películas más crudas de la historia no está exenta de curiosidades. En esta cinta Steven Spielberg se negó a recibir pago, según consideró que ese dinero estaba manchado por las almas de todos los judíos que murieron en la verdadera Gran Guerra. La historia de esta película es sumamente trisste, ya que pasó en la realidad y la acción de Steven Spielber fue más que noble.
57. ‘Aladdin’


Una de las películas más entretenidas de Disney tiene un secreto inmenso. Los productores de la cinta querían que Robbin Williams doblara voz en ella, para esto crearon al genio el cual basó muchos de sus diálogos de los especiales de comedia del actor. El actor pese a tener le guion creado por los productores decidió cambiar la mayoría de los textos y adaptarlos a como él creía mejor. Obiamente, esta decisión fue más que acertada, ya que nadie puede olvidar el actuar del genio.
58. ‘Cantando bajo la lluvia’


Esta curiosidad es bastante triste, pero algunas personas no soportan te de igual manera los gritos e insultos. Durante el rodaje de ‘Cantando bajo la lluvia’ la actriz Gene Kelly insultó tanto a Debbie Reynolds que la actriz incluso se fue debajo de un piano una vez para llorar desconsoladamente.
59. ‘Jurassic Park’


Las nuevas películas de Jurassic Park deleitaron al público y nos hicieron recordar muy bien a sus antepasadas. Sin embargo, un detalle muy importante en su grabación fue que el sonido de los raptores eran en verdad tortugas copulando. ¿Te imaginaste alguna vez que 2 tortugas copulando suenen asi? Bueno, nosotros no.
60. ‘Willy Wonka y la fábrica de chocolate’

Algunos actores tienen pedidos bastante extraños para interpretar un papel y puede ser que Gene Wilder se lleve el premio. El actor dijo que si a la película con la condición de salir cojeando de la fábrica, al momento de recibir a los niños, y luego darse un volantin. Sin duda fue un pedido extraordinariamente divertido, pero bastante raro. Nos preguntamos que hubieran pedido los que leen esta nota.


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15 cosas que no sabías de Bruce Lee: ídolo cinematográfico, icono antiracista y tu inspiración en 2020



Bruce Lee en 1973.Archive Photos/Getty Images
1. “Sus interacciones con gente mi diferente y sus ganas de aprender lo convirtieron en un buen aliado”, explica Bao Nguyen, director de un documental sobre Bruce Lee titulado, cómo no, Be Water. Se trata de la última entrega de la prestigiosa serie 30 for 30, famosa por colocar a grandes tótems del deporte y el atletismo en su contexto sociocultural y político. En el caso de Lee, continúa Nguyen, eso implica explorar su estatus de símbolo antirracista, nacido de su comprensión de la injusticia sistémica a la que el pueblo afroamericano se ve sometido en su país adoptivo, Estados Unidos, así como de su interés en la batalla por los derechos civiles. Uno de sus primeros estudiantes, Jesse Glover, había sido víctima de violencia policial, luego la principal razón que lo llevó a aprender artes marciales fue la autodefensa de cara a futuros incidentes. “Aquello realmente informó a Bruce sobre las relaciones raciales en América y la suerte de fragilidad que conllevan”, sentencia el director. Glover se convirtió en el primer instructor asistente de su gimnasio norteamericano.
2. Más adelante, el propio Lee experimentó en sus carnes el racismo, especialmente en la industria del cine. La mayoría de los papeles que Hollywood le ofrecía eran de secuaz villanesco más diestro con los puños que con las palabras, algo que acabó convenciéndolo de que, si quería interpretar al héroe en una producción estadounidense, tendría que escribirse ese proyecto él mismo. Y así lo hizo, pero tanto Warner como Paramount rechazaron la biblia de una serie, The Warrior, que se parecía sospechosamente demasiado a Kung Fu, el clásico televisivo de David Carradine. Su viuda, Linda Lee Cadwell, está convencida de que los ejecutivos le plagiaron la idea y la estrenaron después de que él muriera.
3. Tal como se muestra en Érase una vez… en Hollywood (2019), Sharon Tate era amiga y alumna de Bruce Lee, quien le enseñó todos los movimientos de kárate que hace en la película La mansión de los siete placeres (1968). Kareem Abdul-Jabbar y Steve McQueen también asistieron a sus clases, y sabemos incluso que el segundo ayudó a portar el féretro (junto a James Coburn, Chuck Norris y George Lazenby) en el funeral de su colega.
4. Pese a que el retrato que Quentin Tarantino pinta de él en su película resultó polémico, sabemos que Lee era muy, muy presumido. Por ejemplo, siempre mantuvo que solo perdió un combate en toda su vida. Y sucedió cuando tenía trece años.
5. Es el inventor del Puñetazo Imparable, demasiado rápido como para poder ser bloqueado por ningún oponente. Su nombre técnico era “Puñetazo de Una Pulgada”, tal como se estudia en wing chun, un arte marcial basada en la velocidad y en las técnicas concretas que te permiten doblegar a tu oponente en la menor cantidad de tiempo posible. De ahí que el Puñetazo Imparable se tuviese que efectuar siempre desde una distancia muy corta, pasando de cero a cien en una milésima de segundo: en lugar de usar aceleración, como en un golpe normal, Bruce Lee usaba toda la masa de su cuerpo para efectuar este movimiento.

6. Se licenció en Filosofía por la Universidad de Washington. ¿De dónde creías que salía lo de “Be water, my friend”? Hablamos de un maldito filósofo. De hecho, a Lee le gustaba decir que sus movimientos de lucha eran un simple reflejo de sus ideas filosóficas, una metáfora. La clase de metáfora que tumba a un hombre de un solo golpe.

Elegante para una foto promocional de El avispón verde.
ABC Photo Archives
7. Pese a haber estudiado con profusión las enseñanzas de Buda o el taoísmo, Bruce Lee se definía a sí mismo como ateo. Cuando, en 1972, le preguntaron si creía en Dios, su respuesta fue: “Siendo perfectamente franco, la verdad es que no”.
8. Nada menos que 400 extras fueron empleados en Operación Dragón (1973), su película más emblemática. Muchos eran miembros de clanes rivales en Hong Kong, luego en ese plató las peleas no tenían lugar solamente cuando las cámaras estaban rodando… De vez en cuando, uno de estos chicos se ponía tan gallito que decidía retar a la estrella, sobre todo para comprobar si sus movimientos eran o no un truco cinematográfico. Según un libro de Robert Clouse, Lee siempre actuaba del mismo modo cuando esto ocurría: dejaba que su oponente diera el primer paso, lo veía fracasar invariablemente y entonces, solo entonces, el dragón despertaba, efectuando dos o tres golpes certeros que hiciesen sangrar al extra. No quería matarlo, pero sí dejarle una marca que le recordase a quién había insultado.
9. Bruce Lee también se peleó, aunque de otro modo, con Michael Allin, el guionista de Operación Dragón. El actor pensó que el material que le habían escrito era bueno, pero también que Allin no tenía ni idea de cómo hablaba y se movía la gente de Hong Kong. De modo que Lee no paraba de reescribir durante el rodaje, sin saber que los productores le habían pagado al guionista un billete de avión para que pudiese asistir. Tras un tenso intercambio de palabras, Lee exigió que Allin abandonase inmediatamente el país, negándose a seguir trabajando si no le hacían caso. Los productores simplemente lo cambiaron de hotel.
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10. Ganó el campeonato chino de chachachá en 1958. Eso es: el tipo también sabía bailar.
11. El avispón verde (1966-1967) era una serie de televisión basada en un serial radiofónico del mismo nombre. Bruce Lee contó que le dieron el papel de Kato, fiel asistente del superhéroe protagonista, porque era el único actor asiático que podía pronunciar correctamente su nombre: Britt Reid. La serie era conocida en toda China como El show de Kato, pues era la primera vez que una producción norteamericana contaba con un actor oriental en su elenco y eso les llenaba de orgullo nacional.
12. Al parecer, a la comunidad hongkonesa de las artes marciales le hacía tan poca gracia que Bruce Lee enseñase a occidentales en su escuela que le dieron un ultimátum en 1964. Cuando se negó a cumplirlo, un maestro shaolín llamado Wong Jack Man lo retó a un combate privado en el barrio chino de Oakland, California. Si perdía, Lee tendría que cerrar su gimnasio y no podría volver a dar clase nunca más; si ganaba, sería libre para hacer lo que quisiese en Estados Unidos. Sin embargo, Wong negó esta versión de la historia, argumentando que solo luchó contra Bruce Lee después de que este se presentase en su teatro de Chinatown presumiendo de que podía darle una paliza a cualquier hombre de San Francisco. Sea como fuere, ganó Lee.
13. Su muerte fue objeto de varios rumores y conjeturas, desde un asesinato de las triadas hasta una sobredosis. En realidad, Bruce Lee murió de un edema cerebral producido como reacción a uno de los componentes del Equagesic, un analgésico que tomaba desde hacía tiempo (y que se dejó de fabricar poco después).
14. Fue nombrado por la revista Time como una de las cien personas más influyentes del siglo XX, concretamente en la categoría de héroes e iconos.
15. En 2013, la ciudad de Los Angeles presentó una estatua suya de tamaño real en pleno corazón de Chinatown. Sin embargo, nuestra favorita se encuentra en el parque Mostar de Bosnia y Herzegovina: como se puede comprobar en esta foto, ha sido actualizada a los tiempos que nos ha tocado vivir. Este virus nunca habría tenido ni media posibilidad contra él.

Estatua de Bruce Lee en Bosnia y Herzegovina, 2020.

https://www.revistagq.com/noticias/articulo/bruce-lee-curiosidades-be-water

 

8 curiosidades increíbles que no sabías de la carrera de Jean-Claude Van Damme

• Sabemos cómo hace Su icónica patada, y cómo se mantiene en forma, pero estas 8 curiosidades sobre la carrera de Jean-Claude Van Damme son nuevas para nosotros.
• Peleas, trabajos, su primer papel, premios y homenajes... Conviene leerlas detenidamente.

Cuando descubrimos cuál era su secreto para estar en forma a sus 62 años, y nos desveló el truco para hacer su famosa patada, pensábamos que lo sabíamos todo sobre Jean-Claude Van Damme. Bueno, pues no; su carrera está repleta de increíbles y divertidas anécdotas y curiosidades que aquí hemos querido compilar.
8 cosas que no sabías de JCVD

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  - Era un negado con el ballet. Él mismo llegó a afirmarlo, y eso que lo practicó durante 5 años. Eso sí, sin duda le sirvió para dominar las artes marciales. “Siempre me atrajo el ballet debido a la destreza, el estiramiento, la gracia y el hecho de que eres capaz de controlar sin mostrar ningún dolor en la cara”.
  
  
  - Fue personal de seguridad de Chuck Norris. En 1984, mientras se introducía en el mundo fitness y soñaba con el cine, buscaba trabajos de lo que fuera. Lo curioso es que era el encargado de controlar la puerta de Woody’s Wharf, un bar de Chuck Norris. “Nunca me peleé, era muy simpático”, recuerda.
  
  
  - Consiguió su primer papel por dar patadas al productor. Después de perder su papel en ‘Predator’ en 1987, JCVD no se iba a conformar, Y convenció al productor Menahem Golan de que le concediera un papel en ‘Bloodsport’ después de una serie de patadas rapidísimas que se quedaron muy cerca de conectar con su rostro. Y así nació una estrella.
  
  
  - Lanzó una papaya a otro productor. En 1991, durante el rodaje de ‘Double Impact’, lanzó una papaya al productor cuando se enteró de que parte de los beneficios se iban a destinar a rodar otra película sin él, con la estrella de la NFL Brian Bosworth de protagonista. “Gracias a dios que se agachó”, afirmó en Yahoo.
  
  
  - Retó a Steven Seagal a pelear en casa de Sylvester Stallone. Lo contaba el propio Stallone, cuando en 1997 en una fiesta en su casa de Miami JCVD se enfadó con Seagal porque este supuestamente había dicho que le machacaría. Ahí, Van Damme le propuso el clásico “vamos fuera”, pero Stallone lo frenó para evitar un destrozo. Después ya en una discoteca, parece ser que Seagal se evaporó…
  
  
  - Es consciente de que los títulos de sus películas pueden sonar repetitivos. Al palabra muerte es muy habitual en su filmografía, lo que puede llevar a confusión. Incluso él duda con el orden en que las grabó. Y normal: ‘Sudden Death’, ‘March of Death’, ‘Dead Dead Dead’, ‘Double Dead’…
  
  
  - Se concedió un premio a sí mismo. Fue en 2008 por ‘JCVD’, una película donde evidentemente, él era el protagonista de su propia vida. La revista TIME coincidió en que era una de las grandes interpretaciones del año, y eso que nunca se le ha destacado por sus dotes como actor.
  
  
  - Tiene dos estatuas dedicadas es su honor. En 2012 inauguró una en Bruselas con su típica postura de arte marcial, pero lo curioso es que tiene otra en Azerbaiyán, en la ciudad de Vandam. A ver quién puede decir algo parecido.
  
  
  https://www.menshealth.com/es/fitness/a32697506/jean-claude-van-damme-curiosidades-carrera/
  
  

 

65 cosas que (probablemente) no sabías de Steven Spielberg



Te contamos algunas de las cosas más desconocidas del Rey Midas de Hollywood.

¿Un genio o un mercachifle? ¿Un niño grande enamorado del cine o un traficante de emociones al por mayor? Steven Spielberg lleva 75 años sin que podamos responder con seguridad a ninguna de esas dos preguntas. Lo único que tenemos claro es que, sin él, la historia del cine desde los 70 hasta hoy no hubiera sido la misma.
El 18 de diciembre de 1946, el futuro 'Rey Midas de Hollywood' llegó a este mundo en Cincinatti (Ohio), y aunque no se tiene constancia de que sus primeras palabras fuesen "¡Acción!", nosotros estamos seguros de que su primer gesto al salir del vientre materno y recibir la correspondiente palmada en el culo fue poner cara de Spielberg. Después llegarían Tiburón, En busca del Arca perdida, E. T., Minority Report o Las aventuras de Tintín, entre tantos otros éxitos, fracasos y delirios de celuloide.
CINEMANÍA ha tirado la casa por la ventana, hurgando en lo más profundo de sus archivos para ofrecerte un repertorio de anécdotas, secretos y cotilleos que jamás hubieras imaginado, a razón de uno por año de vida del genio. A continuación podrás leer 65 cosas que -probablemente- no sabías de Spielberg.
1.- Su nombre completo es Steven Allan Spielberg. Oficialmente, nació en 1946, pero también se rumorea que se quita años, a fin de consolidar su reputación de director precoz. ¿Nos lo creemos?
2.- Además de por el divorcio de sus padres en 1965, confiesa que su vida quedó marcada por el antisemitismo de sus vecinos en un suburbio de Saratoga (California) donde pasó su adolescencia. "Me rompieron la nariz dos veces", comenta.
3.- Su hermana menor, Anne Spielberg, también se dedica al cine: su mayor logro ha sido firmar el guión de Big (escrita, por cierto, pensando en que la dirigiera Steven). Según declaraciones de Anne, Steven y ella no se llevan bien.

65 cosas que (probablemente) no sabías de Steven Spielberg
4.- Spielberg tiene tantas fobias como alergias Martin Scorsese. Es decir, muchísimas, entre ellas un feroz miedo a las alturas. Durante sus años mozos, la que más le atormentaba era el miedo a las ocasiones públicas: según se cuenta, bastaba con que alguien le mirase fijamente para que su nariz comenzase a sangrar.
6.- Spielberg ganó una medalla de los boy scouts por el que posiblemente fuese su primer corto, The Last Gun, un western rodado con sus compañeros de patrulla a los 14 años. Su relación con la asociación escultista se prolongó durante cuatro décadas, pero finalmente Spielberg se desvinculó de ella por su reticencia a admitir homosexuales en sus filas.
7.- Firelight, la película que Spielberg dirigió de forma casera con 16 añitos, duraba 140 minutos. Era una historia de invasiones extraterrestres, y se rumorea que fue la base para el argumento de Super 8.

Steven Spielberg
Cinemanía
8.- Según dijo Shia LaBeouf, Spielberg “tiene una gran puntería” y es muy bueno tirando con escopeta. Pese a ello, no se tiene constancia de que le guste cazar.
9.- Enfrentado al dilema de matricularse en una universidad o ser alistado para ir a Vietnam, Spielberg optó por lo primero. Sin embargo, sus precoces comienzos en el mundo del cine le impidieron acabar la carrera.
10.- Su primer trabajo fue como becario, sin cobrar y sin días libres, en los estudios Universal. En cuanto tuvo un poco de poder entre manos, lo primero que dejó claro fue que no rodaría los fines de semana.
11.- Durante ese mismo trabajo como becario, Spielberg recibió la orden de acompañar por el estudio a un novelista que quería vender un tratamiento de guión. El novelista era Michael Crichton, el futuro autor de Parque Jurásico.
12.- Muchos años antes de que todo el mundo oyese hablar de Amblin Entertainment, Spielberg rodó Amblin’, un mediometraje sobre una pareja de autoestopistas que puedes ver en el vídeo de arriba. El jefazo de Universal Sid Sheinberg quedó tan impresionado por el trabajo que contrató a Spielberg ipso facto, convirtiéndole en el director profesional más joven de Hollywood. Nuestro héroe tenía sólo 21 años.
13.- Su primer trabajo como director en TV fue en un episodio del programa de terror Night Gallery, protagonizado por Joan Crawford. Spielberg se ganó la amistad de la actriz regalándole una rosa con el tallo dentro de una botella de Pepsi (compañía que la Crawford había sido presidenta). Desde entonces, y pese a su fama de bruja, ella hizo todo lo posible para darle a conocer… Pero sin consentir que les viesen juntos fuera del plató. Con cierto sentido, Crawford decía que, una de dos, o la llamarían asaltacunas, o pensarían que Spielberg era su hijo.
14.- George Lucas le acusó de plagiarle su filme de debut, THX-1138, para uno de sus programas de TV. A raíz de ese conflicto, Francis Ford Coppola sugirió a Lucas que viera El diablo sobre ruedas, quedando el futuro padre de Star Wars fascinado. Desde entonces, ambos directores acabaron haciéndose muy amigos. Y así, hasta hoy.

65 cosas que (probablemente) no sabías de Steven Spielberg
15.- El primer coche de Steven Spielberg fue un Pontiac Trans Am (en la foto), pero lo cambió por un Mercedes a los pocos meses. Spielberg consideró que un vehículo tan común como su Pontiac daba mala impresión en el párking del estudio.
16.- Spielberg fue alumno de Jerry Lewis en sus cursos de cine para la Universidad del Sur de California. En dichos cursos, coincidió con el futuro director de Conan el bárbaro, John Millius.
17. - En su juventud, Spielberg anduvo en tratos galantes con Margot Kidder, la intérprete de Lois Lane en las primeras películas de Superman. Sus amigos de entonces recuerdan que ella intentaba escandalizar al mojigato Steven a las primeras de cambio mediante argucias como presentarse frente a él sin bragas y en minifalda (a lo que Steven solía replicar con un airado "¡Margot, por favor!"). No falta quien insinúa que nuestro hombre perdió la virginidad con ella, ya bien entrado en la veintena.
18.- Durante su juventud, los hábitos higiénicos y dietéticos de Spielberg eran, siendo suaves, cuestionables. Un testigo le describe “alimentándose a base de galletas Oreo y pastelitos”. Margot Kidder recuerda una valiosa lección vital que impartió al futuro director en los 70: “Cámbiate de calcetines todos los días, y no salgas a la calle con la camiseta que has usado para dormir”.
19.- ¿Alguien se imagina a Spielberg trabajando con Paul Schrader, el neurótico y drogata guionista de Taxi Driver? Pues sucedió: siendo todavía un desconocido, Spielberg fichó a Schrader para ayudarle con el guión de Encuentros en la tercera fase. La cosa no acabó bien, y Schrader ni siquiera aparece en los créditos del filme.
20.- Pauline Kael, la crítico más feroz de los años 70, atenuó su habitual tono cáustico cuando calificó a Loca evasión, el primer largometraje de Spielberg, como “uno de los mejores debuts de la historia del cine”. Poco antes de su muerte en 2001, Kael afirmó que Steven la había decepcionado, convirtiéndose en "un fabricante de melodramas".

65 cosas que (probablemente) no sabías de Steven Spielberg
21.- Por estas mismas fechas, Steven ejerció como padrino de bautismo de Gwyneth Paltrow, que le suele llamar “Tío Morty”. Puedes verles juntos en la foto de arriba. Otra de sus ahijadas ilustres es Drew Barrymore.
22.- Buscando un argumento como loco para su segunda película, Spielberg robó un ejemplar de una novela de un despacho de la productora Universal. El nombre del libro era Tiburón: tal vez te suene de algo…

65 cosas que (probablemente) no sabías de Steven Spielberg
23.- Con sus aproximadamente 781 millones de euros de taquilla (ajustados a la inflación) Tiburón tuvo el récord de película más taquillera de la historia… Hasta dos años más tarde, cuando se estrenó La guerra de las galaxias.
24.- Actualmente, y ajustando sus recaudaciones a la inflación, Spielberg tiene tres películas en el top 25 de las más recaudadoras de la historia, según la web Box Office Mojo. Se trata de En busca del arca perdida (puesto 22), Parque Jurásico (puesto 18), Tiburón (puesto 7) y E.T., el extraterrestre (puesto 4).
25.- Su condición de (relativo) novato no inmunizó al joven Spielberg contra los hechizos del ego: el cineasta estaba tan convencido de que le iban a nominar al Oscar por Tiburón, que llamó a un equipo de rodaje para que le filmase en su despacho al recibir la llamada de la Academia. Debió ser un momento muy tenso, porque esa llamada no llegó nunca. Steven no sería nominado por primera vez hasta 1977 por Encuentros en la tercera fase.
26.- Por lo visto, Spielberg hace unas esculturas horribles en sus ratos de ocio. Un testigo anónimo describe una de ellas, situada en hall de una de sus mansiones, como “una cosa repugnante hecha con instrumentos musicales viejos: podría haber adornado la sala de juntas de un banco”.
27.- En 1976, hecho un manojo de nervios, Spielberg se presentó en el plató donde Alfred Hitchcock (uno de sus directores favoritos) rodaba La trama, el que habría de ser su último filme. 'Hitch', que ya había elogiado el trabajo de Steven en Tiburón, afirmó estar nervioso al conocer a su discípulo: "Comparado contigo, yo soy una puta", le dijo.
28.- El motivo de cinco notas mediante el cual se comunican los alienígenas de Encuentros en la tercera fase parece sencillo. Sin embargo, se sabe que Spielberg obligó a John Williams a componer 300 melodías antes de quedarse con el tema definitivo. La amistad con Williams, pese a las exigencias del director, se prolongó a lo largo: el compositor acabaría firmando la música de todas las películas que Spielberg rodó tras conocerle en Loca evasión, salvo la de El color púrpura (obra de Quincy Jones).
29.- Como todo cineasta que se precie, Spielberg se ha hinchado de hacer cameos, tanto en sus propias películas como en las de sus amigos: algunos de ellos son bastante conspícuos, como el de Austin Powers en Miembro de oro, pero otros (como los de Granujas a todo ritmo y Gremlins) son mucho más discretos.
30.- El director francés François Truffaut, que trabajó como actor en Encuentros…, no tenía a Spielberg en mucha consideración, pese a elogiar en ocasiones su infatigable capacidad de trabajo. Sin embargo, durante el rodaje le dio uno de los consejos más importantes de su vida: “Eres como un niño, así que haz películas para niños”.

65 cosas que (probablemente) no sabías de Steven Spielberg
31.- Durante el rodaje de En busca del arca perdida en el norte de África, Spielberg fue el único miembro del equipo que no acabó con diarrea. ¿La razón? Que comía sólo espaguetis enlatados. Lo anterior no le libró de echar hasta la primera papilla en los estudios Elstree de Londres, mientras rodaba la secuencia del Pozo de Almas: al igual que ‘Indy’, Spielberg tiene fobia a las serpientes.
32.- Dicha escena, por cierto, fue la que ocasionó su primer encuentro con Stanley Kubrick. Muy amantes de los animales, el director y su hija Vivian estuvieron a punto de demandarle por el tratamiento dado a los ofidios. Spielberg se tomó la advertencia muy en serio, y dispuso que, desde entonces, cada serpiente tendría un cubículo con un poco de agua y una hoja de lechuga (para picar), además de varios veterinarios de guardia. Al enterarse, Kubrick se pasó por el estudio para admirar la instalación, pero su opinión sobre su colega (y futuro amigo del alma) no mejoró mucho: antes de acabar el día, ambos cineastas estaban insultándose a grito pelado.
33.- Su “música para tener ideas geniales” es el James Bond Theme de John Barry. En sus años mozos, de hecho, Spielberg soñaba con dirigir una peli de 007.
34.- La relación de Spielberg con con Michael Jackson comenzó tras el estreno de E.T., cuando Spielberg trató de persuadirle para que compusiera una canción para un libro-disco de cuentos sobre la película. Con los años, el músico y el director se mantuvieron en contacto, hasta el punto de que Spielberg ofreció a Jackson el papel de Peter Pan en Hook. Pero la cosa acabó degenerando, hasta el punto que en 2000, según un artículo de Vanity Fair, 'Jacko' pagó a un brujo brasileño para que echase mal de ojo al cineasta.
35.- Spielberg parece algo descuidado en los trámites oficiales. De hecho, aún se debe estar arrepintiendo de hacerle a Amy Irving, su primera esposa, un acuerdo prenupcial anotado en una servilleta: la broma le costó (divorcio mediante) unos 173 millones de euros ajustados a la inflación. Cuando contrajo su segundo matrimonio con la actriz Kate Capshaw (Indiana Jones y el Templo maldito), se mostró más cuidadoso con el papeleo.
36.- Hablando de cantidades exorbitantes, eliminar las pistolas de E. T. para la edición especial en dvd requirió un gasto de 192.000 euros. Spielberg aún se está arrepintiendo.
37.- Por otra parte, E. T. fue la primera película de la historia en ser pirateada en forma de screener: un grupo de chavales persuadió a un proyeccionista que les dejara filmarla con una cámara Betamax, para después forrarse vendiendo las copias en cinta.
38.- Spielberg y George Lucas tienen su lugar correspondiente en la lista Forbes de los 400 hombres más ricos del mundo. Nuestro héroe aparece en el puesto 376, y el padre de Star Wars en el puesto 347.
39.- No está de más citar que la fortuna personal de Spielberg se estima en unos 2.302 millones de euros.
41.- A principios de los dosmiles, Spielberg adquirió varios de los Oscar ganados por actores míticos de la historia del cine, como Bette Davis y Clark Gable, a fin de devolverlos a la Academia de Hollywood y que no acabasen en el circuito de subastas.
42.- Si Lucas bautizó a Indiana Jones en honor a su perro, Spielberg no podía ser menos. Sólo que el cánido de marras (un cocker spaniel) se llamaba Willie. Exacto: como el personaje de su futura esposa Kate Capshaw en Indiana Jones y el templo maldito.
43.- Entre los proyectos que Spielberg ha rechazado dirigir se hallan Tiburón 2, Superman, Rain Man, El cabo del miedo (que declinó en favor de Martin Scorsese, para que este tuviera un éxito de taquilla entre manos), Los puentes de Madison, Deep Impact (en la que finalmente ejerció como productor ejecutivo) y La máscara del Zorro, que rechazó para poder centrarse en Salvar al soldado Ryan.
44.- Por el contrario, Spielberg ha acabado poniéndose al timón de películas concebidas por, o para, otros directores. Entre ellas se hallan La lista de Schindler (que podría haber dirigido Scorsese), y seguramente el ejemplo más famoso: I. A. Inteligencia artificial, que debería haber corrido a cargo de su amigo Kubrick.
45.- Metido de lleno en sus labores de productor, Spielberg contactó con un jovencísimo Tim Burton para ofrecerle la dirección de Gremlins. El futuro autor de Ed Wood rechazó la oferta, se supone, porque se consideraba a sí mismo muy inexperto para firmar un largo.
46.- A Spielberg también se le conoció en su día como “el rey del product placement”, por haber sido uno de los directores de Hollywood más aficionados a insertar publicidad encubierta en sus películas. Se sabe que se embolsó un buen pico por incluir las golosinas Reese’s Pieces (parecidos a los Lacasitos) en cierta importante escena de E.T. Su película más llena de marcas fue Minority Report hasta la llegada de Ready Player One.
47.- Siempre reacio a emplear a grandes estrellas en sus películas, Spielberg recurrió a Whoopi Goldberg, por entonces una comediante de escenarios, para El color púrpura. La razón fue que, en una fiesta, Goldberg le había hecho reír a carcajadas con una imitación de E. T.
48.- El mayor fracaso de Spielberg en su carrera no ha sido ni Hook, ni Always ni siquiera Amistad, sino Cuentos asombrosos, una serie de TV a base de episodios fantásticos al estilo de En los límites de la realidad. Presentado como un bombazo en ciernes, el show pasó sin pena ni gloria: sólo llegaron a emitirse 20 episodios entre 1986 y 1987, y durante el rodaje hubo un accidente que dejó cuatro muertos. Además, Steven se había comprometido a presentar cada capítulo, como lo hiciera Alfred Hitchcock, pero acabó pasando del tema.

65 cosas que (probablemente) no sabías de Steven Spielberg
49.- Y hablando de películas de Spielberg que han suscitado malas reacciones, no hay que olvidar que Parque Jurásico puso de los nervios a los paleontólogos de todo el mundo. El motivo fue que tanto los velocirraptores como los tiranosaurios, entre otras muchas especies de dinosaurios que aparecen en la película, no vivieron en ese período, sino en el cretácico, unos cuantos millones de años más tarde.
50.- Hasta poco antes de rodar La lista de Schindler en 1993, Spielberg se había mostrado muy tibio con las cuestiones religiosas, prefiriendo que sus orígenes judíos no interfirieran en su vida cotidiana. ¿Por qué? Pues porque, tras divorciarse de su padre, su madre se había vuelto a casar con un creyente ultraortodoxo: el joven Steven encontraba asfixiante el clima de devoción que se respiraba en su domicilio.
51.- El trabajo en La lista de Schindler extenuó tanto a Spielberg emocionalmente que, desde entonces, se niega a incluir a los nazis como villanos en sus películas de aventuras, para no frivolizar con el tema.
52.- Aunque Spielberg 'sólo' ha ganado dos Oscar a la mejor dirección (por La lista de Schindler y Salvar al soldado Ryan), donde siempre ha arrasado es el los Saturn Awards, que recompensan a las mejores películas de ciencia-ficción. Se ha llevado este galardón 12 veces, la última de ellas por Minority Report.

65 cosas que (probablemente) no sabías de Steven Spielberg
53.- Aunque nunca ha dirigido una película de animación (salvo si contamos Las aventuras de Tintín, pero eso es matizable), Spielberg es un entusiasta del género. De modo que, además de producir ¿Quién engañó a Roger Rabbit? para su amigo Robert Zemeckis, durante los 80 puso su sello en varios largometrajes (En busca del Valle Encantado y las dos entregas de Fievel) y en al menos dos series de TV: Tiny Toons y Animaniacs. Desde la fundación de DreamWorks en 1994, esta cifra se ha disparado...
54.- Uno de los mayores sustos de la vida de Spielberg tuvo lugar en 1997, cuando un tal Jonathan Norman fue sorprendido en pleno allanamiento de una de sus mansiones, cargado con un cuchillo y unas esposas. Según declaró posteriormente, su intención era “secuestrar a Spielberg, violarle y matarle”.
55.- Por esas mismas fechas, Spielberg se empeñó en que Will Smith tenía que protagonizar Men in Black. El actor y rapero se resistió a la oferta, así que Steven decidió hacer una de las suyas: fue a buscarle en helicóptero para llevarle a su despacho y hablar del tema.

65 cosas que (probablemente) no sabías de Steven Spielberg
56.- Olvidados ya viejos rencores, Spielberg y Stanley Kubrick tuvieron una larga relación de amistad, principalmente por vía telefónica: Steven vive en California, y Kubrick no salía de su mansión en Inglaterra. Durante la preparación de Inteligencia Artificial, nuestro hombre recuerda una charla particularmente épica de nueve horas. Kubrick llegó a darle el número de teléfono de su hija. La razón aducida por el maestro: "Así, si me pasa algo mientras hablamos, la llamas y dices que avise a una ambulancia".
57.- Una costumbre muy habitual de Spielberg es pagar sólo el salario mínimo a sus estrellas, concediéndoles a cambio un porcentaje de los beneficios de taquilla. Si ir más lejos, Tom Cruise se llevó un 15% de los beneficios netos de Minority Report.
58.- Pese a que en Munich Spielberg se mostró crítico con las políticas represivas de Israel, su apoyo al estado judío es incuestionable: la Liga Árabe vetó sus filmes en 2007 tras descubrirse que había donado 76.000 euros a las autoridades israelíes tras la invasión de Líbano.
59.- Estamos en pleno rodaje de La guerra de los mundos: Tom Cruise y Dakota Fanning tienen que rodar una escena bastante peligrosa, cruzando un río a nado. El actor y la (jovencísima) actriz se ponen a ello... Y comienza a sonar la música de Tiburón. Era uno de los bromazos con los que, se dice, Spielberg gusta de animar sus rodajes. Una de esas bromas, por cierto, tuvo lugar durante el Halloween de 1981: Spielberg, que detesta trabajar en días festivos, se presentó al rodaje de E. T. vestido de mujer. Y de esta forma, sin inmutarse, dirigió las escenas del día entre las risas del personal.
60.- Al revés que su amigo Lucas, Spielberg es un enemigo confeso del formato digital. Se mantuvo fiel a sus storyboards hasta La guerra de los mundos, donde empleó un sistema conocido como Pre-Vis para planificar las escenas, y justificó su decisión de rodar Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal en analógico alegando que "si la hubiésemos rodado tres años después de Indiana Jones y la última cruzada, nadie notaría la diferencia". Más adelante, Las aventuras de Tintín le haría cambiar definitivamente de idea.
61.- Pese a todo esto, Steven no es tan alérgico a los píxeles como parece: uno de sus vicios confesos son los videojuegos, a los que se enganchó precozmente durante el rodaje de Tiburón. Además de escribir la historia de la aventura gráfica The Dig (1995),ha diseñado juegos como Steven Spielberg's Director's Chair (también de 1995, con Taratino haciendo un cameo), la saga de juegos de guerra Medal of Honor y la saga de puzzles Boom Blox para la Nintendo Wii.
62.- Pese a haber organizado una proyección de E. T. para Ronald Reagan, Spielberg es seguidor del Partido Demócrata. Dentro de sus filas, todo hay que decirlo, se ha mostrado siempre un poco veleta: en las primarias de 2007, sin ir más lejos, organizó un sarao para recaudar fondos en pro de Barack Obama junto a sus compañeros Jeffrey Katzenberg y David Geffen, pero unos pocos meses pidió el voto para su rival Hillary Clinton. Por otra parte, apoyó la campaña electoral de Arnold Schwarzenegger, el governator republicano por excelencia.

Steven Spielberg y J.J. Abrams
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63.- Como hemos visto, nuestro héroe se hartó de rodar cortos en Super 8 durante su infancia y adolescencia. Y todavía conserva esos cortos como oro en paño, si creemos a J. J. Abrams. Cuando Spielberg se puso en contacto con él, no fue para ofrecerle ningún proyecto, sino para pedirle que le ayudase a ordenar sus películas caseras. De dicho encuentro acabó surgiendo una película, claro. ¿Adivinas cómo se llamó?
64.- Spielberg es uno de los mayores abogados de la causa por el matrimonio gay en EE UU. En septiembre de 2008, el cineasta donó 62.000 euros a la campaña contra la Proposición 8, que pretendía incluir una prohibición expresa de las uniones homosexuales en la constitución de California.

65 cosas que (probablemente) no sabías de Steven Spielberg
65.- Podemos estar seguros de que la saga Spielberg va para largo. Entre vástagos biológicos y adoptados, Steven tiene seis hijos. Sasha Spielberg, nacida en 1990, ha tenido breves papeles en Los chicos están bien y El arte de pasar de todo, además de cameos en películas de su papá como La terminal. Puedes verla en la foto, a la derecha, junto a su mamá Kate Capshaw.


https://www.20minutos.es/cinemania/...ablemente-no-sabias-de-steven-spielberg-5928/

 

¡Robert De Niro está de cumpleaños! 5 curiosidades sobre la vida del actor

Si hay un actor que se ha impuesto en la industria como uno de los mejores intérpretes es Robert De Niro. Debutó en el cine hace casi sesenta años atrás y al día de hoy sigue siendo recordado como uno de los mejores actores de Hollywood.


Robert De Niro cumple 79 años.
Foto: El mundo

Un 17 de agosto de 1943 nacía Robert De Niro. Hoy, 79 años después, sigue siendo uno de los intérpretes más respetados de la industria. Desde sus comienzos demostró que tenía el talento necesario para triunfar y así lo hizo. El ganador del Oscar es muy dedicado a sus papeles y no se cansa de demostrar que sigue más vigente que nunca. Por este motivo, y en honor a su cumpleaños, revelamos algunas curiosidades que tal vez no conocías de Robert De Niro.

Robert De Niro, uno de los mejores actores de Hollywood.
Una familia de artistas

Ya desde su nacimiento, Robert De Niro estaba destinado a ser un artista. Tiene ascendencia italiana, irlandesa, danesa, inglesa, alemana y francesa. Su padre era un pintor expresionista abstracto y poeta y su madre también se dedicaba a pintar. Ambos se habían conocido en una clase de pintura y tuvieron un solo hijo. Cuando De Niro tenía dos años, los padres se separaron luego de que su padre confesara ser gay.
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Tras el divorcio, su madre se lo llevó a vivir a Little Italy, un barrio ubicado en Manhattan, Nueva York. Con el paso del tiempo, el joven Robert comenzó a frecuentar las calles del barrio y fue allí que obtuvo su apodo ‘Bobby Milk’ por su contextura delgada y su piel pálida casi como el color de la leche.

Un pequeño Robert De Niro Jr. junto a su padre, Robert De Niro Sr.
Toda su infancia se destacó por ser un chico tímido e introvertido pero gracias a la actuación aprendió a soltarse. A la edad de 10 años, debutó en una obra escolar interpretando al León Cobarde del Mago de Oz. Desde entonces, cada vez se fue interesando más en la actuación hasta que finalmente, cuando tenía 16 años, decidió abandonar sus estudios para ejercer dicha profesión.
Un actor dedicado

Y su pasión por la actuación se ve reflejada en cada actuación que ofrece. Robert De Niro es conocido por ser un actor de método, es decir, que investiga exhaustivamente a sus personajes y siempre busca la manera de meterse y compenetrarse en ellos. Un dato curioso es que el actor es zurdo en la vida real, pero podría decirse que a estas alturas es ambidiestro porque casi todos sus personajes se manejan con la mano derecha.

Robert De Niro tiene en camino una nueva película y sí, es de mafia

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  El personaje de Titanic que Robert De Niro podría haber interpretado pero terminó rechazando

Taxi Driver fue la película que lanzó a Robert De Niro a la fama.
Y hay cientos de ejemplos que demuestran su dedicación. Antes de rodar Taxi Driver de Martin Scorsese, De Niro pasó cuatro semanas trabajando como taxista nocturno para comprender un poco más el ambiente y la psicología del personaje. Y cuando se preparó para interpretar a Vito Corleone en El Padrino: Parte II, se fue a vivir a Sicilia por cuatro meses donde estudió el idioma y se enfocó en aprender el acento siciliano. Para su rol en New York, New York, aprendió a tocar el saxofón.
Otra locura que realizó el actor fue para la película Cape Fear (Cabo de miedo), donde interpreta a Max Cady, un violento psicópata. Para meterse y asemejarse físicamente al personaje, Robert De Niro pagó 5000 dólares a un dentista para que le arruinara la dentadura y le diera un mal aspecto. Cuando el rodaje terminó, pagó 20000 dólares para que le reconstruyeran los dientes. Además, se tatuó todo el cuerpo con tinta vegetal y tuvo que esperar unos cuantos meses hasta que desaparecieran.

El actor fue nominado a un Premio Oscar por su trabajo en Cape Fear.
Otro caso es Toro Salvaje, película donde encarnó al boxeador Jake LaMotta. Para ello, pasó meses practicando boxeo y hasta el verdadero Jake llegó a entrenarlo. Luego, engordó 27 kilos para interpretar al boxeador ya envejecido. Por un tiempo, mantuvo el récord como el actor que más había subido de peso para un rol pero pronto fue vencido por Vincent D’Onofrio, quien subió 32 kilos para interpretar a Leonard Lawrence en Full Metal Jacket.
Su relación con Martin Scorsese

Si hay una dupla extraordinaria dentro del cine, sin dudas es la que formaron Martin Scorsese y Robert De Niro. En total, han realizado 11 proyectos juntos. El primero fue Mean Streets en 1973, a la que le siguieron Taxi Driver y New York, New York. Ya en la década de los 80, vinieron Raging Bull y The King of Comedy y durante los 90 deleitaron con Goodfellas, Cape Fear y Casino.

Robert De Niro junto a Martin Scorsese durante el rodaje de Taxi Driver.
Su siguiente colaboración fue recién veinte años más tarde, en 2015, y de la mano de un cortometraje llamado The Audition. En 2019, se estrenó The Irishman y actualmente se encuentran trabajando en Killers of the Flower Moon.
Un dato curioso, es que Robert De Niro y Martin Scorsese, ambos oriundos de Manhattan, fueron vecinos durante toda la infancia del actor, y sin embargo, nunca llegaron a conocerse hasta la década de los 60, cuando finalmente fueron presentados en una fiesta. Sin lugar a dudas, ambos estaban destinados a trabajar juntos y al día de hoy son grandes amigos, tal es así que entre ellos no son Martin y Robert sino Marty y Bob.

Su faceta de empresario

Además de ser un gran actor, Robert De Niro es un ávido emprendedor. A principios de la década de los 90, comenzó a invertir en la zona de Tribeca en Nueva York. Incluso es el fundador del Festival de Cine de Tribeca. Además, ha invertido y es copropietario de hoteles y restaurantes tanto en Nueva York como en otras partes del mundo.
La actriz con la que más disfruta trabajar

A lo largo de su filmografía, Robert De Niro ha tenido la oportunidad de trabajar con varias actrices, pero hay una que prefiere por sobre todas: Meryl Streep. Ambos trabajaron por primera vez en The Deer Hunter en 1978, y luego volvieron a coincidir en Falling in Love en 1984 y Marvin’s Room en 1996.
Pero lo cierto es que la amistad de De Niro y Streep se debe a mucho más que solo ser compañeros de reparto. Durante la década del 70, la actriz comenzó una relación con el también actor John Cazale. Y en una ocasión, mientras ambos protagonizaban una obra de teatro, De Niro los vio y supo que debía trabajar con ellos. Fue así que pidió que se sumaran a The Deer Hunter. Sin embargo, poco antes de comenzar el rodaje, Cazale cayó enfermo de cáncer y los productores querían despedirlo.

De Niro y Meryl Streep, una amistad que perdura en el tiempo.
De Niro fue insistente y amenazó con renunciar si no lo contrataban y además, pidió que descontaran de su salario todos los gastos del seguro médico de Cazale. El actor completó el rodaje pero su salud seguía empeorando. Aún así, el actor se mantuvo firme al lado de Streep y se encargó de ayudarla con todos los papeles y gastos mientras que Al Pacino, compañero de Cazale en El Padrino, fue el encargado de acompañarlo a las sesiones de quimioterapia. Desafortunadamente, John Cazale falleció en 1978 pero desde entonces, Meryl Streep se ha mostrado eternamente agradecida por el apoyo de Robert y hasta el día de hoy, son grandes amigos.


https://www.quever.news/estrellas/2...riosidades-sobre-la-vida-del-actor-18767.html

 

82 años en 12 curiosidades: lo que tal vez no sabes sobre Al Pacino

El actor cumple años manteniendo su figura como una leyenda ya consolidada del cine


Al Pacino en "El Padrino III" Paramount
Sofía Campos
Creada: 25.04.2022 09:38
Última actualización: 25.04.2022 09:38

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Hablar de Al Pacino es hablar de cine en su más profundo sentido. El actor de nombre real Alfredo James Pacino es historia de la industria cinematográfica, leyenda de la gran pantalla, figura inolvidable gracias a cintas como “Scarface” (1983), “Esencia de mujer” (1992) o cualquiera de la saga de “El Padrino”. Al Pacino cumple hoy 82 años, y continúa al pie del cañón, participando en algunos proyectos y no dejando nunca atrás su verdadera pasión: el cine. Y, si bien no hay mejor manera de conocer al actor que a través de sus películas, recopilamos a continuación una serie de curiosidades que, quizá, no conocía sobre su vida y labor profesional:

Lily Rabe, Byron Jennings y Al Pacino durante la representación de "El Mercader de Venecia". larazon

• Nació en Nueva York, pero su apellido Pacino no tiene resonancia italiana por casualidad: el intérprete es hijo único de Salvatore y Rose Pacino, ambos de origen italiano. Asimismo, sus abuelos maternos eran originarios de Corleone, en Sicilia, así como los paternos, también de Sicilia, concretamente de San Fratello.
• Tenía 28 años cuando debutó como actor en la televisión. Y lo hizo en el quinto episodio de la temporada 2 de la serie “N.Y.P.D.” (1968). Hasta entonces, ya había trabajado en la escena teatral neoyorquina, ante todo en roles para niños, dando más tarde el salto a Broadway.
• Antes de pasarse al mundo del espectáculo, Al Pacino tanteó otros caminos laborales. Para ganarse la vida, fue mensajero, vendedor de zapatos, limpiabotas, oficinista y vendedor de periódicos, entre otros oficios.
• Si le dieran a elegir entre los más grandes errores de su vida, Al Pacino sin duda lamentaría ante todo el momento en que rechazó el papel de Han Solo. “Rechazar ‘Star Wars’ fue uno de mis primeros grandes errores”, admitió el actor en una entrevista, pues le ofrecieron el papel antes que a Harrison Ford.
• Este lujo de rechazar un gran papel no solo se lo permitió con la saga de “Star Wars”, pues Al Pacino también dijo que “no” en los años 70 a dar vida a Roy Neary en “Encuentros cercanos del tercer tipo”, dirigida por Steven Spielberg, así como a Ted Kramer en “Kramer vs. Kramer”, de Robert Benton. Además, rechazó formar parte de “Apocalypse now”, “Pretty Woman” o “Crimson Tide”.
• ¿Habría sido posible “El Padrino” sin Al Pacino? Ahora parece impensable, pero lo que sí podría haber ocurrido es que el intérprete no apareciera en la tercera entrega de la saga. Entonces el intérprete ya era una estrella a nivel mundial, y pidió siete millones de dólares por volver a dar vida a Michael Corleone. Francis Ford Coppola se negó, y le amenazó con matar al personaje, por lo que él decidió bajar la cantidad de la petición.
• Para el intérprete la introspección en un personaje lo era todo, hasta el punto de que durante el rodaje de “Scarface”, cinta en la que dio vida al cubano Tony Montana, solo permitía que le hablaran en español. “Hablaba solo en español incluso cuando no estábamos grabando. Estaba dentro del personaje todo el tiempo. Quería que mi interpretación fuera lo más realista posible y le pedí al director de fotografía, John A. Alonzo, que solo me hablara en español”, explicó en una entrevista.
• Tan solo tiene un Premio Oscar, y lo ganó 20 años después de su primera nominación. La primera vez que fue candidato a la estatuilla fue con “El Padrino” (1972), pero Al Pacino se la llevó a casa gracias a su inimitable trabajo en “Esencia de mujer” (1992).
• Ni “El Padrino” ni “Scarface”: el verdadero taquillazo de la carrera de Al Pacino fue con “Érase una vez... en Hollywood” (2019). La cinta de Quentin Tarantino, protagonizada por Leonardo DiCaprio y Brad Pitt, recaudó la friolera de 374,3 millones de dólares.
• Se podría decir que entre sus pasiones figura en primera línea William Shakespeare. Al Pacino es un enamorado de su obra, y ha protagonizado algunas adaptaciones como “El mercader de Venecia” (2004), así como participó una producción basada en “El rey Lear”, con Michael Radford como director.
• A mediados de los 80, Al Pacino era gran fumador. Hasta el punto de fumar cuatro cajetillas de cigarros al día. En 1994, decidió bajar el nivel con el fin de preservar su salud y, ante todo, su voz, y ahora solo fuma esporádicamente.
• Nunca se ha casado. Quizá su romance más sonado fue con Diane Keaton: “Quería que me quisiera tanto como yo a él”, admitió la actriz en sus memorias. De hecho, mientras rodaba “El Padrino: Parte III”, la intérprete le dio una advertencia a Al Pacino: “Cásate conmigo o al menos ten en cuenta la posibilidad”.

https://www.larazon.es/cultura/cine/20220425/ugmjqkioybgbfffpoqhezugmby.html

 

20 Datos Curiosos sobre Alfred Hitchcock

Algunos datos sobresalientes de este gran director:

Pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspenso y el thriller psicológico.
Fue innovador en el uso de la cámara para imitar la mirada de una persona, obligando de esta manera a los espectadores a participar de cierta forma de voyeurismo.
Empleaba encuadres para provocar ansiedad, miedo o empatía y desarrolló una novedosa forma de montaje fílmico.

Sus historias a menudo están protagonizadas por fugitivos de la ley y sus actrices protagonistas suelen ser de pelo rubio (Tippi Hedren, Vera Miles, Eva Marie Saint, Janet Leigh, Grace Kelly)
Con frecuencia, los misterios que articulan las tramas no son más que señuelos (Macguffin, como los llamó el propio director) que sirven para hacer avanzar la historia, pero no tienen mayor importancia.
Las películas de Hitchcock también abordan a menudo temas del psicoanálisis y tienen marcadas connotaciones sexuales.

Gracias a los cameos en muchos de sus filmes, las entrevistas, los avances publicitarios de sus películas y el programa de televisión Alfred Hitchcock Presenta, el cineasta se convirtió en un icono cultural.
Hitchcock dirigió más de cincuenta películas a lo largo de seis décadas. Reconocido a menudo como el mejor cineasta británico.
Se le ha descrito como uno de los directores más influyente de todos los tiempos y considerado como uno de los artistas más importantes del séptimo arte?.

Su vida infantil fue triste y solitaria falta de una figura paternal que lo acompañara, ya que su padre trabajaba todo el tiempo.
A los dieciséis años descubrió la obra de Edgar Allan Poe y afirmó que probablemente fuera la impresión que le causaron sus historias lo que le llevó a dedicarse a rodar películas de suspenso
A finales de 1917 o inicios de 1918, sus habilidades para el dibujo y sus clases de arte le ganaron su traslado al departamento de publicidad de la Henley’s,33?39? donde ilustraba «anuncios publicitarios de los cables eléctricos» y consideraba que ese «trabajo me acercaba al cine»

El productor Erich Pommer,? lo que ayudó a financiar el primer proyecto terminado de Hitchcock como director: The Pleasure Garden.
El primer éxito internacional del director fue con la película “El hombre que sabia demasiado”, con Peter Lorre en uno de los protagónicos.
Los 39 escalones, fue otra película que sirvió para que el director incrementara su reconocimiento como un cineasta diferente.

Películas como “Naufragos”, “? Spellbound”,” Notorious” y The Paradine Case” consolidaron su pretigio como director.
“Rope”, la primera película a color de Hitchcock y uno de los experimentos técnicos más atrevidos de su carrera.
En las décadas de los 50 y 60 encontramos a un Hitchcock esplendoroso con filmes como “Con M de muerte”, “Los pájaros”, “Pánico en la escena”, “Extraños en un tren”, “Psicosis”, “Yo confieso”, “La ventana indiscreta”, “Para atrapar a un ladrón”, “Marnie”, “North by Northwest”, “¡¿Quién mató a Harry?, una nueva versión de “El hombre que sabía demasiado”, “Vértigo”.

Su aparente declive sobrevino con películas como: Frenesí (infravalorada), La cortina rasgada”, “Topaz” y “La trama macabra”.
Referente de directores como: Brian de Palma, Wes Traven y John Carpenter.


https://cinescopia.com/20-datos-curiosos-sobre-alfred-hitchcock/2022/08/

 

10 datos interesantes que quizá no conocías sobre el director Alfonso Cuarón





El 28 de noviembre pero del año 1961, en la Ciudad de México, nació el director, guionista, productor de cine, editor de cine y fotógrafo mexicano, ganador del premio Óscar al mejor director por Gravity (2013) y Roma (2018) Alfonso Tiberio Cuarón Orozco.
Mejor conocido solo como Alfonso Cruarón, es considerado uno de los cineastas mexicanos más importantes de su generación. Debido a que en los últimos años ha conseguido trascendencia internacional.
Por lo que para celebrar su cumpleaños te traemos 10 datos interesantes que quizá no conocías sobre este gran director:

1. Antes de convertirse en director de cine, estudió Filosofía.
2. Su papá era físico nuclear y trabajó en la ONU para el Organismo Internacional de Energía Atómica.
3. Su primera película fue Solo con tu pareja. Posteriormente, firmó con Warner Brothers para dirigir A Little Princess, que es una de sus favoritas.
4. . Ha sido nominado más de 100 veces en diferentes premios de la industria a lo largo de su carrera.
5. Cuarón, Del Toro y González Iñárritu crearon en el 2007 Cha Cha Cha Films, productora con la que han realizado varias películas entre las que destaca Rudo y Cursi.
6. Es el único director mexicano que ha ganado el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Le fue otorgado este año gracias a su más reciente producción, Roma.
7. La amistad y colaboración entre Cuarón y Emmanuel “El chivo” Lubezki surgió en las aulas del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos.
8. Creó Esperanto Films una casa de distribución y producción que figura en los créditos de filmes como Temporada de patos, Gravity y El laberinto del fauno.
9. La película Ladrón de bicicletas de Vittorio de Sica es una de las que más lo han marcado.
10. Es vegetariano, el cineasta ha decidido llevar una alimentación alejada de la carne y hay restaurantes en la Ciudad de México que le fascinan.

 

Harrison Ford cumple 80 años: detalles y curiosidades de su vida


Ford ganó fama mundial como Han Solo en Star Wars y como el arqueólogo más famoso del cine Indiana Jones


Harrison Ford esta cumpliendo 80 años y aunque tiene una filmografía más que extensa sus papeles de Han Solo en la saga de Star Wars y de Indiana Jones lo elevaron al nivel de estrella internacional.
Otro de sus papeles destacados es el de Rick Deckard en Blade Runner, aunque fue un fracaso inicial en taquilla, la película de Ridley Scott terminó convirtiéndose en una película de culto de la ciencia ficción.

Mundialmente famoso por sus papeles en películas de acción y aventuras, fue galardonado con el premio Cecil B. DeMille en reconocimiento a su trayectoria cinematográfica en la gala de los Globos de Oro de 2002 y con el César honorífico al conjunto de su carrera en 2010.


Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza.
The Walt Disney Company
Detalles y curiosidades de Harrison Ford

• Con más de cinco mil seiscientos millones de dólares recaudados en todo el mundo por sus películas, Ford es el actor con mayores ingresos en taquilla de la historia.
• Trabajó como carpintero en Los Ángeles antes de alcanzar la fama en el cine, principalmente haciendo trabajos de remodelación de viviendas. Tenía la reputación de ser uno de los mejores ebanistas de la ciudad, y sus servicios eran muy solicitados en el moderno Westside de Los Ángeles mucho antes de que se convirtiera en una estrella de cine. En la película Testigo en peligro de 1995 hizo gala de sus habilidades, así lo confirmó Viggo Mortensen (parte del elenco) en más de una entrevista.
• Es piloto privado, monomotor de ala fija y helicóptero. Es dueño de un helicóptero Bonanza, Gulfstream IV, DeHavland Beaver y Bell 407. Destruyó el primer 407 durante una práctica simulada de "apagado del motor". Vuela regularmente entre la ciudad de Nueva York y las casas de Wyoming. Tiene un loft en Tribeca, Nueva York.
• En 1998 fue elegido, con cincuenta y seis años, el hombre vivo más sexy del mundo por la revista estadounidense People.
• Rechazó la película de acción y romance Prueba de vida (2000) (el papel de Russell Crowe), La tormenta perfecta (2000) (el papel de George Clooney) y, por último, otra película taquillera la épica bélica El patriota (2000) (el papel de Mel Gibson). Ford ha dicho que El patriota era "demasiado violento" para su gusto, especialmente considerando que muchos niños fueron asesinados y puestos en peligro a lo largo de la película. Le dijo a la revista People que también rechazó la película porque sintió que la historia era demasiado simple: "La Guerra Revolucionaria se redujo a un hombre que busca venganza".

Lucasfilm

• Se le atribuye "crear" la que muchos creen que es la mejor escena de En busca del arca perdida (1981) porque sufría un ataque de disentería en el momento del rodaje: durante la escena en El Cairo con el espadachín de negro, el guión requería una pelea mucho más larga, pero debido a su condición, en voz baja le preguntó al director Steven Spielberg si podían acortar la escena. La respuesta de Spielberg fue que la única forma en que podría hacerse sería si Indy sacara su arma y "simplemente le disparara al tipo". El resto del equipo, sin darse cuenta del cambio, se rió de esto y se quedó en el corte final.
• Durante la escena en la que está congelado en carbonita en El Imperio contraataca (1980), Carrie Fisher dice "Te amo" y se suponía que Ford respondería "Yo también te amo", pero sugirió cambiarlo a "Lo sé".
• Sus dos papeles más famosos en realidad no fueron escritos "para él". Se encariñó con Star Wars (1977) cuando estaba leyendo líneas con otros actores haciendo sus pruebas de pantalla. Cuando llegó el momento de elegir En busca del arca perdida (1981), George Lucas insistió en no elegir a Ford porque no quería que cada película que hiciera fuera una "película de Harrison Ford". Sin embargo, después de que Tom Selleck se echara atrás, Steven Spielberg volvió a sugerir a Ford y Lucas accedió.

https://www.ambito.com/espectaculos...anos-detalles-y-curiosidades-su-vida-n5485279

 

Las 4 curiosidades sobre Brendan Fraser, el actor detrás de George de la Selva y La Momia


En los últimos días el nombre de Brendan Fraser sonó en todos lados. Es que el famoso actor de George de la Selva y La Momia fue nominado a los Oscar® 2023 como Mejor Actor.
Tanto Disney+ como Star+ tiene películas protagonizadas por él disponibles en su catálogo, para que la audiencia pueda disfrutar de su talento.
Por ese motivo, ¿por qué no descubrir algunas curiosidades del actor?

1)Brendan Fraser pasó su infancia en distintos países

De padres canadienses, el actor nació en Estados Unidos en 1968. Brendan Fraser pasó su infancia en distintos países, como Estados Unidos, Canadá, Suiza y Países Bajos.
Asistió al Upper Canada College, en Toronto, y al Cornish College of the Arts de Seattle, donde se graduó en 1990.
2)Brendan Fraser protagoniza George de la Selva

En 1997, Brendan Fraser protagonizó George de la Selva, película disponible en Disney+. La producción está situada en lo más profundo de la jungla africana, donde unos gorilas han criado a un bebé, George, quien crecerá para ser el más valiente rey de la jungla.
Pero cuando una bella mujer llamada Úrsula, procedente de la civilización, irrumpe en el mundo de George, éste perderá definitivamente el control. Dejando atrás la jungla y todos sus salvajes amigos, incluidos Mono, un gorila que habla, y Shep, un elefante que aspira a ser un perro, George aterriza en la ciudad de San Francisco.
3)Brendan Fraser tuvo un gran éxito con La Momia

En 1999 Brendan Fraser protagonizó La Momia, película que tuvo un gran éxito comercial. Tal es así, que la franquicia luego estrenó La Momia Regresa en 2001 y La Momia: La Tumba del Emperador Dragón, en 2008.
Las tres producciones están disponibles para ver online en Star+.

4)Brendan Fraser: premios y nominaciones

El actor fue nominado al Oscar® 2023 a Mejor Actor por su trabajo en The Whale. Por esa misma película, Brendan Fraser ganó un Critics Choice Award® y fue nominado en los Globos de Oro® y en los SAG Awards®.
En 2006, la estrella de Hollywood fue premiado en los Critics Choice Awards® en la categoría Mejor Ensamble por la película Crash (2004).


https://www.disneylatino.com/noveda...actor-detras-de-george-de-la-selva-y-la-momia

 

Diez curiosidades de Clint Eastwood que tal vez no conocías

Este 31 de mayo el protagonista de ‘El bueno, el feo y el malo’ festeja su cumpleaños número 92 y aquí te contamos algunos datos curiosos que tal vez no conocías del gran Clint Eastwood.


Clint Eastwood es considerado uno de los actores más importantes de la industria del cine, durante su carrera ha cosechado muchos logros en los que se encuentran diversos premios y reconocimientos tanto en actuación como en su trabajo como cineasta.
Es un rostro muy destacado dentro de Hollywood y aquí te contamos algunas curiosidades de esta célebre figura del cine que tal vez no conocías:
1. Posee su propia casa productora

En 1967 fundó una productora estadounidense de cine llamada The Malpaso Company, ahora conocida como Malpaso Productions donde se han producido al rededor de 39 películas.
2. Su carrera en la música

Siempre le ha apasionado la música por lo que ha compuesto la mayoría de las bandas sonoras de sus películas y aunque la música no fue su carrera principal en el año 2007 Eastwood recibió un doctorado honoris causa en música por el Berklee College of Music durante el Festival de Jazz de Monterrey. Coescribió Why Should I Care junto a Linda Thompson y Carole Bayer Sager.
3. Sobrevivió a un accidente de avión

En 1951, cuando regresaba de una visita de casa de sus padres en Seattle, el avión en el que viajaba se quedó sin combustible y se estrelló en el mar. Eastwood logró escapar de la aeronave mientras se hundía y tuvo que nadar cinco kilómetros hasta la costa. Estuvo más de ocho horas en el agua.
4. Fue alcalde en California

Además de ser actor, cineasta y músico, también fue alcalde de un pueblito de California llamado Carmel-by-the-sea, donde actualmente vive y hasta es dueño de un Pub. Aunque es republicano se declara progresista ya que apoya el matrimonio igualitario y esta a favor de la eutanasia.
5. Pudo ser James Bond

Le ofrecieron el papel del agente 007 pero Eastewood lo rechazó ya que el consideraba que el papel de James Bond debía interpretarlo un actor británico: “Me ofrecieron mucho dinero para hacer de James Bond, justo después de Sean Connery, pero la verdad no me sentía bien tomando el lugar de Sean.”, dijo en una entrevista.
6. Es alérgico a los caballos

Clint Eastwood alcanzó la fama gracias a sus papeles en una gran variedad de filmes de western, sin embargo el actor es alérgico a los caballos por lo que grabar escenas de él montando a estos animales muchas veces resultaba complicado.
7. No siempre se dedicó al cine

Durante su juventud el actor tuvo diferentes empleos, entre ser socorrista, repartidor de periódicos, bombero forestal y hasta caddie de golf. También durante la Guerra de Corea se dedicó a ser instructor de natación y salvavidas.

8. Nunca ha ganado como mejor actor en los Óscar

A pesar de contar con una gran variedad de premios y reconocimientos por su carrera como cineasta, Eastwood nunca ha recibido el galardón como mejor actor en los Premios Óscar, sin embargo el 21 de agosto de 1984 Eastwood fue honrado en una ceremonia en el Teatro Chino de Los Ángeles en la que grabó en cemento las impresiones de sus manos y pie por lo que aunque no cuente con ese premio, en la industria se le conoce como uno de los grandes.
9. ‘Okay’ es su palabra

Durante su carrera como director, Eastwood adoptó la palabra “Okay” al momento de comenzar a rodar una escena o terminarla, nunca le gustó usar “acción” ni “corte”.
10. Se le ha homenajeado en varias ocasiones

Al ser un “ícono inmortal” en el cine, ha sido homenajeado en diferentes ocasiones, por ejemplo en la película Volver al futuro III y en un episodio de la serie Sobrenatural: en ambos, los respectivos protagonistas Marty McFly y Dean Winchester viajan en el tiempo al Lejano Oeste y se hacen llamar Clint Eastwood. Gorillaz también le dedicó dos canciones: Clint Eastwood y Dirty Harry.


https://www.milenio.com/espectaculos/cine/clint-eastwood-diez-datos-curiosos-que-tal-vez-no-conocias

 

Diez datos curiosos sobre Bruce Willis


Dato 1
Bruce Willis nació en Alemania en una base militar.

Dato 2
Mientras estaba en el instituto, formó parte del consejo estudiantil como presidente de la clase.

Dato 3
Bruce Willis aceptó el icónico papel de John McClane en "La Jungla de Cristal" después de que tanto Arnold Schwarzenegger como Sylvester Stallone rechazaran el proyecto. La película se convirtió en un gran éxito y, hoy en día, nadie puede imaginar que el papel sea interpretado por otra persona que no sea Bruce Willis.
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Dato 4
Bruce Willis estuvo casado con la actriz Demi Moore durante 11 años. Después de divorciarse, Demi Moore se casó con Ashton Kutcher y Bruce sigue siendo amigo de Demi y de su nuevo marido.

Dato 5
En 1996 apareció en el "Late Show with David Letterman". Estaba allí para hacer publicidad en nombre de Demi Moore y su reciente película en ese momento "Striptease". Para promocionar el evento, se desnudó en el programa para deleite del público.

Dato 6
En 2001 Bruce Willis declaró públicamente que no volvería a aparecer en películas de acción violenta. También declaró que no volvería a aparecer en películas de "salvar el mundo".

Dato 7
Ese mismo año, Bruce Willis participó en la película "Ocean's Eleven" como Terry Benedict. Abandonó el proyecto por razones desconocidas y el papel fue para Al Pacino.

Dato 8
El 26 de febrero de 2003 sustituyó a David Letterman en "The Late Show with David Letterman". Era el primer día de baja que Letterman se tomaba en 20 años.

Dato 9
En 2002, George W. Bush nombró a Bruce Willis portavoz nacional de los niños en régimen de acogida.

Dato 10
Bruce Willis rechazó el papel principal de la película "Ghost", protagonizada por su ex mujer, Demi Moore. No creía que fuera una buena opción para su carrera y que interpretar a un fantasma no funcionaría en la película. El papel fue para Patrick Swayze y la película se convirtió en un gran éxito.

 

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¿Quién es Tom Hanks? Te contamos 8 curiosidades sobre él


1.- Tom debutó en la gran pantalla en el año 1980 con una película titulada Sabes que estás sola; una película de terror en la que interpretó a un personaje secundario llamado Elliot.
2.- Tom Hanks tiene el honor de haber recibido dos premios Oscar durante dos años seguidos y por interpretar al personaje principal de la película. Estas películas fueron Philadelphia y Forrest Gump. Además tiene 4 globos de oro por las películas Big, Philadelphia, Forrest Gump y Náufrago.
3.- Tom es considerado uno de los actores más estables y divertidos de Hollywood, incluso sus propios compañeros de trabajo hablan maravillas de él. Tom si que ha sabido llevar bien la fama que le produce su trabajo.
4.- Padece diabetes tipo 2 desde los 36 años. Esta es una enfermedad muy delicada, pero Tom lo lleva muy bien. Dice haberse adaptado a llevar una vida muy sana, haciendo ejercicio y con una dieta equilibrada.
5.- Se ha casado dos veces, ambas relaciones con muy buenos frutos. Su primera mujer fue Samantha Lewes, con la que estuvo durante 7 años y tuvo a sus hijos Colin y Elisabeth Ann. Actualmente se encuentra casado con Rita Wilson con la que ha tenido a sus hijos Chester Marlon y Truman Theodore.

7.- Con el estreno de la anterior película en la que interpretó a Robert Langdom, Angeles y Demonios, Tom Hanks se convirtió en el segundo actor mejor pagado de Hollywood, recibiendo por esa película unos 50 millones de dolares. Solamente fue superado por Jonnhy Depp, que recibió 55 millones por su participación en la saga Piratas del Caribe.
8.- Tom sigue ofreciéndonos momentos muy divertidos y nos gustaría seguir disfrutando de cosas como esta. Hanks participó en uno de los videoclips de Carly Rae Jepsen con el que se ganó el absoluto cariño del público, aunque no es que no lo tuviera ya... Os lo dejamos para que os animéis el día.


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