Divas del cine mundial

Isabel Sarli

Su exuberancia y sensualidad, sumada a una belleza que representaba lo que muchos llaman la “morocha argentina”, fueron los principales atributos que le abrieron las puertas de la fama a Isabel Sarli, conocida por todos como La Coca.


Fue sin lugar a dudas el ícono sexual del cine argentino de las décadas del sesenta y setenta, y muchos aún recuerdan las largas filas que se producían en las salas ante el estreno de un nuevo filme protagonizado por ella.

Isabel había nacido un 9 de julio del año 1935 en la ciudad de Concordia, Entre Ríos, y desde muy pequeña fue notable su belleza, que con el paso de los años la convirtió en una joven que captaba las miradas de todos los hombres que se cruzaban en su camino; sin embargo, ella era extremadamente tímida.
Sus dotes físicas la llevaron a comenzar una carrera en el mundo del modelaje, lo que en 1955 le permitió participar y ganar el concurso de Miss Argentina, consagrándose definitivamente como la más hermosa.

Y aquella fue la vidriera ideal para que distintos productores de cine del momento se fijaran en esta jovencita que embelesaba las miradas masculinas.
No obstante, a pesar de recibir distintas propuestas, Isabel decidió su futuro inmediatamente, cuando conoció a Armando Bo, el director de cine que fue el único y gran amor de su vida.
Incluso, años después ella misma diría: “Mi relación con Armando se caracteriza así: fue el padre que no tuve, el hermano que perdí porque murió siendo chico, el compañero, el amante… Todo”.

Se conocieron en 1956 y a partir de allí no se separaron jamás, y vivieron una historia de amor como pocas.
Juntos comenzaron el camino de la creación de un nuevo tipo de cine erótico en la Argentina, que fue también furor fuera del país.
Armando dirigía las películas y la Coca las protagonizaba y las producía, y de esta manera, convirtiéndose en un binomio perfecto, llegaron a rodar un total de 29 películas que en cierto modo puede observárselas como un resumen de la historia de amor que vivían.
Para la pareja, sus películas eran sus hijos.

El primer largometraje que hicieron juntos fue “El trueno entre las hojas”, protagonizada por la pareja, y donde Isabel realizó su primer desnudo ante las cámaras, iniciando además una de las escenas que se repetirían a lo largo de todos sus filmes, donde la actriz aparecía nadando en el agua.
“Me habían bautizado ‘la higiénica’ porque siempre aparecía bañándome”, confesó en varias oportunidades.
El éxito obtenido con aquella primera película hizo que Isabel Sarli saltara al estrellato inmediatamente, convirtiéndose en el objeto de deseo de todos los hombres argentinos de aquella época, y convirtiéndola así en un símbolo sexual de su generación.

A partir de allí, la pareja no se detuvo y comenzó a realizar una producción constantes de filmes, cuyas particularidades eróticas también los llevaron a triunfar fuera del país.

Con argumentos similares en cada una de las películas, lo que en realidad buscaba el público al asistir a las salas de cine a “ver una de la coca” no era otra cosa que entregarse a las fantasías sexuales que despertaba la actriz.
Allí llegaron películas que hoy son consideradas clásicos del cine erótico internacional, y pioneras en el cine argentino de su estilo, como “La diosa impura”, “La mujer del zapatero”, “La mujer de mi padre”, “Carne”, “Fuego”, “Desnuda en la arena”, “Embrujada”, “Fiebre”, “Intimidades de una cualquiera”, “Último amor en Tierra del Fuego”, entre otras, culminado con la última realización de Armando Bo titulada “Una viuda descocada”, estrenada en 1980 y en la que La Coca comparte el protagónico junto al gran José Marrone.

La muerte de su gran amor en 1981, provocó una fuerte depresión en la actriz, quien durante un largo período decidió recluirse, retirándose de la escena pública por 15 años, volviendo a brillar en 1996 en el filme “La dama regresa” de Jorge Polaco, largometraje que significó un homenaje a la pareja de Bo.
Hoy, a sus 76 años, Isabel lucha por su salud mientras rememora aquellos años felices junto a su amado Armando, con quien logró tocar el cielo con las manos.
Mientras tanto, sus filmes se han convertido en películas de culto en todo el mundo, y muchos jóvenes que no vivieron la época de esplendor de La Coca, se han vuelto fervorosos fanáticos suyos. “Recuerdo que Armando decía que mis películas seguirían viéndose aunque pasaran 100 años”, dijo en una ocasión Sarli, y no se equivoca.

Anécdota: La presencia cercana de Armando Bo no intimidaba al fervor que provocaba la tremenda belleza de Isabel. Francisco Paco Rabal, quien filmó con ella Setenta veces siete, le pedía al maquillador de la morocha que le entregara cartas perfumadas en las que el español proponía encuentros fuera del set.
El Presidente de Panamá, Ornar Torrijos, le agarraba la mano y decía: «Ay, Isabelita, yo te quiero mucho».

Entonces Armando cortó por lo sano: «No vamos más a Panamá, porque ése está tan bobo con vos que cualquier día me achura».
También estaba ese japonés, presidente del Nippon Credit Bank, al que conoció en un avión y la pretendía.
O el cartero que atendía la casa en Martínez que Isabel todavía habita: «Comentó que yo salía desnuda a recibirle las cartas».
Pero lo más grave fue lo que ocurrió en México, durante la filmación de La diosa impura, con la dirección y proximidad de Armando Bo.
Isabel tenía 28 años y era tan linda que producía dolor mirarla.
Tiene la palabra ella: «Había una toma en que Julio Alemán, el galán más famoso de ellos. tenía que darme un beso.
Llegado el momento, puse la cara para fingir ese beso, y él me metió la lengua en la boca.
Por supuesto, no me la aguanté y le crucé la cara de un cachetazo.
Fue un sinvergüenza y poco profesional».
Ampliación del Tema:

Explica «Gogo» Safigueroa en su libro «Secretos y Anécdotas del Cine Argentino y Sus Protagonistas»:
«Una de las personas más amables que he conocido entre las mujeres del ambiente artístico es la señora Isabel Sarli.
Educadísima, a pesar de que muchas veces recibió críticas muy duras y algunas un tanto agresivas, podría haber adoptado algunas actitudes de diva, tal como lo fue por muchos años, y lo sigue siendo, a pesar de la poca actividad que hoy día desarrolla.
Fue y es una mujer de una sencillez incuestionable e incapaz de un exabrupto.
Realmente la admiro y la respeto. Pero tengo que confesar, sin embargo, que nunca vi una película completa de la dupla Sarli-Bo, ni aún en momentos de apogeo y teniendo en cuenta la profusión de sus incontables trabajos, con excepción de una, que se llamó Carne.
Era un filme que tenía la particularidad, además del protagonismo de Isabel Sarli, de que participaban actores relevantes del género cómico como Juan Carlos Altavista y Vicente Rubino.

Como la mayor parte de las películas de Armando Bo, la víctima siempre era Isabel, a partir de sus encantos, y las reacciones que éstos provocaban en los hombres.
Fui a ver esta película en estreno al cine Iguazú (hoy convertido en un recinto religioso). Llego a la sala, y en ese momento los periodistas que cubríamos cine éramos conocidos por casi todos los acomodadores, así es que casi no pasábamos por boletería.
Cuando llego, un rato antes del inicio, un amable acomodador me saluda y me lleva a elegir el lugar desde donde vería la película. Me acomodo en la anteúltima fila y dejo un asiento libre, la ‘punta de banco’ (como se le llama en la jerga cinematográfica a la primera butaca).

Al rato de comenzar la película un hombre de sobretodo con el cuello levantado se sienta a mi lado, en la butaca que había quedado vacía. Lo miré de solaz pero no registré quién era.
Seguí unos minutos más mirando, digamos unos fotogramas (pues ni siquiera fueron muchas secuencias), cuando me decidí a levantarme para irme, pues tenía ya una imagen formada de la película. Pero al girar mi cabeza para pedirle permiso para salir, cuál no fue mi sorpresa: esa persona sentada a mi lado era Armando Bo.

Sentí que le iba a hacer un desaire si dejaba la sala en ese momento, así es que me quedé hasta finalizar. Esa fue la única película que vi completa.»

https://historiaybiografias.com/artistas12/









IS con MM Cantinflas

 

Una diva que me sorprendió estos últimos años es Margot Robbie, una rubia que empezó a hacerse notoria en "El lobo de Wall Street" (2013) que mostró todos sus atributos. Desde entonces ha tenido un periplo exitoso además de una belleza cautivadora que no es posible pasar por alto y una interpretación más que correcta.

 

María Félix

(María de los Ángeles Güereña; Álamos, 1914 - Ciudad de México, 2002) Actriz cinematográfica mexicana. Dotada de una enigmática belleza latina, en su amplia filmografía (que incluye melodramas campesinos y revolucionarios, dramas urbanos y adaptaciones de novelas realistas y naturalistas) encarnó a una criatura altiva y desdeñosa que se rebelaba ante el sometimiento de la mujer al macho arrogante. A medio camino entre la devoradora de hombres y el ideal de la beldad inalcanzable, representó como nadie el arquetipo de la mujer fatal.

María Félix

Nacida en el rancho El Quiriego, cerca de Álamos, de niña se trasladó a Guadalajara, donde ganó un concurso de belleza. Estuvo casada con el compositor Agustín Lara (autor de Granada y el chotis Madrid, entre otras) y con el famoso cantante y también actor Jorge Negrete, con quien formó, en muchas películas, una pareja protagonista que ha pasado ya a la historia de la cinematografía mexicana.

María Félix fue descubierta por el director Miguel Zacarías, quien intentó y logró potenciar aquella "apasionada frialdad" que caracterizaba sus actuaciones. Con Miguel Zacarías debutó en el cine en 1942, interpretando la película El peñón de las ánimas, que inició la lista de los filmes en los que compartía reparto con el que iba a ser más tarde su tercer marido, Jorge Negrete. Trabajó por toda Latinoamérica y también en Europa, sobre todo en España, Francia e Italia, donde alcanzó gran popularidad.

El realizador Fernando Palacios le hizo estudiar arte dramático. Con este director consiguió su primer éxito importante en La mujer sin alma (1943), filme en el que tomó cuerpo su arquetipo de mujer bella y altiva. En el mismo año 1943 se le adjudicó el papel estelar de la cinta Doña Bárbara, basada en una adaptación de la obra homónima de Rómulo Gallegos y dirigida por Fernando de Fuentes. En esta película interpreta a una mujer soberbia, dominante, cruel, la clásica "devoradora de hombres" (lo que en el cine estadounidense se denomina "vamp", término procedente del apócope de vampiresa o mujer fatal), que habría de convertirse en su caracterización predominante a lo largo de toda su carrera cinematográfica.


María Félix en Doña Bárbara (1943)

La Doña, como solía llamársela, se convirtió pronto en un mito viviente del cine mexicano. La Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas le otorgó el Premio Ariel a la mejor actriz en tres ocasiones: en 1947, por Enamorada; en 1949, por Río Escondido (ambas películas, al igual que Belleza maldita, dirigidas magistralmente por Emilio Fernández el Indio), y en 1951, por Doña Diabla.
Cabe destacar su interpretación en el film Enamorada (episodio de una cualquiera de las múltiples revoluciones mexicanas), en donde María Félix es al mismo tiempo, y en lucha consigo misma, la instintiva, la hermosa, la esquiva y desdeñosa, la brava, la sometida, la rendida, la enamorada... El último fotograma de esta película (el revolucionario parte vencido y la enamorada corre, descalza y jadeante, para unírsele y compartir su destino) puede compararse a los planos finales del Marruecos de Josef von Sternberg, con Gary Cooper y Marlene Dietrich como protagonistas, aunque el gesto de María Félix sea más instintivo y, por ello, más convincente.


En La devoradora (1946)

Los títulos de las películas en las actuó forman una serie interminable. Desde sus inicios, María Félix trabajó prácticamente sin descanso, requerida por directores y productores mexicanos o extranjeros, hasta el punto de que, en ocasiones, llegó a protagonizar tres o cuatro películas anuales. Esto fue, por ejemplo, lo que ocurrió en 1946, cuando interpretó dos películas de título revelador (La devoradora y La mujer de todos) y fue la inolvidable protagonista de Enamorada; también al año siguiente, en 1947, trabajó en La diosa arrodillada, Río Escondido y ¡Que Dios me perdone!

Otras películas de mención obligada son La monja alférez, que plasma en imágenes la azarosa biografía de Catalina de Erauso, aventurera que luchó como soldado en el ejército español del siglo XVII; Amok, adaptación de la novela de Stefan Zweig realizada en 1944 por el director Antonio Momplet; Mare Nostrum (1948), cinta un tanto artificiosa que corresponde a su etapa española, donde la servil sumisión de la línea dramática al lucimiento de la belleza de María Félix no sólo perjudica la continuidad y eficacia del relato, sino que daña también la sinceridad expresiva de la propia actriz y su posible identificación con la heroína; Hechizo trágico (1954) y La Bella Otero (1954), biografía no excesivamente fiel de la famosa cupletista española Agustina Otero, más conocida como La Bella Otero; y Los ambiciosos (1959), uno de los filmes que realizó el aragonés Luis Buñuel en su fértil etapa de exilio mexicano.

Completarían la lista Juana Gallo (1961), La Valentina (1964), La casa de cristal (dirigida en 1967 por Luis Alcoriza), La Generala (1970) y Eterno esplendor (1978, bajo la dirección de Jaime Humberto Hermosillo). En 1970 participó además en la serie televisiva La Constitución. Por lo que se refiere al panorama internacional, cabría poner de relieve su colaboración en la cinta French Can-Can, dirigida en 1954 por Jean Renoir. En ella se lleva a cabo una evocación del Montmartre de 1890, que concluye con una brillantísima y frenética escena de baile en el Moulin Rouge. En 1981, la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas le otorgó un Ariel especial como reconocimiento a su dilatada y fecunda trayectoria cinematográfica, así como por su aportación al panorama interpretativo mexicano.

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/felix.htm

 

Si alguien ha visto el largometraje "Casablanca" (1942) sin lugar a dudas no ha pasado por alto la belleza de Ingrid Bergman (1915-1982), una actriz que participó en varias películas de las época dorada de Hollywood y que sacó más de un suspiro por aquellas facciones y de una elegancia que no se ve a menudo.

 

VIRNA LISI
(1937-2014)
Medía 1’68.

Virna Lisi nació el 8 de septiembre del año 1937 en Ancona (Italia).

Tras recortar su apellido real (Pieralisi), la joven actriz comenzó a trabajar a principios de la década de los 50 en películas italianas como “… E Napoli Canta!” (1953) de Armando Grottini o “Violenza Sul Lago” (1954) de Leonardo Cortese.

Después de afianzar su popularidad en Italia en producciones transalpinas y co-producciones europeas que incluían títulos como “Luna Nova” (1955), “La Donna Del Giorno” (1957) o “Felipe Derblay” (1959), consiguió llamar la atención internacional (especialmente por su físico) por films como el peplum “Rómulo y Remo” (1961), película de Sergio Corbucci en la que, interpretando a Julia, compartió protagonismo con Steve Reeves y Gordon Scott; “Eva” (1962), película de Joseph Losey basada en una novela de James Hadley Chase que fue protagonizada por Jeanne Moreau; “El Tulipán Negro” (1964), film de aventuras de capa y espada en tiempos de la Revolución Francesa con Alain Delon como co-protagonista; “Las Cuatro Muñecas” (1965) comedia de episodios con Virna dirigida por Dino Risi; o “Casanova 70” (1965) al lado de Marcello Mastroianni y dirigida por Mario Monicelli.



Su gran oportunidad en Hollywood llegó con “Cómo Matar a La Propia Esposa” (1965), una divertida comedia de Richard Quine con Jack Lemmon como protagonista masculino.

Aunque nunca triunfó en tierra estadounidense, Virna intervino en varias producciones más, como “Asalto Al Queen Mary” (1966), una película protagonizada por Frank Sinatra con dirección de Jack Donohue que está basada en una novela de Jack Finney, “Bromas Con Mi Mujer… No” (1967) al lado de Tony Curtis o “El Secreto De Santa Vittoria” (1969), una comedia bélica de Stanley Kramer co-protagonizada por Anthony Quinn y Anna Magnani.

Debido a su escasa relevancia en los Estados Unidos, Virna alternó su carrera americana con la europea apareciendo en títulos como “Señoras y Señores” (1966) de Pietro Germi, “La Hora 25” (1967) de Henry Verneuil, “Made In Italy” (1967) de Nanni Loy, “Problemas Extraconyugales” (1968) de Luigi Zampa, “Vidas Truncadas” (1969) de Terence Young o “Mejor Viuda Que…” (1969) de Duccio Tessari.



La mejor etapa de Virna Lisi acabó con el fin de la década de los sesenta. Siguió apareciendo en bastantes films europeos (y algún que otro americano) en los años 70 y 80 pero en la mayoría eran productos de escasa calidad en los que intentaba salirse de su imagen de sex symbol.

Ejemplos de esta etapa son “Barba Azul” (1972) de Edward Dmytryk, “Colmillo Blanco” (1972) de Lucio Fulci o “El Serpiente” (1973) de Verneuil.

En los años 90 continuó trabajando, principalmente en el medio televisivo, pero sin descuidar sus contadas apariciones en la gran pantalla, en donde fue muy bien recibido su trabajo por “La Reina Margot” (1994) interpretando a Catalina De Médici.

Estaba casada desde el año 1960 con el arquitecto Franco Pesci.
Tuvo un hijo llamado Corrado (nacido en 1962).
Virna falleció en Roma a causa de un cáncer el 18 de diciembre del año 2014.
Tenía 78 años de edad.
Está enterrada en el cementerio Flaminio de la capital italiana.

Filmografía

Rómulo y Remo (1961)
Eva (1962)
El Tulipán Negro (1964)
Cómo Matar a La Propia Esposa (1965)
El Secreto De Santa Vittoria (1969)

https://www.alohacriticon.com/cine/actores-y-directores/virna-lisi/

 

En este mismo tema ya habia manifestado mi opinión sobre que muchas mujeres guapas de Occidente estan en Francia. Y un ejemplo de ello es Marion Cotillard, tremenda actriz que ha actuado en películas europeas y en con éxito en los Estados Unidos con ese lunar tan caracteristico en su frente pero de un rostro inolvidable y agraciado.

 

No sera una diva por la actuación pero si por su belleza ( en su momento).

La sigo viendo en la zaga de CD, cuando estuvo casada con PH, impactante belleza y que no pasó desapercibida para nada para el Australiano, aunque estuvieron 13 años no tuvieron final feliz, el éxito del film les sirvió para vivir con ese éxito.



Linda Kozlowski nació el 7 de enero de 1958 enFairfield, Connecticut. Sus padres, Stanley y Helen Kozlowski son de ascendencia polaca. Kozlowski se crió en Fairfield, Connecticut y asistió a Andrew Warde High School, Fairfield. Se graduó de la escuela secundaria en 1976.

El debut de Kozlowski en la escena de la actuación fue en Cómo todo empezó, una producción fuera de Broadway que se desarrolló entre 1981 y 1982. En 1984, interpretó a Miss Forsythe en el programa de Broadway, Muerte de un vendedor. Más tarde desempeñó el mismo papel en la versión cinematográfica de Death of a Salesman al año siguiente.

Ella se convirtió en una estrella de cine como resultado de su papel principal femenino en el Cocodrilo Dundee en 1986 junto al coprotagonista Paul Hogan. En Crocodile Dundee, interpretó el papel de Sue Charlton, una reportera de un periódico de Nueva York que viaja a Australia para encontrarse con Mick Dundee, un legendario bosquimano y termina fascinado por él de que lo lleve de regreso a Nueva York con ella.


También protagonizó la secuela de 1988 Cocodrilo Dundee II y la secuela de 2001 Cocodrilo Dundee en Los Angeles. En 1988, protagonizó Pass the Ammo con Annie Potts, Bill y Tim Curry como coprotagonistas.

Kozlowski ha aparecido en algunas otras películas además de Crocodile Dundee, estas incluyen Casi un ángel en 1990, El vecino junto a Rod Steiger en 1994, Justicia callejera junto a Paul Sorvino en 1994 y Village of the Damned en el que jugó el papel de una viuda Jill McGowan. The Village of the Damned se lanzó en 1995. El papel de Kozlowski como Sue Charlton en el aclamado Crocodile Dundee II le valió una nominación a los Golden Globe Awards en 1988.
Kozlowski ha dejado de actuar y no ha estado encualquier película desde después de Crocodile Dundee en Los Ángeles en 2001. Ella atribuyó esto a estar insatisfecha con el tipo de roles que había estado obteniendo, esto informó su decisión de abandonar su carrera como actriz por completo.
Valor neto

Linda Kozlowski tiene un patrimonio neto de 10 millonesdolares Ella recibió un acuerdo de divorcio de $ 6.25 millones. Entre otras propiedades, posee una casa de $ 2 millones en la playa de Venice, Los Ángeles, California.
Vida familiar

Se produjo un romance de la vida real entre Kozlowski yCrocodile Dundee coprotagonista Paul Hogan del romance en pantalla de sus personajes. Paul Hogan es un actor, comediante, escritor y productor australiano. Ganó un Premio Globo de Oro al Mejor Actor en 1986 por su papel de Michael Dundee en Crocodile Dundee.


También fue nominado a los Premios de la Academia al MejorGuión original el mismo año para el mismo papel. Su historia de amor se convirtió en matrimonio después de que Paul Hogan se divorciara de su esposa, Noelene Edwards por segunda vez en 1990. Kozlowski también se había casado antes. Kozlowski tuvo un hijo con Hogan, Chance Hogan, en 1998.

Ella solicitó el divorcio de Paul Hogan en 2013. Unos años después de esto, mencionó que ella y Hogan se habían separado en los años previos al divorcio y casi no compartían ningún interés juntos. También declaró que había estado a la sombra de Hogan durante demasiado tiempo y que quería una vida diferente.



Kozlowski está actualmente en una relación con un guía turístico marroquí, Moulay Hafid Baba, con quien cofundó y opera un negocio de paquetes turísticos llamado Sueña mi destino en Marruecos.


Portada de Cocodrilo Dundee



PH, LK y el hijo que tienen

 

de las actrices antiguitas de los 50-60's que veo en este topic, siempre me ha gustado la Bardot, que belleza de mujer esta francesa, siempre la he encontrado más bella que la otra bomba rubia de la época, Marilyn Monroe (curiosamente ninguna de las 2 era rubia natural).
y despues de la BB, siempre me ha gustado Raquel Welch
yo ni habia nacido, ni era proyecto en esos años pero las fotos de Bardot y Welch siempre me gustaron desde chibolo, de entre ese grupo de bellezas "clasicas".

ya en estas epocas, Margot Robbie es otro lote, que fantasia sería una mujer asi

 

Una diva que me encantó desde que la vi en la película de Roman Polanski -"Tess" (1979)- es la actriz alemana Nastassja Kinski. Fue una actriz muy popular en los 80s y los 90s cuya su fama se debió al buen ojo de Roman Polanski para considerarla en "Tess" (una película que, por cierto, recomiendo ampliamente) puesto que antes ya habia actuado en algunos films -un tanto subidos de tono- sin mucho reconocimiento. Pero que sean las imagenes las que hablen de su belleza:

 

El 5 de agosto de 1962, la actriz estadounidense Marilyn Monroe, el gran mito erótico de los años cincuenta, fue hallada muerta en su casa de Hollywood. Aunque el forense dictaminó que la actriz se había suicidado con una sobredosis de somníferos, las causas de su muerte permanecen aún confusas; se apreciaron algunas contradicciones en el informe médico de su trágico fin. Las dificultades profesionales y su agitada vida sentimental parecieron estar en el origen de su muerte. En cualquier caso, la jovialidad y el vivir desenfrenado y despreocupado que muchas veces había representado en el cine y fuera de él se corresponden poco con el verdadero perfil de su vida, marcada por las contradicciones y los complejos de una niñez y una juventud desgraciadas, seguidas después de un éxito arrollador al que no supo hacer frente, ni siquiera cuando creyó encontrar, junto a personalidades como Arthur Miller, la estabilidad y la seguridad que persiguió durante toda su vida.


Marilyn Monroe en una imagen de 1953

Marilyn Monroe, de verdadero nombre Norma Jean Baker (o Norma Jean Mortenson, apellido de su padrastro), nació el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles, en el estado norteamericano de California. Hija de Gladys Baker, quien nunca le comunicó la identidad de su padre, su primera infancia fue muy dura. Su madre la dejó en manos de un matrimonio amigo hasta que cumplió siete años; entonces se la llevó a vivir consigo. Pero un año más tarde Gladys fue internada en un sanatorio psiquiátrico en el que se le diagnosticó una esquizofrenia paranoide, enfermedad que luego Marilyn creería haber heredado, especialmente cuando era internada por sus frecuentes depresiones. Su infancia y adolescencia transcurrieron entre un orfanato (en el que ingresó a la edad de nueve años y trabajó como ayudante de cocina), la casa de sus abuelos y las de varias familias que la adoptaron. En una de estas casas de acogida sufrió al parecer abusos sexuales por parte del cabeza de familia cuando contaba ocho años.

Nada hacía pensar que Norma Jean tuviera una futura carrera como actriz, ni tan siquiera el hecho de que su madre, una mujer extraordinariamente atractiva, hubiera trabajado durante un tiempo como montadora de negativo en Consolidated Film Industries. Marcada por la inestabilidad emocional y la pobreza, a los dieciséis años, tras abandonar sus estudios, se empleó en una planta de construcción de aviones. En la misma fábrica conoció a un mecánico de 21 años, James Dougherty, con quien contrajo matrimonio el 19 de junio de 1942 y de quien se divorciaría cuatro años después.

De modelo a actriz

Ese mismo año de 1946 un fotógrafo de modas la descubrió y la convenció de que se hiciera modelo. Así, la aún llamada Norma Jean comenzó su carrera como modelo bajo la tutela de la agente Emmeline Snively, que le sugirió cambiar el color de su cabello, que era castaño de nacimiento, por el característico rubio platino. Durante esta época, Norma Jean realizó un sinfín de campañas publicitarias, siendo muy recordadas las que hizo para anunciar trajes de baño. Paralelamente, su carácter inquieto y deseoso siempre de adquirir nuevos conocimientos la llevó a tomar clases de arte dramático en el Actor’s Lab de Hollywood y a asistir a cursos de literatura en la Universidad de Los Ángeles (UCLA).



El rostro de la modelo comenzaba a ser muy conocido. Sus innumerables trabajos publicitarios hicieron que en 1947 el magnate Howard Hughes, propietario de la compañía cinematográfica R.K.O., le ofreciera hacer unas pruebas de pantalla con el objeto de saber si podía dar juego ante una cámara cinematográfica; pero Norma Jean prefirió aceptar una oferta de la 20th Century Fox para trabajar unos meses como actriz de reparto. Intervino en tres películas olvidables en los que no fue debidamente acreditada, y ya entonces se verificó el cambio de nombre: Norma Jean pasó a llamarse Marilyn Monroe. Uno de sus primeros papeles era de figurante entre una multitud; se trataba de la película de Frederick Hugh Herbert Scudda Hoo! Scudda Hay!, con June Harver. En un momento del film, Marilyn se separaba del grupo para saludar a la actriz principal. Esta escena, sin embargo, se cortó luego en el montaje, y Marilyn recordaba algunos años después: «Una parte de mi espalda es visible en un plano, pero nadie lo supo aparte de mí y algunos amigos íntimos.»

Un año después la Fox rehusó renovarle el contrato, por lo que aceptó uno nuevo de parecidas características en Columbia. Para esta compañía actuó en la comedia musical Ladies of the chorus (1948), de Phil Karlson. Marilyn era una modesta bailarina de striptease llamada Peggy Martin y cantaba dos canciones. Para preparar este papel recibió lecciones del director musical de la Columbia, Fred Karger, con quien se cree que mantuvo relaciones íntimas. Al año siguiente participó en el que sería el penúltimo filme de los hermanos Marx más o menos al completo (Groucho, Harpo y Chico), Amor en conserva (Love Happy), de David Miller. En la película, Marilyn contoneó sus caderas con tanta donosura que Groucho, que interpretaba al detective Sam Grunion, manifestó por ella con su proverbial histrionismo un bullicioso deseo.


Con Groucho Marx en Amor en conserva (1949)

A continuación consiguió, ya para la productora Metro Goldwyn Mayer, un papel breve pero de suma importancia para su futuro como actriz: en el excelente thriller de John Huston La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle, 1950), interpretaba con bastante soltura a Ángela, la amante de un gángster al que acaba por traicionar. El siempre atento Joseph L. Mankiewicz, que había iniciado su carrera como realizador cuatro años antes, reparó en la joven Marilyn y le ofreció otro pequeño pero suculento papel en su melodrama Eva al desnudo (All About Eve, 1950). En esta película interpretaba a una superficial aspirante a actriz en lo que podríamos calificar como uno de los primeros papeles que respondían al estereotipo que más tarde se crearía de ella.

Poco antes, en 1949, Marilyn, que durante un tiempo compaginó las profesiones de actriz y modelo, dio su primer golpe en aras de la celebridad al posar para una sesión fotográfica cuyo resultado es aún hoy una de las más genuinas imágenes de una pin-up girl. Se trata de las imágenes que muestran en tomas cenitales a Marilyn desnuda sobre un cubrecamas de color rojo. Algunas de las fotos aparecerían ese mismo año en un calendario, y algo después, en 1953, una de ellas sería la portada del primer número de la famosa revista erótica Playboy. Esto, sin duda, fue un verdadero acontecimiento mediático, quizá de los primeros que pueden ser comparados a los que se dan hoy día.

Mientras tanto, la actriz no abandonaba su carrera en el cine. Tras realizar algunos papeles secundarios no demasiado destacables, en 1952 apareció en algunos títulos de cierta importancia, bien por sus directores, bien por el trabajo que desempeñó en ellos: Encuentros en la noche (Clash by night), de Fritz Lang; No estamos casados(We’re not married), de Edmund Goulding; el episodio que Henry Koster realizó para el film colectivo Cuatro páginas de una vida (O´Henry’s Full House); y la película de intriga Niebla en el alma (Don´t bother to knock), de Roy Ward Baker, en el que encarnó de manera muy convincente al personaje de Nell Forbes.


En Niebla en el alma (1952)

Marilyn estuvo verdaderamente espléndida en su papel de Nell, una niñera perturbada que había intentado suicidarse en el pasado y que, desesperada y medio loca tras haber perdido a su gran amor, se disfraza ahora con las joyas de su señora para seducir a un atractivo piloto. La niña a la que debe cuidar aquella noche, Benny, frustra sus planes, por lo que la alucinada muchacha la amenaza primero con destriparla con tanta facilidad como a una muñeca, y luego la amordaza y la ata a la cama. En esta sádica y desquiciada relación con la pequeña, Marilyn dio muestras de una convincente crueldad que, al tiempo que desvelaba sus excelentes dotes dramáticas, tal vez le trajo a la memoria los horrores sufridos durante su propia infancia. Fue sin duda uno de los mejores papeles de su carrera.

Estrella de la comedia

Pero el filme realmente importante de ese año fue la comedia de enredo Me siento rejuvenecer (Monkey Business), de Howard Hawks, el director que junto a John Huston y Billy Wilder tal vez supo extraer lo mejor de Marilyn Monroe. En esta comedia, verdadero clásico del género escrita por Ben Hecht, Charles Lederer y I.A.L. Diamond, hacía el papel de una secretaria rubia y tonta junto a dos verdaderos monstruos del género, Cary Grant y Ginger Rogers. La maestría de la puesta en escena y la espléndida carpintería dramático-cómica de la película era lo que estaba necesitando la carrera de Marilyn, que por fin podía demostrar su valía más allá de los estúpido que pudiera ser el personaje que interpretara. Además, y como se vería más adelante, fue en la comedia más o menos pura donde la actriz dio lo mejor de sí misma.
En 1953 iba a hacer las primeras tres películas en que su contribución era importante. En primer lugar, Niágara , un filme de suspense a lo Hitchcock que dirigió el siempre eficiente Henry Hathaway, pero que no era el tipo de producción idónea para la actriz. Mucho más importante, ya que tal vez es el título que marca el inicio de Marilyn Monroe como estrella y como mito sexual, es Los caballeros las prefieren rubias (Gentlemen prefer blondes), una nueva comedia, esta vez musical, de Howard Hawks.
Los caballeros las prefieren rubias, basada en una ingeniosa novela de Anita Loos, contaba la historia del enfrentamiento de dos coristas, una morena, la turgente Jane Russell, y otra rubia, Marilyn, que tratan de cazar a uno de los solterones más deseados y ricos de América. En esta película, plagada de excelentes gags y de provocativos números musicales, Marilyn demostró que era, además de una buena actriz de comedia, una notable cantante y bailarina, con un estilo personal y muy sugestivo. De hecho, el buscado personaje masculino, que interpretó Charles Coburn, optaba finalmente por quedarse con Lorelei Lee, la rubia.


Marilyn en Los caballeros las prefieren rubias
y Cómo casarse con un millonario (1953)





El tercer trabajo que hizo ese año fue un filme argumentalmente bastante parecido,Cómo casarse con un millonario (How to marry a millionaire), de Jean Negulesco, en el que Marilyn y otras dos actrices, esta vez Betty Grable y Lauren Bacall, se proponían conquistar a un millonario a toda costa. No tan exuberante ni rotunda como la anterior, era una película que explotaba en clave de comedia la disparidad de físicos y caracteres de las tres intérpretes femeninas y, por tanto, resultaba un trabajo muy a la medida de las aptitudes de Marilyn Monroe. Como consecuencia de estos sensacionales trabajos, en 1954 le sería otorgado el prestigioso Globo de Oro a la mejor actriz.

Convertida en menos de un año en una de las estrellas más rutilantes del firmamento cinematográfico hollywoodiense, el 14 de enero de 1954 contrajo matrimonio con el mítico jugador de béisbol Joe DiMaggio, uno de los primeros deportistas estadounidenses cuya popularidad era comparable a la de una estrella del cine. La boda fue uno de los acontecimientos sociales más sonados de ese año, pero sólo unos meses después, el 27 de octubre, DiMaggio y Marilyn se divorciaron. A pesar de ello, y según el testimonio de amigos de la actriz, Joe DiMaggio fue, de los tres maridos que tuvo, el único al que quiso realmente.


Joe DiMaggio

Cinematográficamente hablando, 1954 no fue un gran año si se compara con el precedente o con los siguientes. Participó en dos títulos; el primero fue un peculiar cruce entre el melodrama y el western que dirigió Otto Preminger, Río sin retorno(River of no return), un buen filme coprotagonizado con Robert Mitchum en el que Marilyn no brilló especialmente. El segundo, la comedia musical Luces de candilejas(There’s no business like show business), realizada por Walter Lang, resultó de un nivel muy inferior a las que había protagonizado el año anterior.

En la cumbre

Pese a los éxitos profesionales que había obtenido en poco tiempo, su vida personal no era nada satisfactoria. Además del reciente fracaso sentimental con DiMaggio, no cesaba de luchar para demostrar que era algo más que una cara y una figura bonitas. Cuanto más se convertía en una sex-symbol, más intentaba no sucumbir a la conformista imagen que proyectaba. El acoso al que era sometida por parte de los directivos de las productoras era constante. Si en sus filmes ella atraía al hombre con su cuerpo y su inocente encanto, en la vida se jactaba de no haber aceptado nunca acostarse con los productores y jefes de los estudios, algo que a buen seguro le habría facilitado las cosas para conseguir mejores papeles, sobre todo en los inicios de su carrera.

Por otra parte, su arraigado complejo de nulidad intelectual, seguramente causado por haber abandonado pronto los estudios, la llevó a nuevas actividades. En 1955, por ejemplo, acudió al prestigioso Actors Studio neoyorquino para tomar clases con Lee Strasberg. Inducida por Strasberg, estudió el psicoanálisis con la finalidad de conocerse más a sí misma y hacer aflorar su potencial interpretativo. Strasberg, un hombre generoso, la trató como un padre y le ofreció intervenir en sesiones teatrales del centro, protagonizando obras como Un tranvía llamado deseo, de Tenessee Williams, y Anna Christie, de Eugene O´Neill. Estos detalles fueron objeto de burlas por parte de ciertos ambientes de Hollywood que se obstinaban en verla como una actriz cuyo único atributo valioso era el de despertar una irrefrenable atracción en los hombres.
Las dos películas en las que intervino a continuación, aunque excelentes, presentaban al personaje que debía interpretar como alguien con más de un paralelismo con esa otra Marilyn de la vida real. Tanto en La tentación vive arriba(The seven year itch, 1955), de Billy Wilder, como en Bus Stop (1956), de Joshua Logan, Marilyn llevó a cabo dos interpretaciones estupendas. Pero el gran público, en lugar de cambiar la idea que tenía de la actriz fijándose en su capacidad interpretativa, todavía la encasillaba más, debido a que eran papeles similares a la imagen que desde los estudios se había dado de ella.


Marilyn Monroe en La tentación vive arriba (1955)
y en Bus Stop (1956)



La presión habitual a la que se sometía a una gran estrella, el menosprecio que sentía que le profesaban algunos profesionales de la industria y el descontento consigo misma no tardaron en hacer mella en Marilyn. Su comportamiento en los rodajes era cada día más problemático, con frecuentes impuntualidades, excusas para intempestivas ausencias y malas relaciones con actores y técnicos. Por esta época comenzó a tomarse períodos de descanso en clínicas debido a las depresiones en que cada vez con mayor frecuencia se veía sumida.

Con todo, seguía estando en el ojo del huracán, siendo el objeto preferido de la prensa; pero también ello resultaba frustrante. Aceptaba conceder una entrevista a la espera de que algún periodista se interesara por sus inquietudes intelectuales, por lo que leía o por el tipo de películas que le gustaría interpretar, pero lo único que encontraba sistemáticamente eran burdas cuestiones de tocador. Algunas de sus respuestas de entonces se convirtieron en célebres, como cuando aseguró que no usaba ropa interior o que para dormir sólo se ponía Chanel n. 5. Así es que, inconscientemente o no, la propia Marilyn terminaba contribuyendo a consolidar la percepción que de ella tenía la gente.

Nuevos rumbos

1956 fue un año crucial en su vida, ya que el 29 de junio se casó con el dramaturgo Arthur Miller, para lo que debió convertirse previamente al judaísmo. Este enlace fue más sorprendente si cabe para el público y la prensa que el de DiMaggio. Miller, escritor y dramaturgo serio, proveniente de la élite intelectual judía, de posiciones ideológicas abiertamente izquierdistas, se casaba con una mujer que supuestamente era la antítesis: superficial, frívola, sin ideas propias y que aparecía habitualmente en las portadas de la prensa amarilla. Y quienes le auguraron lo peor, acertaron, ya que este tercer y último matrimonio fue un nuevo fracaso personal. La desenfadada e ingenua Marilyn Monroe no congenió con el exclusivo círculo de intelectuales neoyorquinos en que se desenvolvía Miller, y a pesar de que no se divorciaron hasta enero de 1961, pronto se distanciaron de forma irremediable.


Arthur Miller y Marilyn Monroe

Entretanto, Marilyn había puesto en marcha un nuevo proyecto que causaba el recelo de los jefes de los estudios: su propia productora. Cansada del maltrato y el desprecio, en 1957 viajó a Gran Bretaña para protagonizar y producir El príncipe y la corista (The Prince and the Showgirl), nueva variación algo más dramática del tema de Los caballeros las prefieren rubias y Cómo casarse con un millonario. Como director y partenaire suyo Marilyn eligió al shakesperiano y muy británico Laurence Olivier. El rodaje fue, como venía siendo habitual, algo turbulento, con enfrentamientos con Olivier, retrasos, pastillas y alcohol. Curiosamente la crítica especializada, que ya había destacado su buen hacer como actriz dramática en Bus Stop, fue unánime al señalar que la espontaneidad y el encanto de Marilyn habían eclipsado a Olivier, aunque fue inmisericorde con la película.

De regreso a Estados Unidos, volvieron a surgir los problemas, las inseguridades y los temores de Marilyn: un matrimonio que ya no funcionaba; unos estudios cada vez más refractarios a contratarla, por extraño que esto pudiera parecer dada su inmensa popularidad; nuevas depresiones; nuevas estancias en sanatorios o clínicas de descanso, y dos nuevos factores, o cuando menos más acentuados: el consumo de alcohol y de píldoras, en especial barbitúricos.


En El príncipe y la corista (1957)

En su siguiente película, Con faldas y a lo loco (Some like it hot, 1959), genial y mordaz comedia sobre el amor y el transexualismo en que volvió a dirigirla Billy Wilder, el rodaje se convirtió en un verdadero suplicio. En sus memorias, Wilder lo recordaría como la experiencia más traumática de su carrera debido al imprevisible comportamiento de la actriz, que nunca llegaba a la hora o que, simplemente, tenía que repetir hasta 65 veces un plano en el que tan sólo tenía una frase. No obstante, y gracias en cierto modo a la buena química que había con los otros dos actores principales, Tony Curtis y Jack Lemmon, el resultado final fue satisfactorio; el trabajo de Marilyn sería premiado en 1960 con un nuevo Globo de Oro, esta vez en la categoría de mejor actriz de comedia o musical.

En 1960, coprotagonizó junto al actor francés Yves Montand el film de George CukorEl multimillonario (Let´s make love). Aunque con un planteamiento habitual en la filmografía de Monroe (chica humilde pero con ansias de superación que encuentra el amor en un hombre rico), Cukor imprimió al argumento un mayor acento dramático. Era una producción suntuosa, correctamente realizada, y con un buen trabajo de la pareja protagonista, pero aun así había algo en el conjunto que no terminó de funcionar. Durante el rodaje, Monroe y Montand tuvieron un romance que no pasó a mayores. Marilyn se enamoró del actor, pero para Montand no era más que una aventura. Una vez más, la mujer más deseada del mundo no encontraba o tenía dificultades para conservar un amor.

Un triste final

Su última aparición cinematográfica, si descontamos la incompleta y no estrenada película de Cukor Something´s got to give, fue para muchos críticos y aficionados el mejor trabajo de cuantos realizó Marilyn Monroe. Vidas rebeldes (The Misfits, 1961), de John Huston y con guión del aún marido de Marilyn, Arthur Miller, era un filme elegíaco, tocado con la rara cualidad de lo irrepetible, que unía en la pantalla a tres grandes actores, Clark Gable, Montgomery Clift y Marilyn Monroe, tres estrellas que además estaban atravesando por distintos motivos unos momentos personales especialmente delicados. Una historia de perdedores, tan del gusto de Huston, que en un último crepúsculo encontrarán al menos un lugar donde poder descansar y compartir sus experiencias con alguien. Intensa y emotiva, quizá este papel fue el mejor regalo que pudo hacer a Marilyn Arthur Miller, con quién se divorciaría poco después, el día 21 de enero de 1961, justo una semana antes del estreno de Vidas rebeldes. Su sentida interpretación de la divorciada Roslyn Taber, que encuentra un nuevo amor en el personaje que encarna Gable, volvió a ser destacada en 1962 con un nuevo Globo de Oro.


En Vidas rebeldes (1961)

Los últimos meses de la vida de Marilyn presentan una serie de zonas oscuras que probablemente nunca lleguen a esclarecerse, como su relación con el entonces presidente de Estados Unidos, John Fitzgerald Kennedy, que parece probado que fue de naturaleza íntima, o más tarde con el hermano de éste, el senador Robert Kennedy, en la que algunos indicios pueden hacer pensar que fue tan sólo de amistad. De cualquier modo, los nombres de ambos aparecieron entonces y siguen apareciendo hoy en el asunto de la muerte por suicidio de la actriz, que falleció el 5 de agosto de 1962 a causa de una sobredosis de barbitúricos en su casa de Brentwood, California.

A las 3 de la madrugada, la señora Murray, su ama de llaves, la encontró en la cama en una postura extraña, con el teléfono fuertemente aferrado en una de sus manos y las luces encendidas. Un frasco vacío de Nembutal encima de la mesilla atestiguaba la ingestión masiva de pastillas por parte de la estrella. El médico forense certificó su muerte y expresó su convencimiento de que se trataba de un suicidio. En años posteriores, una auténtica industria del escándalo, de la que formarían parte la prensa amarilla, la de extrema derecha y un Norman Mailer arruinado y angustiosamente necesitado de dinero, especularon incansablemente sobre la relación entre su muerte y los hermanos Kennedy.

No era la primera vez que había ingerido una sobredosis de barbitúricos combinada con alcohol: exactamente lo mismo había ocurrido en la primavera del año anterior, poco después de la separación de Miller y del estreno de Vidas rebeldes. La policía, extrañamente, no reveló el nombre de la sustancia que había tomado Marilyn, e incautó y rehusó hacer públicas las cintas magnetofónicas de la compañía de teléfonos en que estaban grabadas las llamadas que efectuó la noche de su muerte. Esto no hizo más que confirmar las sospechas de que Marilyn llamó a alguien en busca de ayuda, alguien cuya alta posición pública no le permitía afrontar el escándalo que hubiera supuesto verse envuelto en semejante asunto.
Pese a la infinidad de biografías y libros que sobre ella se han escrito (incluyendo su autobiografía, aparecida póstumamente en 1974), en los que se ha podido percibir esa otra Marilyn que no se ajusta al tópico, aún hoy sigue apareciendo en primer lugar, o en un lugar muy destacado, en toda clase de rankings más o menos frívolos: en 1995 fue votada por los lectores de la revista inglesa Empire como la actriz cinematográfica más sexy de todos los tiempos; la misma revista, en 1997, la situaba como la octava estrella del cine (masculina y femenina) más grande de todos los tiempos; y en 1999, la americana People Magazine la consideraba la mujer más sexy del siglo.


La tentación vive arriba (1955)

En definitiva, a pesar de los denodados intentos que Marilyn Monroe llevó a cabo en vida para ser considerada de manera distinta a como se la veía, difícilmente desaparecerá nunca de la imaginación colectiva como uno de los íconos eróticos del siglo XX. La imagen de La tentación vive arriba, con blusa y falda plisada blancas que se le levantan y agitan cuando pasa sobre un respiradero del metro de Nueva York, ha quedado indisociablemente unida a su nombre. Su desaparición en plena juventud, y en la cumbre de su fama como actriz y como mito erótico vivo, no hizo más que acrecentar la leyenda.

https://positive-diva.com/2021/06/01/marilyn-monroe-biografia-la-diva-mas-grande-de-la-historia/

 

Siempre estuvo envuelto en un halo de misterio la muerte de Marilyn Monroe. Muchos creen que se suicido, pero por ahi lei que en realidad sabia muchas cosas de los hermanos John y Robert Kennedy que, al parecer, trataron de ocultar las circunstancias de su muerte. Ella era muy cercana a ellos, especialmente con John quien fue su amante.

 

La ví en "La Momia" (1999) y en "En el regreso de la Momia" (2001) y quede maravillado por su belleza. Me refiero a Rachel Weisz, quien en su juventud mostraba una belleza que se alejaba -hasta cierto punto- del clásico fenotipo de las mujeres inglesas y, sumado a unas interpretaciones correctas en cuanta película participaba, la hicieron muy popular en los 2000s. Aunque quizás no destaqué tanto como en antaño se valora su más reciente interpretación en "La favorita" (2018), una película con ecos a "Barry Lyndon" (1975) y que estuvo nominado al Oscar, donde realmente sobresale como la perfida consejera Sarah Churchill.

 

Algunas desapariciones tienen un trasfondo y los medios de C han ayudado a saber vender, marketearse y prolongar su legado. Sea una u otra cosa, MM nunca pasara desapercibida. La vigencia del mito trasciende la realidad.

 

No hay que olvidar a Nicole Kidman, genial actriz que se hizo muy conocida desde los años 90s y cuya belleza cargada de luminosidad y sensualidad la ha caracterizado desde entonces. Recuerdo mucho su papel en "Ojos bien cerrados" (1999), al lado de un formidable Tom Cruise (eran pareja en aquella época), en su faceta de esposa un tanto insatisfecha.

 

Nació el 24 de marzo de 1960 en Nueva York (Estados Unidos)
Biografía
Mide 1’73.
Kelly LeBrock es una actriz nacida en Nueva York, hija de Harold LeBrock y Mary Cecilia Traynor.
Tiene ascendencias británicas, irlandesas, francesas y canadienses.
Comenzó a trabajar como modelo en su adolescencia, logrando colaborar con importantes marcas.



Su fama en la moda le llevó a protagonizar junto a Gene Wilder “La Mujer De Rojo” (1984), comedia en la que interpretó a una modelo y en la que se le levantaba la falda al estilo de Marilyn Monroe en “La Tentación Vive Arriba” de Billy Wilder.

En el año del estreno de “La Mujer De Rojo”, Kelly se casó con el empresario Victor Drai, el productor de “La Mujer De Rojo”. Se divorciaron dos años después, en 1986.

En medio protagonizó otra de sus películas más conocidas, la comedia de ciencia-ficción “La Mujer Explosiva” (1985), con dirección de John Hughes.
Esas dos películas de “mujer” hicieron de Kelly un icono sexual 80s.

En 1987 se casó con Steven Seagal (nacido en 1952). El mismo año tuvieron a su hija Annaliza.

En 1990 nació su hijo Dominick.

En 1993 vio la luz su segunda hija, a la que llamaron Arissa.
Tras “La Mujer Explosiva”, Kelly se volcó más en su trabajo como modelo, no regresando al cine hasta “Difícil De Matar” (1990), film de acción en el que coincidió con su segundo marido.



Más tarde, LeBrock volvería de forma poco regular al cine y en producciones, la mayoría olvidables.
Algunas de ellas son..
“Divorcio Mortal” (1993), thriller con Helen Slater y Billy Zane
“Dura Recompensa” (1995), un film del Oeste
“La Huella Del Asesino” (1996), serie B que fue directamente al mercado del vídeo
En 1996, Kelly se divorció de Seagal.
En 1998 participó en la parodia “¡Vaya Un Fugitivo!” (1998), con Leslie Nielsen como protagonista.
De forma muy irregular, Kelly regresó a la gran pantalla en contadas ocasiones, como en…
“El Aprendiz De Brujo” (2001), con Robert Davi como el Mago Merlín
“Gamers” (2006), comedia de Christopher Folino
“Charlie Boy” (2021), otra comedia, en este caso dirigida por Timothy Hines



En el año 2007, la neoyorquina se casó con el financiero Fred Steck, quien fue socio de Goldman Sachs.
Ese mismo año intervino en el concurso de televisión “Hell’s Kitchen”.

FILMOGRAFÍA



LA MUJER DE ROJO (1984) de Gene Wilder
LA MUJER EXPLOSIVA (1985) de John Hughes
DIFÍCIL DE MATAR (1990) de Bruce Malmouth
DIVORCIO MORTAL (1993) de Strathford Hamilton
DURA RECOMPENSA (1995) de Jim Wynorski
LA HUELLA DEL ASESINO (1996) de Harvey Frost
¡VAYA UN FUGITIVO! (1998) de Pat Proft
EL APRENDIZ DE BRUJO (2001) de David Lister
ZEROFILIA (2005) de Martin Curland
GAMERS (2006) de Christopher Folino
THE MIRROR (2007) de Stephen Eckelberry
10 DÍAS EN UN MANICOMIO (2010) de Timothy Hines
SMALL TOWN PRINCE (2015) de Fred Olen Ray
CHARLIE BOY (2021) de Timothy Hines

https://www.alohacriticon.com/cine/actores-y-directores/kelly-lebrock/

 

Meg Ryan es una destacada actriz que tuvo su época de oro en los años 90s cuando protagonizó películas que siguen siendo recordadas hasta estos tiempos: "Cuando Harry conoció a Sally" (1989) (donde regalaria para la posteridad la recordada escena de falso orgasmo) , "Joe contra el volcan" (1990), "Sintonía de amor" (1993), "Tienes un e-mail" (1998). Y no solo sus interpretaciones fueron buenas, súmese a ello su carisma y esa encantadora sonrisa que cubria toda la pantalla y... esa belleza que poseia en los 90s, algo que sin duda en estos dias ha perdido.

 

Kate Beckinsale, bella actriz que tuvo su paso por Hollywood principalmente en los años 2000s con películas como la taquillera "Pearl Harbour" (2001), la romantica "Señales de amor" (2001), "Underworld" (2003), la tenebrosa "Van Helsing" (2004) y la divertida "Click" (2006) junto a Adam Sandler. Esta inglesa también tiene un perfil académico puesto que estudió literatura francesa y rusa en la universidad de Oxford. Aunque siempre nos quedara su inmaculada belleza inmortalizada en el celuloide.

 

Jennifer Connelly es una diva que no puede faltar en ningun ranking que se precie de serlo. Aparecio nitidamente en "Erase una vez en América" (1984) pero seria en "Laberinto" (1986) donde se haria ampliamente conocida en Hollywood con una carrera interesante en la cual fue desarrollando sus habilidades interpretativas al punto de ganar un Oscar en 2002 gracias al largometraje "Una mente maravillosa" (2001). Ademas de ello no puede pasarse por alto su cautivadora belleza.

 

Vivica a Fox

Vivica Anjanetta Fox nació el 30 de julio de 1964 y creció en Indianapolis, Indiana. Es la mas joven de cuatro hermanos, creciendo con su hermana y dos hermanos. Concurrió al Golden West College en Huntington Beach, California, y se graduó en ciencias sociales con un grado asociado en arte. Es una actriz talentosa que irrumpió en la escena de Hollywood con su película debut, junto a Will Smith en la taquillera “Independence Day”. Interpretó a Jasmine DuBrow, la sexy y heroica novia del piloto Smith. La dinámica y sexy pareja ganaron un MTV Award al mejor beso. Luego de su actuación en Independence Day, Fox protagonizó la película dramática “Set it Off” junto a Jada Pinkett-Smith, Queen Latifah y Blair Underwood. Luego de una temporada en “Booty Call” en 1997, Vivica protagonizó “Batman & Robin” junto a Arnold Schwarzenegger, Uma Thurman y George Clooney. Mostró su gran talento interpretando el papel de Ms B. Haven. También en 1997, Vivica interpretó a una de las tres hermanas en el drama familiar “Soul Food”, trabajando junto a Vanessa Williams y Nia Long. Ese papel le valieron recibir una nominación en los MTV Movie and Image Award como mejor actriz. Vivica también fue votada como una de las personas mas bellas del mundo por la revista People en 1997.

El especial de la ABC “Arsenio” (1997) fue otro proyecto del cual la talentosa Fox formó parte.
1998 y 1999 fueron también años con mucho trabajo para Vivica. Protagonizó “Why Do Fools Fall in Love” (1998) con Larenz Tate, Halle Berry y Lela Rochon en una película sobre Frankie Lymon. “Idle Hands” (1999) siguió luego en su lista, donde interpretó a una sacerdotisa druida tras las fuerzas del mal en un pequeño pueblo, trabajando junto a Jessica Alba. Coprotagonizó además con la actriz británica Helen Mirren y Molly Ringwald, Katie Holmes y Barry Watson, como Miss Gold, en una película sobre tres estudiantes que tomaron como rehén a una impopular profesora, “Teaching Mrs. Tingle” (1999).
Finalmente, en el 2002, Vivica protagonizó “Boat Trip” junto a Cuba Gooding Jr., Horatio Sanz y Roselyn Sanchez. Sin embargo, el 2003 marcó el sorprendente regreso de la mano de “Kill Bill: Vol. 1” de Quentin Tarantino, que fue un gran éxito de taquilla. También en 2003 Vivica protagonizó junto a Duane Martin “Ride or Die”, y en el 2004 protagonizó “Motives, Ella Enchanted, Kill Bill: Vol 2” y “Blast!”, con Eddie Griffin.
En cuanto a su vida personal, se casó con el cantante Christopher “Sixx-Nine” Harvest en 1998, para luego divorciarse en 2002. Luego de una corta relación con el rapero 50 Cent en el 2003, Vivica se encuentra soltera nuevamente.

 

Hablando de morenas, me ha hecho recordar a Halle Berry, una destacada actriz afroamericana que se hizo famosa en Hollywood en los años 90 de la mano de algunas películas comerciales (como los de la saga de James Bond, al lado de Pierce Brosnan) hasta que llega al punto más alto de su carrera al ganar el Oscar por mejor actriz en 2002 gracias a su destacada interpretación en la película "Monster Ball" (2001), el cual incluia una candente escena que la mostraba en todo su esplendor. Lástima que tras el fracaso comercial de "Gatubela" (2004) su carrera haya quedado en un segundo plano.

 

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